Desde la 52

DEP Bob Brookmeyer (1929-2011)

2011-12-16T23:00:00.003Z

Bob Brookmeyer ha fallecido a tres días de haber cumplido los 82. Es uno de mis músicos favoritos, probablemente mi músico favorito de esto que llamamos jazz. ¿Por qué? Porque me gusta el swing que gasta siempre, y su sonido, y sus arreglos, y su ingenio, y su intelecto, que aplicó a sus arreglos y a solos llenos de ideas y melodías originales. En la entrada anterior comenté un par de temas que merece la pena escuchar con Stan Getz, "Rustic Hop", un tema original que levantará el ánimo de cualquier ser vivo, y "Varsity Drag", en el que abre su solo con una frase muy simple (primero toca una tercera mayor, a continuación una menor) con un swing que tumbará a cualquiera.

Ya se han oído voces clamando por qué no recibió más reconocimiento en vida. En mi opinión, más allá del jazz, porque esta música no significa apenas nada para la inmensa mayoría del planeta, y dentro del jazz, y esto sí que sería triste, probablemente porque su larga carrera no encaja en ningún estilo ni en ninguna de esas rígidas clasificaciones que críticos y aficionados de esta música, presuntamente abiertos de miras, han creado y les son tan cómodas.

Hace algún tiempo escribí sobre Brookmeyer, en una entrada de este blog en la que además hay una buena entrevista en vídeo. Años atrás también tuve ocasión de charlar con él, y me comentó que su disco favorito a su nombre es el Gloomy Sunday de 1961, en el que compartió los aperos de arreglar con estimados colegas como Ralph Burns.

Para catar algo de la carrera de este músico también se puede sintonizar la edición de Night Lights que le dedicó a Brookmeyer David Brent Johnson de la radio pública del estado de Indiana, EEUU, con una pequeña ayuda del que suscribe. Otro programa, aun mejor, es el perfil que le dedicó NPR por su 70º cumpleaños, producido por Bill Kirchner.

Hasta siempre, Mr. Brookmeyer, y gracias por todos los buenos momentos.

¿Qué regalar? A la rica caja...

2011-12-12T08:00:00.006Z

Estamos casi a finales de año y, fiel al espíritu de servicio público del personal de este blog, vamos a repasar las novedades en ese tipo de artefacto tan afecto para los aficionados al jazz: la caja.

Hace unos días, Elvis Costello salió en las noticias porque en su blog criticó abiertamente a la discográfica que ha publicado una caja con grabaciones suyas a causa de su precio de venta al público, que considera “una errata o una sátira… un bulo muy elaborado”. Esta caja incluye un cedé, un DVD y un disco de vinilo de 10", y lo cierto es que no hemos conseguido verla por menos de $200.

Lo que el Sr. MacManus recomendaba comprar, en lugar de su propio producto, es un hermoso estuche de Louis Armstrong titulado Ambassador of Jazz. Da la casualidad de que esta caja estaba agotada en EEUU, y sólo podía conseguirse a través del Museo de Louis Armstrong en Queens (Nueva York), lo cual ha sido una agradable sorpresa para mi estimado colega Ricky Riccardi y sus colegas del museo. Y con razón, además. Los tiempos pueden estar cambiando, pero la publicidad sigue siendo un arma poderosa: como Ricky explica en su blog, el pasado viernes 9 vendieron su último ejemplar de la caja.

De esta historia cabe señalar que ambas cajas, la de Costello y la de Armstrong, han salido bajo el paraguas de Universal. La de Costello viene de la mano de la subsidiaria Hip-O Select, un sello que ha realizado algunas buenas obras, también en el campo del jazz . Sus cajas son de presentación cuidada. De su colección, la que fue un pequeño sueño hecho realidad fue su Stan Getz Quintets: Clef & Norgran Studio Albums.

El motivo es simple: esta edición es la primera jamás publicada en cedé de las grabaciones completas en estudio del primer quinteto de Stan Getz con Bob Brookmeyer y, la verdad, la única con un sonido decente. La música presenta a Stan Getz en forma a principio de los cincuenta, mucho swing, sorpresitas como el cuarteto con Max Roach a la batería y Jimmy Rowles al piano y, especialmente, la presencia de Bob Brookmeyer como solista (el principio de su solo en "Varsity Drag"), compositor ("Rustic Hop") y cerebro musical. La única decepción, especialmente al precio al que suele salir esta recopilación, es un pequeño error: la versión incluida de “Flamingo” es la del At the Shrine, el disco en vivo del quinteto en cuestión, y no la toma en estudio. Hip-O debería haber ofrecido un disco de recambio (como Mosaic hace en las escasas ocasiones en que ha sido necesario), pero no han ido más allá de ofrecer el tema que falta en mp3.

Con respecto a los precios, según nuestra experiencia con un poco de paciencia y vigilancia de ciertas tiendas en internet se suelen lograr frutos. Aun así, nunca viene mal una alternativa para aplacar el deseo de hacer un regalo —a otros o a uno mismo— de una buena caja. Una posible opción viene de Francia.

Universal France acaba de publicar una serie de cinco cajas en las que se recogen las tomas máster de grabaciones de Louis Armstrong, Sidney Bechet, Ella Fitzgerald, Billie Holiday y Charlie Parker. Estas cajas contienen entre 13 y 15 cedés, un librillo de 70 páginas con anotaciones en inglés y francés, datos discográficos completos y fotos bien reproducidas. En cuanto al precio, busquen y juzguen ustedes mismos.

Hasta el momento sólo hemos probado la caja de Ella y la de Bechet. El interés de la primera reside en que reúne todos los másters de la cantante desde el inicio de su carrera hasta su fichaje por el sello Verve, primero con la orquesta de Chick Webb, después al frente de esa misma banda, como solista acompañada por diversos músicos, sus dúos con el pianista Ellis Larkins, y otras golosinas. La segunda es una colección muy completa de los ”American masters” de Bechet, sin sus populares grabaciones realizadas en Francia, como su popular “Petite Fleur”, aunque con una selección de su obra temprana (1923-1932), más algunas en directo (1939-1940 y 1953).

El resto de la serie mantiene su atractivo. La caja de Louis Armstrong abarca el periodo 1925-1945, es decir, desde los Hot Fives y Hot Sevens hasta sus populares discos al frente de una big band, más una selección de su primerísima época con King Oliver, entre otros. El estuche de Charlie Parker contiene cada uno de sus másters, desde su primera grabación con la orquesta de Jay McShann hasta sus discos para Norman Granz, más dos cedés con un surtido de grabaciones radiofónicas y en vivo. Dos discos extraídos de las montañas de este tipo de material disponible de Charlie Parker puede no ser mucho, pero quién se queja.

Como la caja de Bird, la de Billie Holiday también abarca toda su carrera en disco, en este caso desde 1933 a 1959. Su obra completa lleva años disponible en una serie de colecciones diversas, pero disponer de todos los másters en una sola recopilación resulta muy atractivo. Al fin y al cabo, aunque las tomas alternativas pueden ser un documento a veces fascinante, lo cierto es que las tomas máster son las que se publicaron originalmente y las que dejaron su huella en aficionados y músicos en su momento. La única pena de esta edición es que parece haber olvidado incluir una sesión, cuatro temas, del 9 de enero de 1957. Aun así, dados la cantidad de música que sí está incluida y el precio de venta, es un error poco considerable.

Esta serie puede encuadrarse en una ilustre tradición de reediciones de jazz en Francia (EPM, Média7, Classics, Frémeaux...). La mayoría del equipo que ha producido estos “Complete Masters” es el responsable de los discos de Saga Jazz, lo que implica una excelente presentación, tanto gráfica como sonora. Cuando se trata de grabaciones históricas, dada su antigüedad y amplia disponibilidad gracias a la legislación europea, la cuestión del sonido es importante. Preguntamos directamente a los productores de las cajas y nos cuentan que han recurrido a las mejores fuentes disponibles al amparo de la legislación europea que sitúa en el dominio público las grabaciones de más de 50 años, remasterizadas para lograr un contenido homogéneo. Va a merecer la pena estar al tanto de esta serie.

Hoy en día el aficionado a la música tiene algo de pescador en río revuelto, y si algo tiene de positivo esta situación es la reaparición de música que se había ido perdiendo con el paso de los años. La segunda de las “grandes”, Sony, está ofreciendo productos a buen precio en formato de caja. Ya han publicado una amplia serie de “obras completas” (Stan Getz, Dexter Gordon, Wayne Shorter, Mahavishnu, Paul Desmond, Miles Davis, Dave Brubeck, Weather Report, Billie Holiday y otros que pueden verse aquí), pero la que merece una mención especial es la dedicada al trompetista Woody Shaw, por la calidad de la música, su pobre disponibilidad en los últimos años, y el disco extra de música inédita procedente de las sesiones del disco Stepping Stone - Live at Village Vanguard.

Por último, nos guste o no, la serie The Art of the Trio de Brad Mehldau fue uno de los fenómenos más relevantes del jazz de finales de los noventa. Nonesuch ha reunido la serie completa en una caja, a la que ha añadido el disco extra de rigor con material inédito y, en un golpe maestro, anotaciones de unos de los comentaristas de jazz con más enjundia de la blogosfera, el pianista Ethan Iverson, un cebo muy jugoso para quienes ya posean esta música de antemano.

Si piensa en recurrir a cualquiera de estas recomendaciones, recuerde que la buena música es para siempre.

Independientemente de lo que celebre, que tenga un buen final de año, y buena suerte para el siguiente.

PS: Para aficionados a las músicas de vanguardia o quien tenga un mínimo interés en esas músicas, recomendamos encarecidamente un buen vistazo a las rebajas del sello Leo Records.

Blues para Paul Motian, 1931-2011

2011-11-23T14:00:00.000Z

Eddie Costa al piano
Wendell Marshall al contrabajo
Paul Motian a la batería

- 1959 -

***

En sus marcas, listos...

2011-11-10T21:00:00.003Z

No tiene ninguna gracia lo que se acelera el paso del tiempo en esta ciudad a partir del cambio de hora del último fin de semana de octubre. De pronto, estamos a mitad de noviembre y volvemos a tener encima el London Jazz Festival. Unos 280 eventos —la mayoría bolos, además de master classes, charlas, etc.— en tan solo 10 días, con alguna de la música más excitante del mundo al alcance de la mano, aparentemente imperturbada por los recortes en gasto público y la crisis que nos rodea.

Un mero vistazo al programa revela una impresionante ristra de nombres, algunos habituales en este tipo de festivales internacionales. Así, a botepronto, cabe señalar la presencia de Ornette Coleman, Henry Threadgill, Charles Gayle, Ray Gelato, Stefano Bollani (con Martial Solal, atención), Hermeto Pascoal, Richard Galliano (con John Surman y Dave Douglas), Michel Portal, Roy Haynes (con Peter King), McCoy Tyner (con Chris Potter), Stan Tracey, Soweto Kinch, the Brubecks, Martin Taylor, Steve Swallow, Joey Calderazzo, David Sanborn, Kenny Wheeler, Archie Shepp & Joachim Kühn...

Volviendo a la que está cayendo, no obstante, y especialmente para oídos curiosos, hay una cantidad importante de eventos *** gratis *** que merece la pena destacar, como los bolos de Duck Baker, Gwylim Simcock, Martin Speake (con John Hollenbeck), el ensemble londinense F-IRE Collective, o el intercambio de cedés de una hora (¿por primera vez en el LJF?). Y también está la serie HMTTY ("Hear Me Talkin' To Ya") de entrevistas en directo y con público para su posterior retransmisión por la BBC.

Así que, si por un casual anda por aquí, échele un vistazo al programa y deje que el sonido de la sorpresa le sorprenda. Por mi parte, iré contando cosas en Twitter y también reseñaré una parte muy modesta del festival para Cuadernos de Jazz.

Las novedades del festival también se pueden seguir en su blog, y en Twitter.

Vídeo del finde: Harold Land-Bobby Hutcherson

2011-10-22T10:30:00.004+01:00

Harold Land-Bobby Hutcherson Quintet, con Land al saxo tenor, Hutcherson al vibráfono, Stanley Cowell al piano, Reggie Johnson al contrabajo y Joe Chambers a la batería. Ambos vídeos son de su gira europea de 1969.

El primero se grabó en Antibes (Francia) el 25 de julio. El tema es "Herzog", una composición modal de Hutcherson, de su disco Total Eclipse (Blue Note). Aviso: el vídeo termina abruptamente, cortando la recapitulación del tema.

Lo siguiente viene de su concierto en Molde (Noruega), probablemente del mismo mes de 1969. Primero interpretan "Theme from Blow-Up", composición de Herbie Hancock para la película de Antonioni y, a continuación, el "Oleo" de Sonny Rollins.

Buen fin de semana.

Benny Goodman en el Carnegie Hall... en Croydon

2011-10-18T10:00:00.005+01:00

Croydon es una zona, digamos que de escaso glamour, en el sur de Londres, a medio camino entre el centro y el aeropuerto de Gatwick. Por eso sorprende que mañana a las 20:00, en la sala Fairfield Halls vaya a sonar el famoso concierto de Benny Goodman en 1938 en el Carnegie Hall. En vivo. Un grupo de músicos encabezados por Richard Pite y Pete Long en los papeles respectivos de Gene Krupa y Benny Goodman a la batería y el clarinete, recrearán la legendaria velada. (Como anécdota, en aquella helada noche de enero del 38, los afortunados asistentes al estreno de Goodman en tan magno auditorio se toparon con manifestantes a favor del bando nacional de la Guerra Civil española, sin duda por la participación de Goodman el mes anterior en un concierto en beneficio de la República).

Aunque nunca he visto este espectáculo, sí que he estado en un homenaje al cuarteto de Benny Goodman (y sus miembros) también por Pite y Long, y fue excelente (la reseña, aquí). De los dos, Pite es el más llamativo, con su batería de anticuario y su singular dedicación a recrear estilos de percusión hoy en desuso. Esto es más importante de lo que parece: como demostró con el proyecto Big Band Britannia de Guy Barker, en Barbican hace un par de años, un baterista fiel a la historia es la mitad del sabor de una banda de repertorio.

En los tiempos que corren nunca hay una oportunidad mala de escuchar una big band en directo, especialmente si, precisamente por fidelidad a la historia, tocan en acústico, sin toda la microfonía que se lleva hoy.

Más información sobre el concierto de mañana, aquí.

La fuente de información más completa sobre el concierto original, y una lectura entretenida, es el increíble libro de Jon Hancock, más de 200 páginas de tamaño A4 dedicadas exclusivamente al evento.

El programa completo se puede escuchar en esta lista de Spotify.

PD: Algo de metraje del bolo original...

POST-POST-DATA: La reseña del concierto se puede leer aquí.

Música dominical: Ángel Unzu

2011-10-16T20:00:00.002+01:00

Ángel Unzu es un guitarrista de mi tierra, un músico tremendamente original. No es Flamenco, ni Jazz, ni Folk (aunque ha tocado en grupos de jazz y folk). Si acaso, es un compositor y virtuoso de su propia música, dentro de una tradición larga e ilustre que incluye a gente como Vivaldi o Bach.

Este tema es "Septiembre", de su último CD, Tiempo de Búsqueda.

El disco entero se puede escuchar en Spotify. también está disponible en iTunes.

El website de Ángel es www.angelunzu.com

Cedar Walton a vuelapluma

2011-10-12T01:00:00.000+01:00

(Después de dos pases en Ronnie Scott's)

Cedar Walton es un buen compositor de jazz. Toca el piano con mentalidad de compositor, solos perfectamente estructurados, todo en su sitio. Es elegante, exquisito, blusero y enfático, todo a la vez.

Pertenece a una tradición que proviene de cierta escala de valores, cierto saber estar, un sólida base musical y asistencia regular a misa.

No perdérselo, a ser posible.

PS: David Williams es realmente bueno al contrabajo, pero Willie Jones III es tan inexplicablemente intenso y relajado al mismo tiempo que casi me deja indispuesto.

Citas de músicos

2011-10-03T08:00:00.000+01:00

En resumen, me da igual en qué categoría esté clasificada la música; lo único que me importa es si es buena o mala. Como me dijo un colega músico: "me gusta el jazz, pero no por ser jazz, sino porque es buena música".

Gunther Schuller: Musings
(Da Capo, 1999; p.115)

¿Veinte años no es nada?

2011-09-29T08:00:00.002+01:00

Veinte años no es nada, decía el tango, pero la poesía es un reflejo muy polarizado de la realidad, sobre todo teniendo en cuenta que veinte años es el periodo que el Consejo de la UE ha ampliado los derechos sobre las grabaciones fonográficas. En otras palabras y en principio, se acabaron las montañas de reediciones baratas de música originalmente publicada antes de, a día de hoy, 1961. Todo el rock'n'roll clásico —incluido el primer Elvis— volverá a requerir el permiso de los dueños de los másters originales, así como el mejor Sinatra —el del sello Capitol— y todo lo grabado a partir de 1941. Por poner un ejemplo, toda la carrera de Charlie Parker como líder, desde hace años en el dominio público, vuelve a manos de sus propietarios legales.

Eso, en teoría. En la práctica, cualquiera con una conexion a internet puede escuchar prácticamente lo que le apetezca, y gratis. La fidelidad del sonido ha dejado de ser una consideración —vivimos la primera época en la que el estándar dominante, MP3, es peor que el anterior, CD— y entre Spotify, YouTube, los intercambios de ficheros de audio, los blogs que ofrecen descargas, etc., el problema hoy en día, como hemos comentado en alguna ocasión, no es conseguir la música, sino el tiempo para escucharla de forma que nos aproveche mínimamente.

Se supone que esta ampliación servirá para proteger a los músicos. En principio, a quien protege, es a los propietarios de los másters, con quienes los músicos tienen algún tipo contrato de explotación de esos másters, por el que se llevarían un porcentaje exiguo de las ventas (precisamente este porcentaje era uno de los conflictos, ya resuelto, de João Gilberto con EMI). En otras palabras, habrá músicos que se beneficien mucho, pero la mayoría, teniendo en cuenta que hay muchas que no se reeditan de ninguna manera, apenas lo notarán.

Por otra parte, es bastante evidente que las discográficas aplican un principio de rentabilidad ante este problema. La reproducción ilícita de todos sus materiales no se persigue por igual. Obviamente, sólo interesa perseguir la piratería que puede causarles una pérdida importante de ingresos, y quizás también la de músicos muy prominentes ante la cual la inacción sería señal de poca dureza y acaso una invitación al robo. En otras palabras, por seguir con el ejemplo de EMI, no es lo mismo piratear a los Beatles que a Hank Mobley.

Como saben, este blog se escribe desde Londres. Aquí quedan pocas tiendas de discos, y en las que quedan, la cantidad de sellos británicos dedicados exclusivamente a la reedición de música de los años cincuenta de cualquier género —gracias a la antigua norma europea— es, simplemente, apabullante. Por supuesto lo que más abunda es el material más familiar (Elvis, Louis Armstrong, Johnny Cash...), pero también hay gente dedicada a publicar en condiciones aceptables material que sería prácticamente inconseguible. En este aspecto el mercado funciona y, mientras que de lo popular, por repetido y común, se pueden encontrar discos triples a tres libras, las selecciones menos habituales mantienen un precio equiparable a lo que cobran las majors (Universal, Sony, WEA y EMI) por un cedé. En lo que respecta al jazz, un sello que debería quedar algo más protegido que hasta ahora es Candid. La parte clásica de su archivo, las grabaciones de Mingus, Cecil Taylor, etc. producidas por Nat Hentoff saldrán del dominio público por unos años.

El de Candid es un buen ejemplo de que la ley, en la práctica, no es igual para todos. Si alguno de los sellos fantasma que operan, presuntamente, desde Andorra (la presunta familia Definitive-LoneHill-Solar-etc.) decide seguir reeditando el material de Candid, es casi seguro que a esta minúscula compañía no le compense embarcarse en litigios y pierda ingresos en cualquier caso.

El de “Andorra” es otro caso interesante, porque, a pesar de que la impresión general sea otra, el plazo para el paso de las grabaciones fonográficas al dominio público es exactamente el mismo que el de la Unión Europea hasta ahora: cincuenta años. (Otra historia es que domiciliar una empresa en el Principado dificulte una inspección fiscal o un trámite legal, que tampoco lo sé). Lo más probable es que, en este aspecto, las cosas sigan como hasta ahora.

La pregunta, entonces, es ¿y ahora qué? El hecho de que hoy en día queden sólo cuatro majors se debe a una serie de adquisiciones y fusiones de empresas que se traducen en unos archivos fonográficos ingentes, llenos, en proporciones variables y discutibles, de obras de arte y de bazofia o, siguiendo una escala algo distinta, activos rentables o no rentables. En enero, Universal, la major más major, donó sus fondos de grabaciones (registradas entre finales de los veinte y finales de los cuarenta) a la Biblioteca del Congreso de EE. UU., en virtud de un acuerdo por el cual la institución pública preservará los materiales y los digitalizará, permitiendo su acceso a visitantes y estudiosos, mientras que la discográfica mantendrá los derechos de explotación sobre los másters.

Sea por la crisis general que están atravesando las discográficas, sea por la presión de la recién defenestrada norma de los cincuenta años, lo cierto es que las majors no han demostrado saber muy bien qué hacer con sus tesoros. Mientras que pequeños sellos de “delicatessen” como Mosaic, Bear Family o Ace, tienen una política de precios ajustada al coste de sus productos (bien presentados, con más o menos lujo, intachables desde el punto de vista jurídico y con un servicio al cliente atento y generoso), las majors han dado muestras de cierta desorientación con respecto a sus tesoros. Lo mismo se encuentra uno estuches, como los de Hip-O Select (división de Universal), presentados con un lujo excesivo y un precio absurdo para grabaciones que, al fin y al cabo, hasta ahora eran de dominio público en este continente, o cajas a precios absurdamente bajos (como las de la serie “Original Masters” de SonyBMG) con material inédito o difícil de obtener en buenas condiciones sonoras.

Sigo derivando hacia el jazz, cuando sé de sobra que es un sector residual del gran mercado. Esta medida coincide exactamente en el tiempo con el muy próximo cincuentenario del “Love Me Do” de los Beatles. Dada la apurada situación de la correspondiente discográfica, EMI, esto es poco más que un clavo ardiendo, y aun así, hay músicos descontentos con la medida de la UE. Aunque el copyright se equipara al aplicado en EE. UU., allí la legislación contempla la posibilidad de que los músicos puedan asumir la propiedad de los másters 35 años después de la grabación. Aquí eso no se contempla, y los músicos pueden seguir sujetos a contratos abusivos firmados en otra vida.

Para quienes ni estamos en la industria, ni somos músicos, a falta de saber si la medida va a tener efectos retroactivos (¿se parará la fabricación de discos hasta ahora legales? ¿Se mandará la destrucción de los que ya existían?), una de las consecuencias que puede tener esta medida, a tenor de lo que sucede en EE. UU., es que perdamos acceso a grabaciones que no caigan dentro de ese mínimo que se reedita una y otra vez. Se harán imposibles aventuras como los sellos franceses Chronogical [sic] Classics o Masters of Jazz, a quienes debemos la escucha de música de difícil acceso, y habrá que preguntarse qué ocurrirá con catálogos como los de Frémeaux o Fresh Sound, dependientes de la extinta norma europea. Esperemos que el modelo de Ace y Bear Family se vea indemne.

Existe una posibilidad real de que esta medida no beneficie o incluso perjudique a músicos y público, y solamente sirva para dar un breve respiro a una industria a la que no le queda más remedio que redimensionarse. Esperemos que por tratar de ayudar al negocio no se deteriore demasiado la cultura.

Ray Gelato en 2011

2011-09-22T08:00:00.007+01:00

El pasado sábado 17, como es habitual en Londres, la oferta de música en directo era rica y variada, en casi cualquier género que a uno se le pueda ocurrir. No obstante, Ray Gelato y sus Giants pasaban por el 100 Club, acontecimiento que, en principio, más vale no perderse. Este club, inaugurado por el padre del gran Victor Feldman (entonces batería de 8 años) en plena Segunda Guerra Mundial, tiene una historia tan rica (véase esto y esto) que roza lo obsceno y, sin la solemnidad de otros locales, parece que ese aura irrepetible se contagia a quien se suba a su escenario.

No era ésta la primera vez que veía a Ray Gelato. La primera, stricto sensu, fue siendo yo adolescente en mi pueblo. No sé cómo había conseguido un catálogo de discos de Inglaterra, una de esos cuadernillos que uno ojeaba una y otra vez con la reverencia con que se estudia lo inalcanzable. A mí entonces me encantaba el rock'n'roll clásico, y la portada de lo que era, a la sazón, el primer elepé de Gelato, se me quedó grabada en la memoria. Eso, sin tener ni idea de qué música hacía el tal Gelato.

Unos tres lustros más tarde vi por fin a Gelato y su Giants, ya sin el “of Jive”, en directo, precisamente en el 100 Club. Era la longeva formación con Clark Kent al contrabajo, Steve Rushton a la batería y Alex Garnett al tenor. Gelato se apoyaba principalmente en el legado de Louis Prima, y su espectáculo, con los músicos uniformados y encorbatados, era un saludo a una época dorada de la música popular de EE. UU. Mucho swing, jump y “entretenimiento”.

Gelato, Clark Kent y Alex Garnett, en 2001

Los años pasan y la gente cambia. Aquella versión clásica de los Giants fue deshaciéndose con los consiguientes cambios de formación. En esa fase de transición vi a la banda un par de veces y, aunque el esqueleto de su música seguía ahí, sólido e imperturbable, parecía que le faltaba peso, que no podía ni arrojar ni encajar grandes golpes. El año pasado en Ronnie Scott's ya iban ganando algo de músculo, aunque al menos en mi recuerdo, no llegaban aún al nivel de excelencia de aquellos lejanos Giants. Hay que entender que, como ocurría con las grandes orquestas del Swing, la sincronía musical y el compadreo entre los músicos es fundamental para este grupo, y son facetas que se pueden actuar pero que sólo fraguan de verdad con el tiempo. En esa actuación, el propio Ray no tenía el mejor de los aspectos, no andaba sobrado ni con la voz ni con el saxo tenor, y su pelea con las canas era visible y le daba un extraño aspecto vampiresco.

El mes que viene Gelato cumple los cincuenta y, a tenor de lo que se vio el sábado, los encara en plena forma. Parece haber perdido peso y, renunciando a una de esas batallas capilares en las que la única solución elegante es rendirse a la evidencia, se ha aliado con sus canas y ahora luce un elegante tupé platino. Sobre el escenario, mantiene sus facultades vocales intactas y con el saxo tenor, aunque acabe derrotado físicamente, derrocha un tono granítico, corrosivo y viril, infrecuente hoy en día y que nos retrotrae a los grandes honkers del Rhythm&Blues.

En la noche de autos, después de atacar, sin preámbulos, “Them There Eyes” y “I Can’t Believe That You’re In Love With Me”, Gelato saludó y anunció que el batería habitual del grupo, el enorme Sebastiaan de Krom, había sufrido un percance. Ese mismo día. Y presentó con elogios y agradecimientos a su sustituto, Matt Senior, que ocupaba el asiento de conductor rítmico de la banda por primera vez en su vida, tras un breve ensayo de 20 minutos. No debería ser la última.

Acaso sea por la tensión añadida de jugar con un nuevo guardameta, acaso por la propia evolución de una formación cada vez más empastada, seguramente por una mezcla de ambas cosas, los Giants sonaron como nunca. Su repertorio se apoyó menos en sus admirados Louis Prima y Dean Martin, con más solos de saxo tenor, como en “Flying Home” y “Go, Red, Go”, homenajes respectivos a Illinois Jacquet y Arnett Cobb –el resto de vientos, sobre todo Andy Rogers al trombón, estuvieron impecables– y, en general, algo menos de “entretenimiento” y gags. Según avanzó la noche, el ambiente se fue calentando: los chistes eran más bien comentarios espontáneos –y de hecho tuvieron gracia– y a Gelato, sudoroso y desprovisto de chaqueta y corbata, se le escapó algún taco, algo que no ocurriría en otros locales o con otro público.

Ray Gelato Giants, 2011

Como en otras facetas del mundo del espectáculo, el humor y el disfrute, el hedonismo puro y duro se suelen tener por incompatibles con la seriedad y la profesionalidad. Aparte del papel impecable de todos los músicos, de los acompañamientos vocales de los vientos en algunos temas y de la entrega absoluta y sin descanso, la presencia de un batería literalmente nuevo constituyó un espectáculo en sí mismo. Añadido a las facetas habituales de un show de Gelato, incluida la presencia de la vocalista Kai Hoffman en un par de temas, ver a Senior hacer prácticamente todos los temas leyendo, sin perderse nunca, apoyado por las señas del pianista Gunther Kurmayr, fue simplemente extraordinario. Para que luego digan que las partituras están reñidas con el swing y la expresividad. Está claro que depende de quién las lea.

Lamentablemente, es muy posible que Ray Gelato sea uno de los últimos músicos verdaderamente capaces de hacer un show de swing y jump con fundamento. Más allá de etiquetas, el suyo es un espectáculo que merece la pena ver aunque sea una vez en la vida. Porque, como dijo un colega tras el concierto, “yo no entiendo de jazz ni nada por el estilo, y no sé el motivo, pero esta música me ha hecho sentir fantásticamente bien”.

(Ray Gelato actúa esta noche en la Sala RocKitchen de Madrid)

El website de Ray Gelato

* * *

PD: El "desconocido" Matt Senior, que arrasó a la batería, es, en realidad, un músico curtido en mil batallas. El siguiente párrafo y la fotografía están sacados del website de la banda Puffins.

Matt [Senior] ha trabajado ampliamente en diversos espectáculos, tanto en giras como en teatros del West End de Londres, tales como Sweet Charity, Spring Awakening, High School Musical, Guys and Dolls, Rat Pack Live, Miss Saigon, Five Guys Named Moe, Follies, Merrily We Roll Along, Chicago, Saturday Night Fever, Star Wars Live On Stage y un largo etcétera. Ha participado en una gira de Shirley Bassey en Australia, y ha grabado y girado con la BBC Concert Orchestra, la Royal Philharmonic Orchestra, la Royal Philharmonic Concert Orchestra, la BBC Philharmonic Orchestra, la Bournemouth Symphony Orchestra, la City of Birmingham Symphony Orchestra, el Birmingham Royal Ballet y la London Concert Orchestra. Matt ha colaborado en diversos programas de TV y bandas sonoras, y entre sus próximos proyectos está la nueva adaptación teatral de la película de Jacques Demy "Los Paraguas de Cherburgo" por Michel Legrand.

Rarezas: Eddie Costa con Gigi Gryce

2011-09-14T20:30:00.001+01:00

Fred Baker fue un cineasta alternativo enamorado del jazz y la danza, que quiso combinar ambas expresiones artísticas en su primer cortometraje, On the Sound. Lamentablemente, falleció el pasado 5 de junio a los 78 años (necrológica de Variety).

Como contaba él mismo (aquí), para la banda sonora primero pensó en Mingus, a quien conocía, pero éste declinó y le recomendó a Gryce. Por lo que dice en la página de Vimeo y en la excelente biografía de Gryce firmada por Noal Cohen y Mike Fitzgerald, parece que Baker tomó unas grabaciones que Gryce hizo especialmente para la película, puso la música a los bailarines, filmó la danza, y editó música y metraje hasta reducirlo a 8 minutos.

Aunque hoy sea una rareza, en su día recibió el USA Golden Eagle de 1963, y fue seleccionada para los festivales de Edimburgo, Berlín y la Bienal de Venecia de ese mismo año.

La importancia de la banda sonora de este corto se debe a que es una de las escasas grabaciones, junto con Reminiscin', el elepé para Mercury, y lo que ha rescatado recientemente Uptown, del Orch-Tette de Gigi Gryce. Además, como señalan Cohen y Fitzgerald en su biografía, la banda sonora "contiene elementos musicales presentes en grabaciones anteriores de Gryce, particularmente los dos movimientos basados en el blues, pero también muestra la influencia del free en un extenso solo de vibráfono acompañado por bajo y batería sin un pulso definido". Aunque merece la pena ver el corto completo, los dos solos de Eddie Costa son de lo más destacable.

Según la discografía de Gigi Gryce recopilada por Cohen y Fitzgerald, la grabación se llevó a cabo probablemente en el verano de 1960, en el estudio Bell Sound de Nueva York, con el siguiente personal: Richard Williams (trompeta), Gigi Gryce (saxo alto, clarinete y flauta), Eddie Costa (vibráfono), Richard Wyands (piano), Reggie Workman (contrabajo) y Mickey Roker (batería).

Citas de músicos: Milt Buckner y el jazz

2011-09-04T11:00:00.002+01:00

"Debe tener pulso y tiene que tocarse con alma"

(Milt Buckner sobre el jazz)

Idiosincrasia

2011-08-29T08:00:00.001+01:00

El pasado sábado se cumplió el 102º aniversario del nacimiento de Lester Young. El Presidente, bautizado por Billie Holiday, es una de las referencias absolutas de la historia del jazz, una mezcla perfecta de swing, blues, sonido e idiosincrasia.

Gracias a las grabaciones cualquiera puede apreciar por su cuenta las cualidades musicales de Lester Young, pero hasta hace poco sólo podiamos apoyarnos en las historias y anécdotas de nuestros mayores, que no so pocas, sobre sus manías, su forma de hablar, o el tipo de calzado que prefería.

Ahora, con tanto vídeo disponible, podemos verle hablar (en 1:01 le pide al batería, acaso Sonny Greer, un poco de "tinkety-boom")...

... o caminando (1:27) ...

Estos vídeos proceden de Art Ford's Jazz Party, un programa de TV de finales de los cincuenta. Los presentes son Charlie Shavers (trompeta), J. C. Higginbotham (trombón), Pee Wee Russell (clarinete), Lester Young y Coleman Hawkins (saxo tenor), Harry Sheppard (vibráfono), Willie "The Lion" Smith (piano), Dickie Thompson (guitarrista zurdo que toca con las cuerdas "al revés"), Vinnie Burke (contrabajo), Sonny Greer (bater'ia), y al fondo, Bob McGarry (clarinete) más dos trompetistas y dos trombonistas anónimos.

Gracias a Doug Ramsey y a Ehsan Khoshbakht respectivamente por señalar estos vídeos.

Más sobre Lester Young, aquí.

Leonard Bernstein y su "banda de jazz"

2011-08-27T12:00:00.007+01:00

El pasado jueves 25 el director de orquesta, pianista, compositor y divulgador Leonard Bernstein habría cumplido 93 años (falleció en 1990). Por ese motivo ha vuelto a circular por ahí este extracto de la serie Omnibus —del episodio que dedicó al jazz—, un programa de televisión que hizo a mediados de los cincuenta. En él explicaba ciertos aspectos técnicos del jazz y el blues (las "blue notes", la síncopa) y el colofón lo ponía con esta composición propia: "Prelude, Fugue and Riffs".

Hace algún tiempo indagué sobre la composición de la orquesta montada especialmente para este programa. Entonces sólo disponíamos de 15 segundos de programa y, aunque había algunas caras reconocibles al instante, la cosa era complicada (lo hizo que tomásemos a Al Gallodoro por Toots Mondello al saxo alto y clarinete).

Desde entonces ha circulado por YouTube el resto del programa, por lo que ahora tenemos algunos planos más cercanos y algunos nombres más. Yo apenas reconocí tres o cuatro caras, el resto ha sido cosa de Hal McKusick, Kenny Berger, Bill Crow, Loren Schoenberg y el difunto Danny Bank, a quienes va mi agradecimiento.

El interés de todo esto reside en que cualquier aficionado al jazz (y aledaños) de los años cincuenta habrá visto estos nombres en infinidad de discos (véanse las grabaciones de Miles Davis con Gil Evans, por ejemplo) y les habrá oído tocar en muchos otros sin saberlo. Estos músicos, casi siempre anónimos, eran la élite de los estudios de grabación de Nueva York, y verles en acción es una ventana al pasado.

Aún siguen faltando nombres, o sea que se agradecerán los comentarios al respecto. Un detalle: aunque se ha dicho muchas veces lo contrario, el personal del programa de TV y el de la orquesta que grabó esta pieza para Columbia con Bernstein al frente —y Benny Goodman al clarinete— no es el mismo.

De momento tenemos:

TROMPETAS: Lou Oles, Bernie Glow, quizás Al de Risi, Louis Mucci.
TROMBONES: Urbie Green, quizás Frank Siracco, ? .
SAXOS: Danny Bank (bajo), Boomie Richman (tenor), Romeo Penque (tenor y clarinete), Sam Marowitz (alto), Al Gallodoro (alto y clarinete).
VIBRÁFONO: Phil Kraus.
PIANO: quizás Bernie Leighton.
BAJO: Jack Lesberg.
BATERÍA: Sol Gubin.

Estos son algunos fotogramas sueltos (picar sobre la foto para ampliar):

Richman, Gallodoro, Lesberg

Richman, Lesberg, Mucci, Gubin y Green

Bronces al pleno

Sol Gubin y Jack Lesberg

Lou Oles

Louis Mucci a la trompeta. ¿Quién es el trombonista?

Lou Oles, Bernie Glow, Al de Risi ?, Louis Mucci

¿Al de Risi?

¿Bernie Leighton al piano?

¿?

Tal Farlow, Eddie Costa, Marian McPartland... inéditos

2011-08-08T23:03:00.003+01:00

... al menos inéditos para mí. Acabo de toparme, en el muro de Marian McPartland en Facebook, un enlace a una retransmisión radiofónica de la NBC, presentada en asociación con la AFM (el sindicato de músicos de EE UU) "en apoyo a la división de bonos el Estado del Departamento del Tesoro" —campaña que no podría ser más pertinente 55 años después— en directo desde el club The Composer, en el que, en el verano de 1956, compartían cartel dos tríos, el de Tal Farlow y el de Marian McPartland. El pianista de relevo era John Mehegan.

La verdad es que estoy anonadado, porque el trío de Farlow con Eddie Costa y Vinnie Burke, aquí presente, fue un grupo extraordinario pero efímero, y aunque sabía que habían tocado en ese club en esas fechas, no tenía ni idea de que se había grabado y preservado. El trío de la McPartland, a todo esto, tiene a Bill Britto al contrabajo y al soberbio Joe Morello a la batería.

Como no tengo nada más que decir ahora mismo, les dejo con la música. La pueden escuchar en el player al final de la página, o en el website que ha publicado esta joyita: Newstalgia. Los detalles de la sesión son los siguientes:

23 de julio de 1956. The Composer, Nueva York.

Tal Farlow Trio: Farlow (g), Eddie Costa (p), Vinnie Burke (b).

0:00 They can't take that away from me
5:34 You don't know what love is
10:02 And she remembers me

Marian McPartland Trio: McPartland (p), Bill Britto (b), Joe Morello (d).

15:28 Falling in love with love
19:20 For all we know
23:54 Bohemia After Dark

* Es posible que esta fecha sea la de retransmisión, y que la música se grabase previamente en el club. El locutor señala que la música fue "transcribed" (grabada exclusivamente para su emisión por radio), y según el semanario The New Yorker, el último día de Farlow en The Composer fue el 18 de julio.

Amy Winehouse: cantante, compositora, guitarrista

2011-08-01T08:00:00.013+01:00

Amy Winehouse falleció hace unos días. Mucho se ha escrito sobre los aspectos extramusicales de su carrera y su muerte, sobre los que no tengo nada que decir, aunque haya unas cuantas cosas que no entiendo.

La primera vez que la vi fue en Later, el programa de Jools Holland en la BBC 2, en 2003. Para quienes no lo conozcan, el antiguo teclista de Squeeze y actual pianista de boogie y big band presenta —brevemente— a todo tipo de bandas en directo, intercalando sus temas, en un escenario circular, de forma que cada una tiene delante a todas las demás. Con todo tipo de bandas quiero decir exactamente eso, desde nuevos artistas a viejas estrellas. En una ocasión, por ejemplo, pudimos escuchar seguidos a The Bad Plus y a Ojos de Brujo.

Una de las canciones que tocó la Winehouse en aquella ocasión, fue ésta — tenía 20 años recién cumplidos:

Este tema y el resto de los que tocó (como este otro), me dejaron boquiabierto. Aunque sonaba poco pulida, era evidente que podía cantar, componer y que tenía un estilo a la guitarra funcional y personal (además de saberse unos cuantos acordes aparte de los habituales). Visto lo visto, también fue refrescante ver que parecía una chica normal, sin grandes preocupaciones por su imagen.

A raíz de esa actuación me compré Frank, su primer disco. El "crédito jazzístico", por así decirlo, no es algo que me interese especialmente —y tampoco entiendo muy bien por qué nadie querría hacer gala de ello— y creo que algunas de las cosas que se dicen en esta entrevista (en inglés) son verdaderas bobadas, pero oírle cantar el solo de Sarah Vaughan en "Lullaby of Birdland" acompañándose con la guitarra (con una simple combinación de bajo y acordes) como introducción de su CD, me sorprendió. "Stronger than me" viene inmediatamente a continuación, con su bronca a su novio por no estar a la altura de su condición de hombre mayor que ella, todo ello sobre una percusión programada, su propia guitarra, y un solo de trompeta al final.

"You sent me flying" es aún más dramática. Curiosamente, la melodía al final del primer verso, "... and my new Badu", parece ciertamente prestada de su admirada Erykah Badu ("On & On"), pero en la tradición del jazz se remonta hasta Louis Armstrong vía Cab Calloway y sus "hi-de-ho"s. Las letras siguen relatando historias que enganchan y aunque la batería parece entrar un poco tarde, el tema funciona y resulta uno de los puntos álgidos del disco. Por algún motivo, quizás porque dura menos de dos minutos, el siguiente tema, "Cherry", con su ritmo cuasi-brasileño y su ambiente más alegre —se "oye" sonreír a la Winehouse— está metido en el corte 2 del disco (a partir de 5:19).

Uno de los rasgos que hará envejecer a este disco son las "frituras" propias de los antiguos vinilos que se le han añadido. "Know You Now" las tiene a montones, así como un rimshot en cada tiempo del compás. Es otra canción sólida, aunque la batería resulta un poco pesada. Mucho se ha escrito sobre las influencias como cantante de la Winehouse. Una muy evidente, al menos para mis oídos, es la de Carmen McRae, y en ningún tema es tan clara como en éste. El siguiente, "F**k Me Pumps" (los tacones de follar), es un retrato agridulce, a veces divertido, y muy preciso de un tipo de mujer habitual en las noches londinenses.

En los tiempos que corren, cualquier "producto" promovido por una gran discográfica ha de tomarse con cierta precaución, pero si es cierto que la Winehouse escribía sus propias letras, su valor como escritora no era nada desdeñable. "I Heard Love is Blind", su sincera confesión de infidelidad ("pensaba en ti cuando me corrí") engancha y, musicalmente, como todo lo escuchado hasta ahora, merece varias escuchas. Dicho esto, lo cierto es que tanto "Take The Box" como "What Is It About Men" valen más por las historias que cuentan que por la música en sí.

Volviendo a la cuestión del "crédito jazzístico", a continuación "Moody's Mood For Love". Aunque la versión de Winehouse es más holgada que la original desde el punto de vista rítmico, es fiel al solo de James Moody. Háy quien ha criticado que escogiese este tema, pero no entiendo por qué, y el ritmo pseudo-jamaicano funciona. En cuanto a su interpretación, suena como si de verdad estuviera familiarizada con este tipo de material, y personalmente me resulta gracioso que, gracias a esta grabación, un montón de gente ajena al jazz, o sin interés por éste, haya escuchado material típico de Charlie Parker. Como expliqué en su momento, donde la letra de Jefferson dice "oh, baby, you make me feel so good..." (2:06 en el vídeo), la música es una frase recurrente de Charlie Parker que aparece en su "Moose the Mooche" (0:54, aquí); donde dice "am I insane or do I really see heaven in your eyes?", la melodía es una frase aún más recurrente: se trata de "Country Gardens", una canción tradicional ¡inglesa! que Bird solía usar como coda. Sin salirnos de la temática jazzística, el estribillo de "October Song" es la melodía de "Lullaby of Birdland", el standard del inglés George Shearing hecho clásico por Sarah Vaughan, a la que menciona.

Tras un segmento instrumental anejo a "Moody's...", al parecer titulado "Teo Licks", llega otro tema del canon jazzístico, conocido especialmente por las versiones de Billie Holiday: "No Greater Love". La verdad es que suena a relleno, por su excesiva calma, sobre todo tras la entrada de "In My Bed", con su fuerte base rítmica. Musicalmente este tema gira alrededor de la tensión entre estrofa y estribillo, que al final resulta excesiva y no llega a cuajar.

El último tercio del disco pierde algo de impulso, y sería interesante saber si es la parte con la que la cantante no estuvo de acuerdo con sus productores. En todo caso, su fuerte femineidad es uno de los temas recurrentes del dsico, y resurge en "Help Yourself", con un interesante arreglo que bien podría proceder, en parte, de las grabaciones de Billie Holiday para Decca, aunque según los créditos aquí no hay sección de vientos.

El final del disco —de su versión británica, al parecer en otros países no se publicaron todos los temas— llega con "Amy, Amy, Amy/Outro", una víctima más de la tontería de los temas ocultos. Se abre precisamente con "Amy, Amy, Amy", una cancioncilla sobre sí misma, que termina en 4:12 y viene seguida por la voz de un presentador instando al público a abandonar una sala imaginaria sobre el fondo de una versión instrumental de "Stronger Than Me". En 5:07, y sobre el fondo de la "fritura vinílica", aparece "Brother", más un obstáculo que un premio para quienes hallan llegado —por persistencia o despiste— hasta aquí, ya que, por fin, hacia 9:21 de este corte final, nos llega "Mr. Magic" uno de los puntos fuertes del CD que sería muy fácil, pero no debería, perderse el oyente. Aunque parece claro que esta versión está basada en la de Grover Washington, también es notable la huella de Carmen McRae. Su influencia, especialmente la de sus últimas grabaciones, es notable a lo largo de todo el álbum. Aquí la Winehouse, acompañada por unas secciones rítmica y de vientos muy consistentes, parece mezclar el fraseo de Washington, al que sigue de cerca, con toques de la displicencia de la McRae.

Después de Frank vi a Amy en Shepherd's Bush, y aunque aún no había llegado los excesos en pelo y tatuajes, sí se apreciaba cierto cambio de actitud. La banda que la acompañaba lo bordó, y el show estuvo bien, pero ella no agarró la guitarra en ningún momento, que yo recuerde, e insistió en dar algunos pasos de baile —actividad en la que era dolorosamente torpe—. Años más tarde llegó su segundo disco —en EE UU se publicaron en orden inverso, si no me equivoco— pero la recreación del pop sesentero que pergeñó con Mark Ronson no me resultó atractiva. Creo que tenía mucho que ofrecer como artista original, sin necesidad de refugiarse en referencias demasiado manidas al pop del pasado y las clásicas bandas de chicas. Todo el follón extramusical que la rodeó desde entonces tampoco ayudó a mantener el interés.

Descanse en paz, y gracias por la música.

Jazz, música internacional

2011-07-18T08:00:00.000+01:00

Ya ha volado buena parte de julio, lo que implica que unos cuantos músicos de jazz estadounidenses están trabajando duro... en el circuito Europeo. Sirvan como ejemplo los tres festivales que me quedaban prácticamente en la puerta de casa, Getxo, Vitoria-Gasteiz, y Donostia-San Sebastián, u otros ilustres como Marciac en Francia, la feria de muestras que es el North Sea Jazz Festival, Montreux... y muchos otros que constituyen una parte fundamental del calendario de trabajo de unos cuantos músicos de jazz de allende el charco.

La historia del jazz más allá de las costas East y West de EE UU es casi tan antigua como la propia música. Para la década de los treinta, por ejemplo, Buck Clayton ya tenía un bolo en Shanghai (!) y el jazz interpretado en directo por sus principales figuras empezaba a ser habitual en Europa.

¿Y el jazz tocado por "extranjeros"? Es probable que Django fuera el primer foráneo con cierto impacto en la cuna del jazz, tanto con sus grabaciones como por sus conciertos con Duke Ellington que, aunque no fueron un éxito absoluto, parecen haber distado mucho del completo fracaso que parece haber quedado encastrado en la historia oficial del jazz.

¿Y si sacamos a EE UU de la ecuación? ¿Cuándo empezaron a interesarse los "no-estadounidenses" por el jazz grabado por "no estadounidenses"?

Hace unas semanas me compré un triple cedé de la enorme —en todos los sentidos— serie Svensk Jazzhistoria, dedicada al jazz en Suecia. El estimado Roberto Barahona, director y productor del programa chileno de jazz Puro Jazz se enteró y me preguntó si en mi caja venía una versión de "What's New?" interpretada por un flautista que le había vuelto loco la primera vez que la escuchó cuando era prácticamente un crío, en Chile, hacia medidados de los cincuenta. En mi colección no aparecía

Mientras él le preguntaba a su compatriota, el ilustre Pepe Hossiason, yo consulté al historiador del jazz en suecia Jan Bruer y ambos nos dieron la misma respuesta: Philips P 10950 R.

Jan Bruer:

Este elepé de diez pulgadas se publicó en Europa como Swedish Jazz, Philips P 10950 R, y se grabó entre 1955 y 1956. En una cara del elepé viene un medley de baladas con cinco solistas para cinco temas distintos. Rolf Blomquist toca la flauta en "What's New", aunque era más conocido como intérprete de saxo tenor en la banda de Arne Domnérus y la Harry Arnold Swedish Radio Big Band.

Hossiason tenía, además, en su colección, el disco tal como se publicó en Chile:

En breve, la música procede de tres sesiones grabadas en Estocolmo el 7 de diciembre de 1955 y el 10 y 20 de abril de 1956. Las primeras dos sesiones figuran como "jam sessions", y la última bajo los "Bengt Hallberg All-Stars". Hallberg, a todo esto, es el pianista de la versión original de Stan Getz de "Dear Old Stockholm" grabada cinco años antes. Ake Persson (trombón) y Arne Domnérus (saxo alto) también están entre los participantes.

Hay que recalcar que esto es 1956 o 1957, sin internet, ni correo electrónico, ni mp3, muchos menos vuelos transatlánticos, llamadas telefónicas internacionales costosas y complicadas (conferencias las llamábamos en España), y discos del tamaño de un cuadrado de 30 o 25 cm de lado. Y aun así, el jazz hecho en Suecia se consideró apto para su comercialización en Chile o hasta en Singapur. En el mapamundi:

Este es un recorte del Singapore Free Press del 23 de enero de 1957, página 13.

A lo que Bruer añade que puede que este disco también se distribuyera en Australia.

Esto no es más que un ejemplo, pero parece que el jazz empezó a echar raíces y viajar por el mundo antes de lo que algunos pensábamos.

Citas de músicos: sobre la "vanguardia"

2011-07-04T08:00:00.019+01:00

Lo que entendemos por "vanguardia" en el jazz es un concepto curioso: es un tipo de música que tiene más de 50 años, por lo que de nueva tiene poco (aunque habría que ver si la vanguardia de hoy es la misma que la de principios de los sesenta). En cuanto a los aficionados, los más próximos al "mainstream" suelen tener problemas con un concepto musical que les es demasiado ajeno, mientras que sus homólogos de la avant-garde pueden ser tan dogmáticos como aquellos en la defensa de la música que les gusta. Como regla general, yo desconfiaría de cualquiera que afirme cómo debe sonar la música, salvo que sea el artista hablando de su propia obra.

Más de una vez me he (y me han) preguntado cuál sería la mejor forma de abordar la música de vanguardia desde un flanco más convencional. La respuesta la encontré la semana pasada, leyendo el test a ciegas, Before and After, de Bill Milkowski con el guitarrista Russell Malone para Jazz Times, cuando se refiere a su colega de instrumento Mary Halvorson.

... Mary Halvorson. Le he visto tocar. La verdad es que me gusta. Fui a verle a un sitio llamado The Stone [en Manhattan] hace un par de años, estaba con un banda con Chris Cheek al saxo y otros dos músicos. Te diré algo: conozco un montón de gente a la que puede que no le guste esta música, free o avant-garde o como la quieras llamar, pero esta es una música difícil de tocar. Para empezar, los músicos no se suben al escenario a tocar lo primero que se les pasa por la cabeza. Es música compuesta tocada por buenos músicos que saben leer bien. Conozco un montón de gente a la que, si les sacas de lo que les gusta y les pones en una situación en la que tendrían que tocar esta música, probablemente no les saldría tan bien. Yo respeto la habilidad musical que hay aquí, y respeto está música. Esto es buena música. Ella toca bien y es sincera. Esta es otra manera distinta de oír la música. Si no, si todo el mundo tocase y pensase de la misma forma, en el fondo nadie estaría pensando.

Este es Russell Malone tocando "Caravan"...

... y esta es Mary Halvorson tocando "Dragon's Head"

Zoot Sims, Phil Woods... y Eddie Costa: Jazz Mission to Moscow

2011-06-27T08:00:00.033+01:00

En 1962, en plena guerra fría, con Kennedy en Washington y Jrushchov en Moscú, y a escasas semanas de la crisis de los misiles en Cuba, Benny Goodman se embarcó en una gira por la Unión Soviética con una banda de primera: Joe Newman y Jimmy Maxwell estaban en la sección de trompetas, Willie Dennis entre los trombones, Phil Woods, Jerry Dodgion y Zoot Sims en las cañas, y una sección rítmica que incluía a John Bunch, Teddy Wilson, Victor Feldman, Bill Crow y Mel Lewis (estos dos, el corazón de la Concert Jazz Band de Gerry Mulligan). En principio la orquesta iba a presentar un repertorio compuesto de nuevos arreglos encargados a gente como Tadd Dameron, así como el repertorio clásico por el que el "Rey del Swing" hizo historia.

Lamentablemente, esta gira ha pasado a la historia como el perfecto ejemplo de las excentricidades, por no ponernos faltones, de Goodman. Poco a poco fue dejando a un lado la parte más moderna del repertorio, fue quitando solos a quienes recibían la aclamación del público. Incluso el álbum que publicó RCA no hace justicia, según dicen, a la música que pudo escuchar el público soviético.

El productor Jack Lewis había trabajado para RCA —¿casualidad?— para RCA, pero al regreso de la banda de Goodman estaba al mando de las producciones de jazz en Colpix, un sello nuevo puesto en marcha por Columbia Pictures. Como relata el bajista Bill Crow en su propio website:

El día que llegamos de Rusia, Jack Lewis agarró a la mayoría de la banda para hacer una rápida sesión de grabación con el sello Colpix, un disco titulado Jazz Mission to Moscow. Victor Feldman había regresado a su casa, en California, y Teddy Wilson y John Bunch se habían quedado en París, por lo que Jack llamó a Eddie Costa para que tocase el piano en la grabación.

La idea de Lewis era apoyarse en la enorme publicidad que había recibido la gira de Goodman. Según la revista Billboard, la sesión de grabación (12 de julio de 1962) se hizo a toda prisa, al igual que la fabricación de los vinilos y las carpetas, de forma que se preveía que el disco estuviera disponible en la primera semana de agosto.

Jazz Mission to Moscow

Las anotaciones del elepé describen a un grupo de jóvenes bastante hartos y con ganas de vengarse de Goodman. Lo que hizo Lewis fue brindarles la oportunidad perfecta. Este es el tipo de "swing moderno" que no encaja en la historia oficial del jazz, una música interpretada por instrumentistas para quienes, al fin y al cabo, el swing fue la banda sonora de su infancia, mientras que el be-bop les llegó en su adolescencia. Los arreglos de Al Cohn son un pequeño milagro: para empezar, hace que este "dec-teto" suene como una verdadera big band, y consigue sacar algo interesante y sorprendente de un estandarte tan ajado como el "Let's Dance". Su trabajo aquí es, sencillamente, soberbio, típico de esos años (compárese, por ejemplo, con sus aportaciones al disco Gloomy Sunday de Bob Brookmeyer, por ejemplo).

Esta es una sesión que linda la perfección. Lo que llama la atención es que quien se lleva el gato al agua no había ido de gira con Goodman. Esto es "Mission to Moscow", el tema que abre el disco:

Eddie Costa era relativamente conocido por este tipo de piano, por sus exploraciones en la parte más baja de la escala. Aquí, como en otras grabaciones de esta parte de su carrera, como su propio House of Blue Lights (Dot, 1959) y el 2, 3, 4 (Impulse, 1962) de Shelly Manne, despliega un enfoque compositivo en sus solos, con recursos como las llamadas y respuestas (en el "Let's Dance" de este disco) y un uso muy premeditado de la dinámica a lo largo de varias vueltas. Para los fans de Costa, esta grabación resulta aún más interesante por el sustancial solo que le saca a "The Sochi Boatman", un lamento a medio tempo, el tipo de material que no era su fuerte.

En esta época Costa, muy activo como músico de sesión, parecía estar expandiendo su pianismo, lo que hace aún más triste la ocasión. Como explica Crow, esta fue la última grabación de jazz de Eddie Costa. Falleció en un accidente de tráfico dos semanas después, en la madrugada del 28 de julio de 1962.

EMI-Japan acaba de publicar este disco en cedé como Zoot Sims & Phil Woods: Jazz Mission to Moscow (TOCJ-50064, copia literal del elepé original, 30 minutos sin añadidos). También se puede escuchar en Spotify.

Bill Crow y Eddie Costa,
en la grabación de Jazz Mission to Moscow

Una hora con Contracuarteto

2011-06-21T00:00:00.001+01:00

Canal 13 Cable de Chile sigue retransmitiendo el documental Tempo dedicado al jazz chileno actual. Esta semana le toca a Contracuarteto, grupo favorito del equipo de este blog. Aparte de poder verse por la tele en Chile, se puede ver también por internet en todo el mundo. Las horas son las siguientes:

Lunes 20 - 20:00
Martes 21 - 00:00 y 14:30
Sábado 25 - 16:30
Domingo 26 - 01:00

Eso, en hora local de Santiago (UTC-4). Traducido a la hora de Madrid (España):

Martes 21 - 02:00, 06:00 y 20:30
Domingo 26 - 00:30 y 07:00

El link: http://envivo.13.cl/13c.php

La serie completa está disponible en DVD, directamente de la productora.

Las caras de Freddie Moore

2011-06-20T08:00:00.008+01:00

El batería Freddie Moore (1900-1992) retratado por William P. Gottlieb.Toca en el "Tiger Rag" de Sidney Bechet (Blue Note 1949),
donde se le puede oir soplando sobre la caja (a partir de 1:30).

Citas de músicos: Tristano sobre el ego, el id y el jazz

2011-06-16T08:00:00.003+01:00

En 1964, preguntado por su opinión de [John] Coltrane, [Sonny] Rollins y [Miles] Davis, Tristano contestó “todo emoción, nada de sentimiento”. A la pregunta “¿cómo distingues entre ambos?” repuso: “Bien, digamos que en mi opinión no hay una verdadera histeria u hostilidad en el jazz, y lo que tocan [esos músicos] es una expresión del ego, del yo. Yo quiero que el jazz fluya del id, del ello. Puesto de otra forma, el verdadero jazz es lo que puedes tocar antes de estar jodido del todo; lo otro sale después de que te hayan jodido del todo”.

(Ira Gitler, Masters of Bebop,
reedición de Jazz Masters of the '40s, Da Capo, 2001, p. 243)

El método Tristano

2011-06-13T08:00:00.033+01:00

El saxofonista Ted Brown, ex-alumno de Lennie Tristano, explica a grandes rasgos las enseñanzas del maestro.

Sobre Tristano, en la web de Cuadernos de Jazz se puede leer el artículo largo que escribí en 2007 en torno a los libros dedicados al pianista de Eunmi Shim, Peter Ind y Fayenz y Brazzale.

La biografía de Shim contiene un estudio exhaustivo y detallado sobre los métodos de enseñanza de Tristano, uno de los primeros intentos de sistematizar la enseñanza del jazz.

Según Brown, los principales puntos son:

Conocer el instrumento lo suficiente como para no tener que preocuparte de si puedes tocar un tema o no.
No tocar siempre al límite de tu nivel de competencia. Dejar algo "de reserva" por si lo necesitas para un pasaje complicado.
Hay que pasar por todo el material básico: todas las escalas, todos los acordes, todas las tonalidades, todas las mayores, todas las menores... eso es algo que Lennie era muy estricto. Si no lo hacías una semana, tenías que repetirlo la siguiente. A veces llevaba meses sacarlo todo adelante.
Estar relajado cuando tocas, independientemente del tempo. Eso implica tener cierta confianza y conocer el instrumento. Lester Young transmitía esa sensación de relajación
Lennie también recomendaba la práctica a tempos muy lentos, algo que yo sigo haciendo. Durante el tiempo que estudié con él, casi nunca practiqué al 100% del tempo, lo que yo trataba de hacer era meterme la melodía en la cabeza de forma que no tuviera que pensar. Simplemente sabía cuáles eran las notas, y eso se consigue practicando a tempos muy lentos. De esa manera, una vez que lo tienes en la cabeza el tempo ya no importa tanto. A veces quizás los tempos de Warne Marsh podían dar algún problema, pero si no eran demasiado rápidos, se podían manejar. Eso, en mi opinión, se debe a la práctica muy lenta. Lennie era un gran defensor de la práctica lenta.
Todo se reduce a ser tan creativo e individual como fuera posible. Puedes estar copiando las notas de otro pero aportando tu propio sentimiento y mantener el objetivo de crear buenos sonidos, tocar con swing y sentirte bien.
También está la habilidad de escuchar mientras tocas, de escuchar a quienes te rodean. Si estás siendo verdaderamente espontáneo, lo que esté haciendo el músico que tengas al lado te va a afectar. Si no escuchas, quizás te afecte igual, pero no va a sonar conjuntado. Hubo una época en que Lennie insistía en que nos escucháramos mutuamente cuando tocábamos.

PD: João Gilberto cumple 80 - Gira de 2011

2011-06-12T09:00:00.003+01:00

Gracias a la pregunta de una lectora en la versión inglesa de este blog, he mirado las noticias a raíz del cumpleaños de Gilberto, y según Globo.com, va a hacer una minigira de entre 5 y 8 conciertos sin salir de Brasil entre el 29 de agosto y el 30 de noviembre. De momento se han anunciado São Paulo (3 de septiembre, HSBC Brasil), Rio (10 de septiembre, Rio Vivo) y, con las fechas por confirmar, Salvador, Porto Alegre y Brasília.

La gira lleva el título 80 anos – Uma vida bossa nova y hay planes de grabar dos DVD.

Excelente noticia que a los 80 esté lo suficientemente bien como para dar cinco conciertos.

Si algún lector consigue asistir a alguno de los conciertos, que no deje de contárnoslo.

João Gilberto cumple 80

2011-06-09T08:00:00.002+01:00

Mañana João Gilberto celebra su 80º cumpleaños. Sería complicado exagerar su importancia dentro de la llamada música popular del siglo XX. Como cantante y como guitarrista es dueño de un toque muy personal, es uno de esos pocos virtuosos cuya habilidad parece simple y carente de esfuerzo, cuando en realidad esconde interminables horas de trabajo obsesivo en busca de la perfección. Aun admitiendo que esto es cuestión de gusto personal, no creo que haya muchos oyentes a los que no les llegue la magia que emana su música. Ojalá disfrute su cumpleaños en paz, ajeno a las manidas "informaciones" de los medios, sobre si tiene un carácter difícil o retraído, y otras cuestiones francamente extrañas (como si el perfil de FaceBook a su nombre era o no realmente suyo).

Hablando de FaceBook, yo sigo haciendo campaña por la reedición oficial de sus tres primeros discos:

A este respecto, el resto del mundo va a tener que seguir esperando la reedición oficial. Como he explicado en otras ocasiones, Gilberto y el sello EMI –propietario de los másters– llevan casi 15 años enzarzados en los juzgados brasileños, lo que ha impedido que el mundo disfrute en condiciones los tres primeros discos del artista. Justo antes de que se retirara del mercado el cedé The Legendary... / O Mito, Time-Life lo publicó en España, con permiso de EMI, como parte de un coleccionable de discos clásicos de jazz de ese sello. Esta reedición, con la portada tintada en azul, sigue apareciendo de vez en cuando en los cajones de rebajas y las tiendas de barato de Londres, e incluso de EEUU.

Para los oyentes impacientes, él!/Cherry Records, un sello británico, ha publicado dos reediciones interesantes de los dos primeros elepés, algo que es completamente legal en la UE y que parece que algunos no acaban de entender al otro lado del charco. Aunque podrían discutirse algunos aspectos de esta cuestión, lo cierto es que en la UE los derechos de reproducción mecánica de esos dos discos, y pronto del tercero, han pasado ya al dominio público.

Entretanto no parece que se estén moviendo mucho las cosas en los juzgados. He encontrado unas cuantas notas al respecto en Terra Magazine, una revista brasileña on line. Este vendría a ser el resumen:

Se prevé que el Tribunal Supremo de Brasilia haya resuelto en 2011, aunque obviamente no a tiempo del 80º cumpleaños de Gilberto.
A pesar de los rumores en sentido contrario, EMI afirma que los másters originales están en Brasil.
Gilberto ha escuchado los másters, pero no los reconoce como originales. Estaría dispuesto a trabajar en una nueva remasterización.
Según Ricardo Garcia (técnico de la parte de EMI) se añadió reverb (eco) para lograr un falso estéreo a partir de las grabaciones originales en mono del elepé Chega de Saudade, y se forzaron las frecuencias altas mediante ecualización.
Según Paulo Jobim, hijo de Antonio Carlos, presente en el caso por la parte de Gilberto, en el máster del CD se favoreció a las cuerdas y la percusión en detrimento de la guitarra y la voz, alterándose el timbre de ésta por un exceso de ecualización.
Paulo Jobim estuvo presente en las sesiones originales. Al parecer, Gilberto pidió algo sin precedentes, disponer de dos micrófonos, uno para la guitarra y otro para la voz. Es perfeccionista hasta el agobio, a pesar de que las grabaciones se hicieron en vivo, no por partes.
Al parecer, cuando fueron a publicar The Legendary... / O Mito, EMI/Odeon trató de obtener la autorización de Gilberto para reeditar los elepés en cedé a través del compositor Nelson Motta, pero nunca obtuvieron una respuesta.
Caetano Veloso, asesor técnico de los abogados de Gilberto, sostiene que la reedición en un soo cedé resta valor al producto y, a la postre, al artista.
Gilberto también ha denunciado la utilización sin su permiso de una de sus canciones en un anuncio de televisión.

Según esto, y si el dinero no es problema –algo dudoso, aunque sólo sea por la situación de EMI– no debería ser complicado llegar a una solución. Sí que me parece que la idea de Veloso de hacer una reedición en tres cedés por separado no es realista. Para empezar, toda la música cabe en un solo cedé, y además ninguno de los tres elepés originales supera los 30 minutos, lo que haría ese formato prácticamente injustificable al precio normal de un cedé. Hoy en día, para que se venda en condiciones un cedé tiene que resultar verdaderamente atractivo. Será necesaria también una fuerte campaña publicitaria, y quien la lleve a cabo se acordará, seguramente, de las dos aniversarios perdidos, el cincuentenario de la bossa en 2008-9 y ahora, el 80º cumpleaños.

Esperemos que caiga pronto la breva.

¡Y feliz cumpleaños!

Un par de aniversarios

2011-06-06T08:00:00.004+01:00

La primavera ha pasado volando, y no me había dado cuenta de que en mayo se han cumplido 70 años de las grabaciones que hizo Jerry Newman de Charlie Christian en Minton's y Monroe's.

MJCD75

Existen siete grabaciones, dos de ellas en Monroe's, cinco en Minton's (para más información, busque "May 8, 1941" aquí). La más celebrada, y con razón, es la larga improvisación sobre "Topsy", también titulada "Swing to Bop" o "Charlie's Choice" según la edición que se maneje. A menos que el lector esté particularmente interesado en artículos de anticuario, lo más probable es que escuche esta música en CD, mp3 descargado o por streaming, o en YouTube (véase más abajo). Si es así, se encontrará con dos versiones de esta grabación. Una tiene algo más de ruido de fondo y algunos aplausos añadidos a posteriori. Con toda seguridad, esa grabación procede originalmente del Vol. 8 de la Complete Edition de las grabaciones de Charlie Christian (MJCD75), publicado por el sello francés Média 7 en 1994. La ventaja de esta versión es que se ha corregido la velocidad, por lo que suena en Sib menor. La otra versión es la que aparece en el CD de Esoteric/Fantasy (OJCCD-1932-2), con un sonido más redondo, sin aplausos añadidos, pero a un tempo algo más rápido (y la tonalidad más cercana al Si m).

El héroe de esta grabación es Charlie Christian. Aunque hoy nos parezca de lo más normal, en 1941 no había nada en absoluto remoramente parecido a lo que estaba haciendo este hombre con la guitarra. En cuanto a la música, aunque es obvio que era un fiel seguidor de Lester Young, ya estaba abriendo su propio camino, tanto en cuestión de ritmo como por su enfoque menos melódico de la improvisación, señalando, además, la dirección en la que explotarían en plenitud Charlie Parker y Dizzy Gillespie cuatro años después.

De todo esto, hay quien se queda con la importancia histórica que tiene. Bueno, supongo, pero eso no debería impedir a nadie apreciarlo y disfrutarlo por lo que realmente es, música de alta calidad con muchísimo swing. Entrando en detalles, llama la atención cómo Christian parece reservarse para las secciones "B", los puentes, en los que toca principalmente largas ristras de corcheas olvidándose de las divisiones de los compases, (algo por lo que también se conocía a Lester Young). En el resto, las secciones "A", se inclina más por improvisar riffs breves.

OJCCD-1932-2

Al dar un papel más rítmico a la guitarra, le brinda a Kenny Clarke (que merece un mayor reconocimiento por su aportación en este tema) la oportunidad de soltarse un poco. No obstante, es su forma de tocar conjuntamente con Christian lo que resulta verdaderamente admirable, parece que ambos están haciendo un verdadero esfuerzo por cooperar, especialmente en las secciones "A", por tocar en una especie de unisono rítmico (y no se pierda la puntuación del pianista en 3:09). En cuanto al resto de los soistas, aparte de Joe Guy a la trompeta, está, por supuesto, el pianista. Aunque algunos oyentes experimentados y la etiqueta del acetato original dan el nombre de Thelonious Monk, pianista de la casa en Minton's, otros oyentes no menos experimentados dicen que se trata de Kenny Kersey (un servidor está con los "monkianos"). En todo caso, Charlie Christian se mete en el segundo chorus de piano con su característica forma de tocar ritmo, en 4/4, sin florituras.

Por si acaso el oyente se pierde, las secciones "B" se pueden oír, en la versión lenta, en Sibm, 0:12, 0:47, 1:22, 1:56, 2:31, 3:06, y después en 7:06, 7:40, 8:14... ¡Hay que ver qué pulso más estable tiene esta rítmica!

Esta es la versión con la velocidad corregida:

y ésta es la que hemos conocido "desde siempre":

También se puede oír en Spotify, en Sibm o en Sim.

En cuanto al otro aniversario, este blog cumplió tres años el pasado 28 de mayo.

Gracias por leerlo.

Teddy Wilson y Jo Jones en acción

2011-06-02T08:00:00.005+01:00

Cuando se habla de los pianistas de jazz de los años treinta, la atención se vuelca en el virtuosismo de Art Tatum y Earl Hines. Quizás haya una mención a los viejos maestros del stride. Pero por haber encarado el piano de jazz hacia su futuro, y por el derroche de clase, clase, más clase, y aún más clase, hay que detenerse en Teddy Wilson.

Por supuesto Wilson tocó y grabó más allá de aquel decenio. El vídeo de hoy es de 1963, y se rodó en Chicago como parte del programa de TV International Hour - American Jazz, presentado por Willis Conover, el locutor de la Voz de América. Jo Jones está a la batería, con Jim Atlas al contrabajo, y tocan el "Honeysuckle Rose" de Fats Waller.

¡Que lo disfruten!

¡Transcribid, malditos!

2011-05-30T08:00:00.006+01:00

Primera parte

Ted Brown (n. 1927) es, definido rápido y mal, un saxo tenor tristaniano de segunda fila. O sea, no es Warne Marsh, con el que grabó el disco Jazz of Two Cities (temas 1-12 en Spotify, 1-11 en MySpace). Menos "aventurero" que Marsh y con una fuerte querencia por Lester Young, es uno de esos músicos que suelen merecer más atención de la que suelen recibir. Sus dos discos para Criss Cross, Good Company, con Jimmy Raney, y Free Spirit se pueden oír en Spotify (Good Company) o MySpace (Free Spirit; Good Company).

Como alumno de Tristano, Brown estuvo sujeto a una estricta disciplina de estudio de grandes solos de jazz. Sin embargo, como explica en el vídeo a continuación, su curiosidad por la mecánica del solo de jazz venía de muy atrás. En el vídeo explica, además, por qué es importante dedicar tiempo a la transcripción de solos, a llevar a cabo el ejercicio de escucha intensa, sacarlos de oído, y pasarlos a papel.

En términos generales, una de las diferencias entre los músicos de jazz actual y los de generaciones anteriores es que éstos llegaban a desarrollar un estilo personal de una forma más intuitiva que los actuales. Podría decirse que, con unos fundamentos técnicos suficientes, el camino hacia la excelencia jazzística dependia más de uno mismo, de la investigación personal. Por así decirlo, antes se trataba más de un "yo me lo guiso yo me lo como", mientras que hoy en día hay mucha más variedad de "platos precocinados".

En todo caso, lo que sigue es el resumen en español de lo que dice Brown:

"Tickle Toe" (Spotify, YouTube, MySpace) [de Lester Young con Basie] era mi tema favorito, gasté el disco, quería ver qué aspecto tenía sobre el papel.

Primero quería ponerlo en papel, y luego lo leía escuchando el disco. A continuación sacaba las posiciones de los dedos. Luego volvía a escuchar el disco y añadía las marcas del fraseo, acentos, la respiración, la dinámica... Lo que buscaba en el fondo era meterme en la esencia del solo, llegar a conocer los sentimientos que habían provocado ese solo en particular.

Creo que los jóvenes músicos de hoy en día están perdiéndose algo cuando cogen estos libros, con solos de Charlie Parker –de Lester Young no hay tantos– que además están llenos de errores. Al no pasar por el proceso de sacar la música de los discos nunca llegan al fondo del solo, de su significado, y no llegan a apreciar la profundidad del sentimiento que hay detrás de ese solo. Puede que sepan tocar las notas, pero para ellos no significan nada.

Creo, de verdad, que uno tiene que meterse de ello y sacar el solo nota a nota, y dejar que tu cerebro se empape del solo.

Cuando estuve en el ejército, casi todo mi tiempo libre lo dedicaba a sacar solos. Tenía un giradiscos con todas las velocidades posibles de 0 a 100, cosas del ejército... llegué a sacar todo el solo de Bird en "Koko", el solo entero, y en los barracones todo el mundo se volvió loco; tenía que hacerlo cuando no había nadie, porque se hace pesado escuchar a Bird a la mitad de velocidad. También saqué un montón de solos de Lester Young.

Cuando estudíe con Lennie [Tristano] nunca me dijo que transcribiera, pero yo seguí haciéndolo. Pasé mucho tiempo con "12th Street Rag" (Spotify, MySpace), sacando todos los detalles de la articulación, etc.

***

Segunda parte

Para quienes estén interesados en transcribir, o simplemente en conocer más a fondo solos que normalmente se escapan al oído por su velocidad, Jacob Zimmerman, un joven saxofonista de 25 años, ha lanzado un blog dedicado, precisamente, a ralentizar solos para su estudio.

De momento las selecciones son impecables, y acepta sugerencias.

Miles Davis, 85

2011-05-26T15:00:00.004+01:00

De seguir vivo, Miles Davis habría cumplido hoy los 85.

Música en el aire

2011-05-23T08:00:00.005+01:00

Una de las características del jazz, sobre todo en los primeros dos tercios del siglo pasado, es su aspecto de tradición oral/mecánica, por así decirlo. Oral, porque los músicos aprendían el oficio de oído, y mecánica, porque el aprendizaje de oído se hacía, principalmente, reproduciendo los discos una y otra vez hasta gastarlos. En el caso de frases cortas, como la de "Rhythm-A-Ning", ni siquiera hacían falta los discos para que viajaran a través de los años y quedaran incrustadas para siempre en el acervo colectivo.

Ya he hablado alguna vez de la descomunal influencia de Lester Young sobre las generaciones que le siguieron. Hace unos meses Doug Ramsey llamaba la atención sobre el solo del tenor al final de su "Sometimes I'm Happy"

y a mí me recordó inmediatamente al "Jeru" de Gerry Mulligan, estrenado pocos años después por el famoso "noneto" de Miles Davis

Mulligan era uno de esos jóvenes seguidores acérrimos de Lester Young, y no es para nada descabellado que su inspiración en este tema fuera el solo del "Presidente". Lo que resulta más curioso es dónde vuelve a surgir este tema, prácticamente idéntico

Digo prácticamente idéntico porque ambos (los tres, en realidad) están en la misma tonalidad, y el contorno de las melodías de "Jeru" y "So Sorry, Please" son prácticamente idénticos. La conexión entre Lester Young y Gerry Mulligan es evidente, por la admiración que profesaba el segundo por el primero, pero el vínculo entre Mulligan y Powell es algo más inesperado y concreto: la respuesta, en la sensacional biografía del pianista escrita por Peter Pullman, inexplicablemente inédita.

Los temas completos pueden escucharse en Spotify, YouTube (SIH, J, SSP) y MySpace (SIH, J, SSP).

Jimmy Giuffre Trio en Italia, 1959

2011-05-19T08:00:00.018+01:00

La capacidad de internet de sorprender no tiene límites. En esta ocasión se trata de un concierto completo de la gira europea del trío de Jimmy Giuffre con Jim Hall y Buddy Clark en 1959, en Italia en este caso.

El 19 de junio de 1959 en el Teatro Adriano de Roma, según la información del usuario de YouTube que ha subido los vídeos, el empresario Norman Granz se subía al escenario para presentar a las dos bandas de la noche en un italiano más que decente. El segundo grupo de la noche fue el cuarteto de Gerry Mulligan compuesto por Art Farmer, Bill Crow y Dave Bailey (aquí se puede ver un vídeo).

Por dar un poco de contexto, podría decirse que Giuffre estaba llegando al final de una etapa que podría calificarse de mainstream -con su personal enfoque en la composición y los arreglos, especialmente en el uso del contrapunto, y su característico toque pastoral con el clarinete- y estaba a punto de adentrarse en una fase más abstracta de su carrera. En un momento menciona un álbum que está a punto de publicarse en Italia: es el 7 Pieces, para el sello Verve, de Norman Granz.

Aunque Giuffre y Jim Hall -que a pesar de tocar mucho juntos, no se llevaban nada bien- apenas requieren presentación, cabe decir de Buddy Clark (1929-1999) que empezó a trabajar en Chicago con Bud Freeman entre otros. A lo largo de su carrera tocó con diversos grupos, como los de Les Brown, Red Norvo, Dave Pell, y a principios de los setenta fue cofundador con Med Flory del grupo Supersax. Por lo demás fue un músico muy activo en los estudios de grabación.

Que lo disfruten.

1. Two Degrees East, Three Degrees West

2. Four Brothers

3. Princess

4. Careful

5. The Little Melody

6. Time Machine

El finde de Charlie: del club a la trinchera

2011-05-16T08:00:00.006+01:00

Charlie Haden (n. 1937) es un músico excepcional en el sentido estricto: es una verdadera excepción, uno de esos personajes que hay que celebrar aunque sólo sea por lo mal que se ajustan al estereotipo del músico de jazz. La trayectoria desde aquel niño cantante, blanco y rural, de Shenandoah, Iowa, al cimiento del primer y novedoso cuarteto de Ornette Coleman, al co-director de orquesta políticamente explícito, al líder del sofisticado Quartet West, podría dar para varias carreras musicales.

Tratándose de un solo hombre, la única forma de tocar tantos palos sin que se rompa ninguno es a base de coherencia y honestidad artísticas inquebrantables. En el caso de Haden, parece que todo se reduce a una musicalidad prácticamente amamantada, un lirismo nada empalagoso y un amor incondicional por su instrumento. Al contrario que otros contrabajistas de primera línea, Haden nunca ha cedido ante la tentación de hacer sonar al contrabajo como un instrumento de tesitura más leve, sino que disfruta de la pesada gravedad del armario con cuerdas. Esto se aprecia especialmente bien en sus grabaciones a dúo, de las que la más reciente, su segundo volumen con el gran Hank Jones, debería salir el próximo otoño.

En lo inmediato, los próximos sábado y domingo, serán el finde de Charlie en el Barbican. Como su propia carrera, estas serán dos noches de contrastes. En la primera, el Quartet West (con Ernie Watts, Alan Broadbent y Rodney Green), uno de los combos de jazz más elegantes de los últimos veinte años, presentará su último disco, Sophisticated Ladies (Emarcy), dedicado a la gran tradición de las cantantes estadounidenses (con Liane Carroll, Melody Gardot y Ruth Cameron en el escenario). Para muchos esta puede ser una premisa aburrida y poco prometedora, pero el QW es uno de los pocos grupos que puede obrar el milagro y hacerla interesante.

La noche del domingo estará dedicada prácticamente al extremo opuesto de los sonidos urbanitas del sábado. La Liberation Music Orchestra se montó como vehículo de protesta y reivindicación política. Su debut, en 1969 para Impulse!, era un canto al bando perdedor de la guerra civil española, un evento acaecido 30 años atrás en un país extranjero. Será interesante ver, aún con Carla Bley coliderando una versión anglo-yanqui de la orquesta, qué dicen estos dos hijos de los años sesenta de la situación actual en el mundo y en su propio país.

Mucho se ha escrito sobre la capacidad de la música de evocar y provocar. La prueba, este fin de semana.

PD: Gretchen Parlato fue una de las sensaciones del pasado Festival de Jazz de Londres. El sábado 21 actuará gratis en el FreeStage del Barbican, a las 6.

Charlie Haden toca en el Barbican el 21 y 22 de mayo. Para más información, véase el Barbican, y la página de Serious.

Sobre Haden, recomiendo este perfil de Francis Davis (en inglés). El website de Haden está aquí.

Música en internet: MySpace, Spotify

Protejan al Johnny

2011-04-26T08:00:00.068+01:00

Desde la reinstauración de la democracia en España, y gracias a nuestra condición de acreedores netos de la UE, parece que nuestro país ha dedicado sus dineros culturales, al menos en parte, a construir nuevos edificios con la intención de albergar todo tipo de actividades. Cuántos titulares de prensa habrá habido en los últimos treinta años cantando, como los niños de San Ildefonso, los millones dedicados a construir o habilitar tal o cual centro, casa, instituto, museo o palacio para designar cuatro paredes de carísimo diseño, ejecución y mantenimiento.

Hemos sacado mucho pecho por lo de la transición, pero a veces tiene uno la impresión de que, hoy como ayer, algunas cosas siguen saliendo adelante “a pesar de” y no “gracias a” quienes nos mandan, hoy en nombre del pueblo soberano, ayer por las bravas. Porque si bien se ha construido mucho para la cultura, a veces bueno y bonito pero nunca barato, las estadísticas y la propia experiencia parecen indicar que la educación se deteriora y, con ella, tarde o temprano, la necesidad y la exigencia de cultura por parte de la gente.

Una de las consecuencias de la proliferación de tantas instalaciones culturales –algunas fruto de planteamientos francamente absurdos– y del estancamiento de la demanda de cultura es que hay mucho espacio vacío, con las protestas por parte de algunos de lo que consideran, en parte con razón, un despilfarro. El problema de los grandiosos edificios culturales es que no es tan fácil llenarlos y que vacíos “cantan” mucho.

En resumen, parece que en muchos casos se está empezando la casa por el tejado, se está empezando por lo fácil, levantar un bonito edificio, cuando lo lógico es que primero exista una demanda real por parte del público y un grupo de gente que esté creando algo que merezca protegerse, que merezca apoyarse y promoverse.

Esto es, precisamente lo que es El Johnny. El Club de Música y Jazz San Juan Evangelista ha estado funcionando durante cuarenta años, en sus orígenes a pesar del franquismo postrero y después a pesar del desinterés de muchos políticos electos, programando música contra viento y marea, sin apenas medios, con éxitos artísticos sólo comparables con los quebraderos de cabeza y tensiones personales de quienes llevan muchos años peleando para mantener a flote una iniciativa de este calibre en las condiciones en que han tenido que hacerlo.

El Club, los que lo gestionan, los colegiales, el público fiel, tienen ya tras de sí una larga historia de esfuerzo por traer a Madrid y subir a su escenario a grandes artistas. Puede que estos artistas hayan sido minoritarios, poco “famosos”, o políticamente incómodos, pero ese es precisamente el motivo que hace importante al Johnny: porque buscando y escogiendo más allá de las exigencias del –¿libre?– mercado, nos ha hecho reflexionar o sentir en lo más hondo, contribuyendo de esta manera a que todos seamos más libres y más humanos.

Señoras y señores de las Administración pública: consideren la posibilidad de proteger una institución que lleva cuarenta años demostrando su compromiso absoluto e irrenunciable con la difusión de unas músicas que, independientemente de géneros, trascienden lo temporal, conmueven y hacen nuestras vidas más llevaderas.

Protejan al Johnny. Simplemente para que pueda seguir desarrollando su importante labor y ésta llegue a la mayor cantidad de gente posible. No sólo premiarán cuarenta años de lucha desinteresada por la cultura, sino que evitarán que se desperdicien la sabiduría y los conocimientos acumulados a lo largo de todo ese tiempo en la brecha.

Protejan al Johnny, pero no por ese pasado, que es ya imperecedero e inmutable, sino por su futuro, para que pueda apoyarse en la sólida base que constituye toda esa experiencia acumulada y sea tan bueno o aun mejor que hasta ahora.

Protejan al Johnny. Declárenlo Bien de Interés Cultural.

La píldora del jueves: Brazilliance

2011-04-21T10:00:00.003+01:00

El cliché de la crítica descuidada dice de Brazilliance que viene a ser el preludio de la bossa nova. Como suele ocurrir, de bossa nova tiene poco. Es cierto que tiene componentes brasileños y jazzísticos, pero no tiene tanto que ver con lo que Jobim y Gilberto crearían en Brasil a finales de los cincuenta.

Para quienes no conozcan estos discos, Brazilliance, volúmenes I & II, son dos cedés con música grabada en 1953 y 1958 respectivamente para el sello californiano Pacific Jazz, originalmente a nombre del guitarrista brasileño emigrado a California Laurindo Almeida, con Bud Shank al saxo alto, y Harry Babasin (I) o Gary Peacock (II) al contrabajo, y Roy Harte (I) o Chuck Flores (II) a la batería.

Supongo que lo de presentar esta música como una especie de ancestro de la bossa se debe a que 1) encajaría exactamente con cierta concepción genealógica de la música, 2) podría ser un buen gancho para bastante gente. El problema es que 1) no es bossa, y 2) la idea no va a ser un gancho, sino un repelente tanto para quienes podrían haber disfrutado esta música pero están cansado de la bossa como para los amantes de la bossa que buscaban precisamente eso, bossa.

En realidad esta música es una mezcla directa de baião y otros ritmos brasileños con el swing convencional en 4/4 del jazz, en el contexto de los pequeños experimentos que se llevaron a cabo en el jazz californiano de los cincuenta, y el oyente no encontrará aquí nada del "ritmo tartamudo" que emanaban de la guitarra y la voz de João Gilberto, aunque haya piezas que parecen pedirlo, como la primera parte de "Inquietação" (escuchar en YouTube). En lo rítmico esta música es mucho más simple, y armónicamente no se sale un ápice del marco del jazz del momento. En cualquier caso, lo que importa verdaderamente es que suena fresco, es música para cálidos atardeceres de verano, con un swing ligero y el sonido acústico de la guitarra atempera la dinámica de todo el grupo.

Estos cedés (en las imágenes) se publicaron como World Pacific/Capitol-EMI CDP 7 96339 2 y CDP 7 96102 2, respectivamente. También pueden oírse en Spotify, y el Vol. I, en MySpace.

PD: También se pueden catar muchos de estos temas en YouTube

¡Feliz (3x20 + 10), Cifu!

2011-04-20T08:00:00.006+01:00

Anda el Cifu de celebraciones en los últimos meses: 40 años en el aire, que se dice pronto, un Premio Ondas extraordinariamente acertado y ahora otro número redondo vital. Poco me queda por decir sobre él que no haya dicho ya en estas páginas.

Si acaso añadiré que una de mis anécdotas favoritas del Cifu transcurre en Nueva York. Estando por allá, queda un día con su amigo Art (Blakey, uno que tocaba la batería) y se van para el Village Vanguard a ver a un grupo o solista cuyo nombre se me escapa. Bajan las peligrosas escaleras, pagan religiosamente la entrada y, con los músicos en acción, se sientan discretamente en la barra.

Al cabo de un rato, termina el pase y cuando el portavoz del grupo se despide, aprovecha para anunciar al público la presencia de Art Blakey en el local. En esto se levanta prácticamente todo el aforo y se acerca en masa a saludar a Blakey: eran todos ex-miembros de su banda, los Jazz Messengers, una de las grandes universidades de la historia del jazz.

Esto lo cuento porque el Cifu viene a ser el Art Blakey de los comentaristas de jazz españoles. Quien más quien menos ha pasado por sus manos, le ha escuchado en la radio y, los que tenemos una edad, le hemos visto en la televisión pública cuando aún era eso, un servicio público. Personalmente le debo mi devoción por Charlie Parker por una serie de programas que le dedicó en Jazz entre Amigos. Eso, y que conmigo, desde que nos conocimos el siglo pasado en un Jazzaldia, en San Sebastián, siempre ha sido un señor.

De todo eso hace muchos años, así que aprovecho para recordar a quienes lean estas líneas que Cifu sigue en la brecha, y que se pueden escuchar en directo o a través de internet las cinco horas semanales que programa en sus espacios A Todo Jazz, Jazz Porque Sí y Jazz Internacional: buena música, buenas selecciones y esa socarronería enciclopédica que hace único al Cifu.

No me queda más que alzar mi vaso, destornillador sin gas, y desearle un feliz (3x20 + 10)º cumpleaños, que sean muchos más y que nosotros los veamos.

Así que lo dicho, maestro: besos, abrazos, carantoñas, achuchones múltiples y que seas muy, pero que muy bueno.

Art Blakey & The Jazz Messengers

Lee Morgan (trompeta), John Gilmore (saxo tenor),
John Hicks (piano), Victor Sproles (contrabajo),
Art Blakey (batería).

Cine-Tele Sound Studio, Londres,
7 de marzo de 1965

Citas de Héroes y Villanos

2011-04-18T08:00:00.010+01:00

Heroes and Villains (Héroes y Villanos) es una recopilación de artículos de David Hajdu, conocido en el mundo del jazz por su biografía de Billy Strayhorn. No obstante, el ámbito de su trabajo es mucho más amplio, como prueba este libro, en el que caben músicos desde Philip Glass y John Zorn hasta Beyoncé y The White Stripes, además de representantes de otras disciplinas como los novelistas gráficos Will Eisner o Joe Sacco.

Empecé a hojearlo ayer mismo, y el mero vistazo está resultando prometedor. Hasta el momento diría que su atractivo principal es el modo en que el autor desarrolla sus artículos. El final de su capítulo sobre el compositor Richard Rodgers, o el del segundo acto de su artículo sobre el centenario del blues celebrado en 2003 son tan pertinentes como sorprendentes por lo que tienen de inyección de realismo en vena.

También tiene la habilidad de entresacar citas jugosas como éstas:

"Muchos fans blancos me recuerdan al necio que va a a la ópera a escuchar a la orquesta" (Bob Koester, jefe de Delmark Records sobre el fetichismo guitarrero de los fans blancos del blues).

"El talento es como la batería del coche. Te permite arrancar, pero si el generador no funciona bien, no llegarás muy lejos" (Ellis Marsalis),

o de hablar amplia y vívidamente de esta foto

y el drama que oculta un instante de diversión inocente por su papel determinante en el declive de la carrera de Billy Eckstine, por haber mostrado a los estadounidenses de 1950 a un hombre atractivo, pero negro, rodeado de muchachitas rendidas ante sus encantos, pero blancas.

La píldora del jueves: más lecturas...

2011-04-14T08:00:00.014+01:00

©Ed Berger, 2006

El pasado lunes hacía unas recomendaciones de lecturas jazzísticas con fuste. Hoy añado una más, también en inglés.

Uno de los autores más sólidos de los últimos tiempos es Lewis Porter (en la imagen). Pianista (aquí con Dave Liebman) y uno de los principales ideólogos de la investigación jazzística, también es el fundador y director del Máster en investigación e historia del jazz de la Universidad de Rutgers (Nueva Jersey) y el mejor biógrafo de John Coltrane. Perfect Sound Forever le entrevistó ampliamente en su día y parte de esa entrevista quedó debidamente traducida al español en las páginas de Tomajazz.

Porter, un empírico recalcitrante, es una verdadera bestia del conocimiento jazzístico, no tanto por su erudición -que también, pero para eso están las enciclopedias- sino por la independencia y originalidad de su trabajo. Este es uno de los pocos autores sobre jazz recomendables a ciegas. Desde hace un par de semanas, ayudado por su alumno de máster Alex Rodriguez y auspiciado por la emisora WBGO, ha iniciado la publicación de un blog.

Después de la presentación, en la que indica que

La experiencia me ha demostrado que los músicos de jazz, los fans, escritores y profesores son reacios a abandonar sus viejas historias. Con esta serie le reto al lector a que cambie su forma de hablar sobre jazz. ¿Y sabe qué? Puede hacerse. Lea, comente y comparta de forma que entre todos podamos difundir información exacta sobre nuestra querida música, libre de la distracción que son los mitos y rumores.

da paso, a tal fin, a un proto-blues grabado en Congo en 1906. Así, de entrada, sin inmutarse. Porter dice

En la música Afroamericana han sobrevivido [no sólo ritmos, sino también] MELODÍAS africanas, especialmente en el blues, y esta grabación es la prueba de ello! [...] No sólo puede oírse al flautista (o flautistas) tocando frases de blues muy familiares una y otra vez, sino que toca en un vaivén continuo entre la tercera mayor y la tercera "blue".

Además de explicar este pequeño tecnicismo, en esta entrada se puede escuchar la grabación congoleña en línea: aquí.

La siguiente entrada está prevista para hoy, jueves 14. No se la pierdan.

PD: La entrada de hoy trata sobre los orígenes de la palabra "jazz", está ya disponible aquí. Como suele pasar con Porter, su conclusión es sorprendente y viene respaldada con pruebas y argumentos.

Breves: documental sobre jazz chileno

2011-04-11T22:00:00.005+01:00

A partir de hoy lunes 11, en los horarios indicados a continuación se emitirá la serie Tempo, dedicada a la actualidad del jazz chileno. Los lectores de este blog (y los oyentes del A Todo Jazz del Cifu, aquí, aquí, aquí y aquí), estarán al tanto de la calidad del jazz que se hace al oeste de los Andes. Tempo es un documental que está a la altura de la música que presenta, combinando un formato muy sencillo, música intercalada con entrevistas, con una producción muy cuidadosa. Merece la pena por la temática y porque plantea una nueva posibilidad de presentar a los músicos de jazz de una forma a la vez cercana y sin compromiso.

El documental se puede ver en vivo por internet en este enlace:

http://envivo.13.cl/

Horarios (UTC):

Lunes - 23:00
Martes - 03:00 y 17:30
Sábados - 19:30
Domingos - 04:00

Por poner un ejemplo, la hora de Madrid es UTC + 2 por lo que los programas se podrán ver los

Martes - 01:00, 05:00 y 19:30
Sábados - 21:30
Domingos - 06:00

Para otros husos horarios, véase esta página.

El orden de los episodios, que se repiten a lo largo de cada semana, es el siguiente:

Semana del 11 de abril: Christian Gálvez
Semana del 18 de abril: La Marraqueta
Semana del 25 de abril: Nicolás Vera Quinteto
Semana del 2 de mayo: Gonzalo Palma Trio
Semana del 9 de mayo: Ensamble Quintessence
Semana del 16 de mayo: Aluzinati
Semana del 23 de mayo: Ogros del Swing
Semana del 30 de mayo: Cristián Cuturrufo
Semana del 6 de junio: Jorge Díaz Trio
Semana del 13 de junio: Contracuarteto
Semana del 20 de junio: Martin Joseph

Qué leer...

2011-04-11T08:00:00.008+01:00

Con la llegada de los blogs y la posibilidad real de que cualquiera publique cualquier cosa y se puede leer en cualquier parte del planeta ha cambiado el panorama editorial en general y, en su mínima parcela, el de la crítica de jazz. Si nos apartamos un momento del eje que cruza el hemisferio norte desde EE UU hasta Japón pasando por Europa occidental, lo cierto es que internet debe de haber significado un cambio radical para los aficionados, improbables pero reales, de Irán, China, o el extremo meridional de Sudamérica, que de otra manera apenas tendrían acceso a información de calidad y ahora es mucho más probable que puedan leer o escuchar -legal o ilegalmente- a sus héroes.

He destacado el en cualquier parte por su aspecto positivo, pero el cualquier cosa constituye un problema importante. En este alud de blogs y websites que pasan por ser publicaciones serias, se echa en falta a los directores de publicaciones a la vieja usanza, por su papel en el control de calidad y el filtro de contenidos, y resulta más difícil discernir a qué merece la pena que dediquemos nuestro valioso tiempo. Cualquier cosa significa exactamente eso, que se publica cualquier cosa, y las cifras de visitantes y otras estadísticas nunca bastarán para dar una idea de la calidad de lo que se publica.

Por suerte se pueden leer textos decentes (lo que hay en mi lista de enlaces, a la derecha de esta página, por ejemplo), pero si el lector de estas líneas se defiende en inglés y está dispuesto a hacer un pequeño esfuerzo y dedicarle algo de tiempo a la lectura, le recomiendo encarecidamente estos tres sitios:

JOURNAL OF JAZZ STUDIES: Hasta ahora conocido como Annual Review of Jazz Studies, y en una etapa aun anterior con el mismo nombre de Journal of Jazz Studies, cuyo primer número salió allá por 1973 bajo los auspicios del Institute of Jazz Studies. Como coleccionista (irregular) de los ejemplares del ARJS, les puedo contar que cada ejemplar de dicha publicación parece más un libro que una revista, y que mantiene un nivel de seriedad e interés en todos sus números sólo equiparable a su precio, incluso de segunda mano. La buena noticia para el lector virtual, es que a partir de ahora el JJS se publicará en línea dos veces al año, y su lectura será totalmente gratuita. Esta es una publicación con revisión externa (peer review) o sea que no hay espacio para frivolidades. El director es Evan Spring, y el primer número de esta nueva etapa se puede leer aquí.

CURRENT RESEARCH IN JAZZ: Esta es una revista más reciente, también con revisión externa, solamente disponible en internet desde su inicio hace un par de años. El cerebro de esta operación es el maestro discógrafo y coautor de la biografía de Gigi Gryce, Mike Fitzgerald. Mike es un promotor incansable de la investigación jazzística rigurosa y del aprovechamiento de las posibilidades que brinda internet para mejorar en ese campo. Él mismo explica la filosofía y objetivos del CRJ aquí. El primer número se puede leer aquí, el segundo y último hasta la fecha, aquí.

JAZZ STUDIES ONLINE: Este website es distinto a los dos anteriores. Editado potr el saxofonista y politólogo Tad Shull, y patrocinado por el Center of Jazz Studies de la Universidad de Columbia, en él se recopilan diversas fuentes de información para los estudiosos del jazz. Contiene entrevistas en audio, actuaciones, y una selección de artículos, como el importante "Constructing the Jazz Tradition" de Scott DeVeaux.

No obstante, la joya de la corona de este sitio, especialmente para quienes estamos interesados en las revistas antiguas y el jazz de los años cincuenta, es la colección completa de la legendaria Jazz Review. Esta efímera revista, 23 números publicados entre 1958 y 1961 por Martin Williams y Nat Hentoff, constituyó un punto de inflexión para la crítica y el comentario jazzístico, y presentó algunos artículos hoy considerados históricos. Sin ir más lejos, el primero de su primer número es el famoso análisis del "Blue 7" de Sonny Rollins firmado por Gunther Schuller, "Sonny Rollins and the Challenge of Thematic Improvisation", artículo que, al parecer, trastornó tanto al saxofonista, que aseguró que no volvería a leer nada escrito sobre él. Y hay muchisimo más, documentos impagables como las entrevistas con James P. Johnson y Walter Page, las jugosas críticas firmadas por músicos (Bob Brookmeyer, Art Farmer, George Russell, Bill Crow...), los primeros textos sobre jazz firmados por Harvey Pekar, y mucho, mucho más. Todo ello en formato .pdf (con la posibilidad de realizar búsquedas de textos, al menos en algunos números).

Feliz y provechosa lectura.

La píldora del jueves: Darcy James Argue

2011-04-07T08:00:00.006+01:00

Darcy James Argue y la Secret Society interpretan "Transit" (partitura) en el Kennedy Center, el pasado 5 de enero.

DIRECTOR: Darcy James Argue
CAÑAS: David DeJesus, Rob Wilkerson, Sam Sadigursky, Mark Small y Josh Sinton.
TROMPETAS: Seneca Black, Tom Goehring, Matt Holman, Nadje Noordhuis y David Smith (solo).
TROMBONES: Noah Bless, Tim Sessions, Kevin Moehringer y Jennifer Wharton.
RÍTMICA: Sebastian Noelle (guitarra), Red Wierenga (piano y teclas), Matt Clohesy (contrabajo), Jon Wikan (batería).

Más vídeos: aquí.

La actuación en el Kennedy Center, entera: aquí.

El extraño caso de Freddie Green

2011-04-04T08:00:00.007+01:00

Freddie Green (© Ron Hudson)

Freddie Green habría cumplido 100 años el pasado 31 de marzo. Por muy familiar que su nombre resulte a los fans del Swing, lo cierto es que su carrera fue extraña: sus aportaciones eran más fáciles de apreciar por su ausencia que por su presencia. Desde 1937 en adelante, él fue el factor que mantuvo la cohesión de las secciones rítmicas de Count Basie, con su toque metronómico y su gran levedad armónica probablemente contribuyó a que sus compañeros de sección se relajaran y pudieran generar más swing que otras bandas rivales. Curiosamente, el inicio de su carrera con Basie coincidió con la transición de la guitarra a la amplificación pero, aunque la eléctrica se convirtió en el paradigma de la guitarra en el jazz, él siguió tocando una acústica. Green y Charlie Christian eran buenos amigos -grabaron juntos en combo, en estudio y en directo- pero cuando Christian le regaló un amplificador los "colegas" de Green en la orquesta de Basie se encargaron de dejarle claro, a base de sucesivos sabotajes, que no le querían como solista, y Green desistió.

Green tiene un fantástico website, www.freddiegreen.org, donde se puede encontrar todo lo que uno quisiera saber sobre el guitarrista y su música (los enlaces que he puesto a un par de temas llevan a las transcripciones de los solos de Green publicadas en ese site). Con esa fuente, y mis propias escuchas, he montado una selección en Spotify, con grabaciones en las que se puede oír perfectamente a Green en su habitual papel de acompañante rítmico, e incluso como solista.

Para quienes no tengan acceso a Spotify, los temas son los siguientes: de Billie Holiday, una toma de "On the Sentimental Side" en la que Green toca la intro y el obligato detrás de la Holiday. "Honeysuckle Rose", del concierto de Benny Goodman en el Carnegie Hall (Green solea a partir de 11:50). "Dinah", de las grabaciones de Pee Wee Russell para Commodore, también tiene un solo de Green, aunque de acordes.

De ahí pasamos al disco Memories Ad-lib de Count Basie y Joe Williams para Roulette, una buena sesión de grupo pequeño, en la que se puede escuchar a Green tocando solos (los temas que he incluido son "All of Me", "Ain't Misbehavin'", "Sweet Sue", "Honeysuckle Rose", y, atentos especialmente a "The One I Love Belong to Somebody Else"). Para terminar este segmento dedicado a combos, tenemos "Blues for a Playmate", del disco Savoy Jazz for Playboys, donde se puede oir a Green tocando solamente ritmo, justo después del solo de Kenny Burrell (a partir de 9:07).

Siendo críticos, y a mí me encanta Green, lo cierto es que no parece que el primer plano favorezca demasiado al guitarrista. Supongo que perjudicado por la falta de costumbre y su papel de eterno acompañante "de acordes", sus solos no se alejan demasiado de las formas de los correspondientes acordes. En todo caso, Green tuvo el mérito de descubrir qué es lo que mejor hacía, y dedicarse a ello. Fue el mejor en lo suyo (aunque Barry Galbraith no andaba muy lejos).

La parte final de esta recopilación muestra exactamente eso: en primer lugar tenemos "Don't Cry, Baby" por Basie & Eckstine, seguido del instrumental "All of Me" del clásico Sinatra at the Sands, "Time Out" de la revisión de 1960 de viejos clásicos de Basie y, para terminar, posiblemente la grabación más conocida y escuchada de Freddie Green, el "Lil' Darlin'" de Neal Hefti, interpretado por Count Basie y su banda (se puede oír en YouTube).

Que lo disfruten: Freddie Green.

Esto de escribir sobre jazz...

2011-03-28T09:00:00.006+01:00

Hace unas semanas publiqué en Cuadernos de Jazz el texto que viene más abajo. Lo recupero aquí porque es asunto que tiene más ramificaciones de las que señalaba, teniendo en cuenta lo volátil que está el mundo de los medios y el de la música.

Además el texto obtuvo cierta respuesta tanto en Facebook como en Twitter, y quizás merezca la pena abrir el debate. Hasta ahora ha habido alguna adhesión incondicional y algún desacuerdo poco definido. Aunque se agradecen las adhesiones, más se agradecen los desacuerdos: lo que se me ha ocurrido a mí, ya lo conozco; lo que no conozco es lo que no se me ha ocurrido ni los motivos por los que puedo haberme equivocado.

Lo que cuento es la conclusión de más de 15 años escribiendo sobre música y del contacto cercano con colegas y otros profesionales y aficionados del mundillo. Eso no quiere decir que no me equivoque, simplemente que no se me acaba de ocurrir lo que digo a continuación. Ya digo, las observaciones serán muy bienvenidas. Especialmente los desacuerdos.

De este oficio

No recuerdo qué crítico era, me parece que el ilustre Whitney Balliett del New Yorker, el que abogaba por que músicos y críticos tuvieran el mínimo trato personal posible. Ninguno, a poder ser. En aras de una crítica imparcial, supongo.

Añado yo que para tener la fiesta en paz. Las pocas veces que he leído a músicos profesionales escribiendo sobre los críticos he llegado a la conclusión de que no estaba nada de acuerdo. (En realidad la conclusión es otra, pero en mi discurso interno me permito unas familiaridades que serían improcedentes con prójimos y prójimas.) El motivo debe de ser el desconocimiento de cómo se pone uno delante de la pantalla en blanco y trata de “bailar sobre arquitectura”, como alguien definió esta actividad. Yo sigo el lema de Julián Marías “por mí, que no quede”, o sea que, por si le sirve a alguien, ahí va esto:

El principal requisito para escribir sobre jazz, no es saber de jazz. Es saber escribir. El verbo de la oración, la acción, es “escribir”, “sobre jazz” solamente es un complemento o como lo llame la sintaxis moderna. Supongo que alguno dirá que no, pero en cualquier medio en el que importe la calidad de la redacción, un erudito que no pueda escribir rapidito y bien no llegará lejos.
A escribir se aprende leyendo y escribiendo tanto como se pueda, y no se acaba de aprender nunca. Y no lo digo como figura poética, probablemente uno aprende antes a conformarse con las propias capacidades que a escribir como un maestro. Casi todos los de este gremio nos medimos en grados de mediocridad, no de brillantez.
De música se aprende como se puede, para empezar, escuchando mucha música, grabada y en vivo. Dado el miserable estado de la música en la enseñanza primaria en España, y la pobreza en la enseñanza reglada de músicas “no clásicas”, se impone el autodidactismo, con la consabida lentitud de aprendizaje y el riesgo de cometer errores inadvertidos. Eso, en lo estrictamente musical. En lo que respecta a la historia del jazz y de su contexto sociocultural, quien tenga tiempo, recursos y ganas -no es literatura para pasar el rato- debe hacerse una biblioteca y leer mucho, principalmente en inglés.
La función de los “críticos” es... depende de a quién se le pregunte. Para los músicos, alguien que puede dar cierta visibilidad a su trabajo y, algunas veces, una referencia cuyo criterio y opinión les es útil como artistas; para la gente que lleva la promoción de esos músicos, simplemente un escaparate más para colocar su producto; para los oyentes, una guía más o menos fiable para saber cómo administrar el tiempo y el dinero dedicados a escuchar discos y asistir a conciertos. Para todos en algún momento, un sabihondo condescendiente y, en algún caso extremo, una cara acreedora de un par de guantazos.

Creo que no me equivoco si digo que me sobra una mano para contar la gente que (mal)vive de esto en España. El resto tenemos trabajos -los afortunados-, familias y vidas personales a las que les quitamos tiempo para dedicarlo a esta dudosa actividad. Hablando con mis mayores en este oficio, mi conclusión es que casi todos hemos llegado a firmar artículos -o ponernos delante de un micrófono- por casualidad y todos hemos sido aficionados antes de pasar al otro lado de la barrera.

Así las cosas, ¿por qué escribimos sobre jazz? La respuesta es un cóctel compuesto por, en diversas proporciones según los casos, los discos y entradas gratis, la necesidad de decir algo, el convencimiento indemostrable de que tenemos algo que decir, el narcisismo -que nos lean-, formar parte del “mundillo”, porque no sabemos hacer otra cosa o, como decía mi madre, “por sacarle algún partido a las horas que le dedicas a eso”.

Por todo eso y porque creemos que esta música merece la pena escucharse, que merece la pena el esfuerzo de acercarse a sonidos desconocidos y “raros”, que la música desprovista de grandes intereses comerciales aporta algo positivo casi por definición, porque nos hace más humanos, si me apuran.

Por eso, a pesar de lo que han leído hasta ahora, seguiremos dando la murga, sea en papel o a través de internet, en Cuadernos de Jazz, en nuestros blogs o donde sea. Y cuando lo dejemos, esperemos que otros recojan el testigo que nosotros recogimos de otros.

Si no, mal vamos.

Conozca a Francisco Sánchez

2011-03-07T08:00:00.007Z

Uno de los músicos vivos más grandes, más allá de géneros, de estilos o categorías, es Paco de Lucía, nacido Francisco Sánchez (en 1947). Paco, para los no españoles, es la abreviatura de Francisco, y Lucía -Luzia, más bien- era su madre, portuguesa.

De Lucía es un tipo más bien reservado, poco dado a entrevistas y otras faenas promocionales. Durante la mayor parte de su carrera su rutina ha consistido en tomarse unos años para preparar un nuevo disco, y nuevo quiere decir exactamente eso, nuevo, en el sentido de que la música es nueva, que nadie ha escuchado nada igual hasta ese momento, hacer una gira presentando ese disco, y retirarse a trabajar en el siguiente proyecto.

En 2003, Universal publicó Francisco Sánchez, un documental sobre el guitarrista. Esto, de por sí, ya fue una buena noticia, pero es más que eso. Premiado en múltiples certámenes, este es un film extraordinario, relata la historia de De Lucía y logra un retrato muy íntimo del artista a través de entrevistas con él mismo y con otros, de una manera nada forzada. Sobre sus colegas guitarristas, que, sin excepción, no dudan en definirse como seguidores de De Lucía, la admiración que demuestran es real y hasta conmovedora, como cuando su colega y contemporáneo, Manolo Sanlúcar dice:

Paco es el mejor símbolo de lo que significa una estrella... porque Paco encanta al que no sabe de esto, y vuelve loco al que sabe... Lo tiene todo.

No obstante, el verdadero mérito del documental es que De Lucía parece abrirse de verdad. Aparte de la brillante declaración de intenciones con la que cierra el programa -que no revelaré- dice cosas como:

Yo no quiero tocar, yo toco porque tengo que tocar. Llevo tocando desde los 12 años y no he parado. He tocado miles de conciertos y... muchas noches sin dormir, muchos viajes... entonces mi devoción, que es tocar la guitarra, que es lo que más me gusta del mundo, cuando se convierte en obligación, cuando ya es una obligación, ya empieza a joderte, ya no es lo mismo, la devoción se la va comiendo la obligación...

De Lucía también explica lo que ha hecho a partir del flamenco y cuál es su planteamiento, y es lo bastante honesto como para reconocer que nunca ha tenido problemas con la técnica, con la velocidad (su coordinación de manos quizás sea el rasgo más excepcional de su toque, que le permite tocar siempre limpio, independientemente de la velocidad). Entre él y Sanlúcar describen también lo que implica ser un músico creativo y el agobiante perfeccionismo que siempre le persigue.

La película presenta un montón de vídeo de diversas épocas, incluido el trío con Al di Meola y John McLaughlin (explicando cómo hizo para adaptar su toque al jazz), y también de su vida diaria, como cuando está componiendo con su ordenador portátil o cuando está jugando con su nieta. Hay muchos momentos estelares, como la actuación a dúo del guitarrista con Camarón, en el que un primer plano del cantante (en la foto de la izquierda o en este vídeo) le muestra tragando saliva, pasmado ante una falseta de Paco.

TVE ha retransmitido hace poco el documental, y ahora puede verse en internet, aquí.

Por su parte, la edición en DVD viene con subtítulos en inglés y francés, y un segundo disco con el Concierto de Aranjuez de Rodrigo, y otra música original del guitarrista.

DLM: João Gilberto

2011-02-28T22:30:00.003Z

DLM, o sea, dando la murga. Hace unas semanas les hablé de la pequeña campaña que he empezado en Facebook pidiendo que EMI y el Sr. João Gilberto se pongan de acuerdo para dar al mundo la reedición que merece la maravillosa música que grabó Gilberto en sus tres primeros elepés.

Desde entonces, algunos amigos bienintencionados me han advertido de lo difícil de la iniciativa. Que no voy a conseguir nada, me dicen.

Puede ser. Estoy muy al tanto de cómo están las cosas en la industria del disco, y en EMI en particular, y no será fácil. Pero nadie podrá decir que no será porque no lo he intentado. Me parece una auténtica desgracia que haya un montón de gente que no haya tenido ocasión de escuchar esta música en condiciones, este chispazo de genialidad que saltó, en un estudio de grabación brasileño, hace algo más de cincuenta años. Tiene la poesía de Vinicius, la musicalidad de Jobim, pero sobre todo, el compromiso total de Gilberto con la música. Dicen que es un perfeccionista, un hombre difícil. Yo diría que simplemente es un hombre poseído por la música: si observan con atención cualquiera de sus vídeos, y hay muchos en internet, notarán cómo su cara cambia de forma para ajustarse a cada una de las notas exactas que canta.

Puede que yo, o nosotros, más bien, no consigamos que EMI publique una reedición oficial. Pero no será porque no alzamos la voz.

Como dice la canción, si a alguien no le gusta esta música...

"buen sujeto no es,
está mal de la cabeza,
o le duelen los pies"

28 meses, 30 años...

2011-02-23T09:30:00.003Z

Hoy es 23 de febrero de 2011. Hace 30 años España amaneció con lo que a la postre quedó en susto y en el final definitivo de cualquier aspiración del ejército a salirse de su papel legítimo. Mirando hacia atrás, las cosas han mejorado y al país no lo conoce ni su madre, pero cabe ser escéptico con la famosa Transición.

Hoy es, también, el día que reabre sus puertas el Bogui, tras 28 meses de lo que tiene todo el aspecto de ser un cierre improcedente. Es muy feo citarse a uno mismo (para una vez que acierto...) pero ya dije en su momento que el Bogui reabriría sus puertas. A partir de ahora puede que siga por muchos años, que así sea, o que vuelvan a intentar cerrarlo, o que el desgaste de estar 28 meses sin abrir sea insuperable. En cualquier caso, por mucho que hayamos mejorado desde hace 30 años, y como demuestra el caso del Bogui, España sigue siendo, a la izquierda, a la derecha, arriba y abajo, un país de caciques.

Enhorabuena a Dick Angstadt y a todo el personal del Bogui, ojalá llenen muchas noches, y a seguir peleando.

Hoy toca el cuarteto de Marta Sánchez. Para reservar, aquí; el teléfono es el 91-5211568.

La Secret Society en Londres (18.11.2010)

2011-02-04T10:00:00.009Z

Josh Sinton calentando con el clarinete bajo.
Las partituras, listas para empezar.

Uno de los bolos más potentes del pasado Festival de Jazz de Londres fue el de la Secret Society de Darcy James Argue en el Café Oto. Lo conté en su momento en mi crónica para Cuadernos, y a finales de diciembre lo subió Argue, en mp3, a su website, donde se puede escuchar o bajar gratuitamente (si lo hacen, hagan el favor de rascarse el bolsillo y hacer una donación, por pequeña que sea).

La música está aquí, y mi crónica se puede leer aquí o, con alguna corrección, más abajo.

Buen fin de semana.

De izda. a dcha.: Darcy James Argue, Ingrid Jensen (tp),
Jennifer Wharton (tb) y Erica von Kleist (as)
interpretan "Obsidian Flow".

Darcy James Argue's Secret Society
Café Oto, 18 de noviembre

Desde la aparición, hace ya unos años, de Maria Schneider en escena, ninguna big band había levantado tanta expectación como la Sociedad Secreta de Darcy James Argue. El hecho inusitado de que esta orquesta haya viajado al completo a Europa para dos conciertos, el que nos ocupa y otro en Milán (un tercero en Barcelona se truncó) se debe en buena parte al patrocinio de la Mid-Atlantic Arts Foundation. Además de músicos (18 sin contar al líder) y sus instrumentos, la Secret Society viaja con su propio técnico, lo que explica el extraordinario sonido en un local tan pequeño y complicado como el Café Oto, la "Knitting Factory de Londres", como dijo un aficionado anónimo.

Musicalmente, la orquesta de Argue se define por dos características inmediatamente notables: una es la cantidad de juegos rítmicos, con métricas compuestas, impares o poco comunes; la otra es su paleta de timbres, con mucha mezcla de flautas y clarinetes en las cañas, y el papel de la guitarra eléctrica, actualizada sin complejos con distorsiones y otros efectos. Además, ésta no es una big band al uso, ni de lejos. En lo que hacen hay mucho elemento jazzístico, pero con un toque muy personal. Otro de sus atractivos es que hay mucho juego de conjunto, al contrario que otras orquestas, en las que los pasajes de ensemble apenas se limitan a encuadrar ruedas de solos de los vientos acompañados por la rítmica.

El propio Argue, 35 años, de origen canadiense y ex alumno de Bob Brookmeyer, es un tipo peculiar. Delgado, con pinta de niño formal, es un director de movimientos muy precisos (similar a la Schneider) que resultan necesarios por la complejidad rítmica de sus piezas: en "Jacobin Club", por ejemplo, hay un pasaje compuesto “en siete” (un 4/4 más un 3/4), mientras que la parte más intensa de "Ferromagnetic" la interpretan “en 18” (tres 4/4 más un 6/4). Esto, que parece complicado sobre el papel, suena de maravilla, mérito tanto del compositor como de sus músicos.

Además de ser tremendamente educado y correcto en las formas, el líder demuestra un fino sentido del humor y una seria conciencia social que, para variar, plasma perfectamente en su música. "Habeas Corpus", por ejemplo, es un alegato contra la tortura, una pieza dedicada a su compatriota Maher Arar, detenido por Estados Unidos bajo la "extraordinary rendition", en la que Argue logra plasmar la angustia y la agobiante presión sufrida por quien ha sido detenido, deportado a Siria y puesto en libertad, sin cargos ni explicación alguna, un año después.

En cuanto a la relación de Argue con su público es cortés, pero sin concesiones. Como explicó antes de "Induction Effect", espera que el público quede "adecuadamente desorientado". El público, quizás desorientado pero preso de una euforia colectiva, no se conformó con el final de "Transit", tema que protagoniza la trompeta de Ingrid Jensen y que no debería tardar en convertirse en clásico, y no paró hasta conseguir el bis de rigor, "Ferromagnetic", pieza inédita con unos escalofriantes juegos de dinámicas, la guitarra casi siempre distorsionada, y las cañas, por una vez en formación clásica (dos altos, dos tenores y barítono).

Esta es una big band que, desde el jazz, trasciende géneros y estilos, creando una música sólida, coherente, contemporánea y, sobre todo, tremendamente atractiva. El debut británico de la Secret Society fue serio candidato a concierto del año. Se podrá escuchar en el programa de la la BBC-Radio 3, Jazz on Three, el próximo 13 de diciembre.

Roy Eldridge cumple 100 años...

2011-01-30T20:00:00.003Z

... o los cumpliría, más bien, si no hubiera fallecido en 1989. Eldridge es uno de los trompetistas más influyentes del jazz: el propio Dizzy Gillespie solía explicar que de joven él no seguía a Louis Armstrong, sino a Eldridge, cuya explosividad y exuberancia llevó aún más lejos que el propio "Little Jazz". En la versión inglesa he colgado unos vídeos con el programa de Jazz Legends que le dedicó Julian Joseph en la BBC.

Heckler's Hop, recopilatorio del sello Hep, es una buena representación de sus grabaciones de los años 30. Del resto de su carrera merece la pena buscar sus discos con Coleman Hawkins.

Happy 100th, Roy Eldridge

2011-01-30T19:48:00.003Z

Roy Eldridge (1911-1989) would have been 100 years old today. He's one of the great trumpets in the history of jazz. In the following videos BBC's Julian Joseph overviews his life and music.

João Gilberto, EMI... y nosotros

2011-01-29T23:30:00.007Z

(English text is here)

Uno de los aspectos más singulares del siglo pasado es lo que ocurrió con la música popular. Podría decirse que partiendo de una forma de expresión tradicional o folk fue ganando en sofisticación artística, a la vez que mantenía su arraigo popular. Mientras se mantuvo esa tensión –hasta algún momento de la segunda mitad del siglo– se generó un gran tesoro de música popular que ha quedado, al menos en parte, preservado. Personalmente creo que la bossa nova es un ejemplo perfecto de ese tesoro.

Hace un par de años, escribí sobre el 50º aniversario de la primera grabación de "Chega de saudade" por João Gilberto, y comentaba el desacuerdo insalvable entre el cantante y guitarrista y la discográfica EMI, propietaria de los másters de los tres primeros discos de Gilberto. En la práctica, el resultado es que nosotros, el público, no tenemos forma de disfrutar como merece estas obras maestras.

En 1990 EMI hizo una reedición encajando los tres elepés, más un single, en un solo cedé. Al parecer Gilberto no fue consultado y con el tiempo se declaró insatisfecho por la calidad de sonido y otras "libertades" que se tomaron al producir el cedé, como el medley de "O Nosso Amor" y "A Felicidade" (discutible, aunque desde un punto de vista musical y temático tiene sentido: estos dos temas no estaban en el elepé original, ambos son versiones de la BSO de la película Orfeo Negro y son los dos únicos temas que tienen una batucada). El cedé en cuestión (O Mito en Brasil, The Legendary... en el resto del mundo) fue descatalogado por orden judicial en 1997 y desde entonces Gilberto y EMI no han conseguido ponerse de acuerdo.

En el año en curso celebraremos el 80º cumpleaños del cantante (el 10 de junio), y además el paso de los derechos de reproducción mecánica de toda esta música al dominio público en Europa (en otras palabras, pista libre para quien quiera reeditarla). Desde el punto de vista de EMI esto puede constituir un serio contratiempo, pero creo de verdad que una reedición hecha con mimo, con buena publicidad y distribución, puede superar a lo que pueda hacer cualquiera con a saber qué fuentes sonoras. De momento, el sello británico él records ha publicado en cedé los dos primeros discos, y los resultados son bastante buenos, para ser justos. El sonido no es perfecto, probablemente está sacado de ejemplares limpios de los elepés, pero mejoran lo que hizo EMI en su día; las anotaciones son amplias e informativas, y además han añadido temas extra que vienen a cuento, versiones de las mismas canciones por otros artistas.

Una de las ventajas de tener esos temas extra es que permiten apreciar mejor el impacto de Gilberto cuando se publicó su “Chega de saudade”. A juzgar por la versión original, de Elizete Cardoso, que tenía ya parte del arreglo clásico de Jobim, la forma de cantar y tocar de Gilberto debió de ser un verdadero golpe para más de uno. De hecho, sabemos que lo fue, y desde nuestro punto de vista de 2011 cabe pensar que todas las críticas de que cantaba desafinado o que era un raro venían de gente muy estrecha de miras. No creo que se les pueda acusar de nada más que de no haber sabido reaccionar ante algo radicalmente nuevo y original (y además les debemos la inspiración de “Desafinado”).

La música de esos tres discos es pura magia. Es uno de los mejores ejemplos del poder conmovedor de la música y una de las cumbresde la música popular del siglo XX en cualquier estilo. La tragedia es que hay mucha gente en el mundo que NUNCA la ha escuchado.

Por eso creo que el Sr. Gilberto y EMI deberían tratar de resolver sus diferencias y reeditar estos discos como se merecen. Si los tres elepés no caben en un cedé (creo que sí caben, incluso con “... Nosso Amor” y “... Felicidade” como temas separados) deberían hacer un doble cedé, con la mejor remasterización posible y un buen libreto explicando esta música y los que la hicieron posible (Gilberto, Jobim, de Moraes, etc.)

Un amigo, también melómano, me preguntó hace poco: “pero ¿esto vendería?”

Sí que venderá. No puede ser de otra manera.

Hasta que ocurra, y si el lector está en Facebook, se agradecerá un "me gusta" en esta página. No le costará nada y quizás contribuya a una buena causa.

***

"Brigas, nunca mais"
(Jobim, de Moraes)

João Gilberto, voz y guitarra
Edmundo Maciel, trombón
Antonio Carlos Jobim, piano y arreglos
Milton Banana, batería
Rubens Bassini, percusión
más cuerdas

23 de enero de 1959

Changes ~ Cambios

2011-01-27T18:00:00.002Z

Hello,

Hope this won't be too much of a disruption for my English-language readers, but I've decided to move this blog, or half of it, to a new address. The new URL is http://jazzontherecord.blogspot.com, and its title will stay the same, Easy does it.

The reason for this is simple: I've realised that it'll be probably tidier for readers, and certainly easier for me, to have two twin blogs in Spanish and English, rather than a bilingual one. As for why is the English readership the one to move, you're fewer than my Spanish visitors.

I expect to keep feeding the beast pretty soon.

Later!

~~~~~

Buenas,

Le decía al público angloleyente que he llegado a la conclusión de que es más fácil y para el respetable que publique mis historias en dos blogs paralelos, uno en español y otro en inglés, en vez de hacerlo como hasta ahora. Como la mayoría de ustedes me lee en español y todos los suscriptores son también hispanoleyentes, lo más práctico es mover la parte en inglés. Ésta se seguirá llamando Easy does it, pero su nueva dirección es http://jazzontherecord.blogspot.com. La dirección de la parte española va a ser la misma, pero el título del blog cambiará (me lo estoy pensando).

Nos leemos.

El Bogui reabre

2011-01-18T21:25:00.006Z

Dick Angstadt, en BoguiJazz.com:

Una vez superadas todas las exigencias técnico administrativas por parte del Ayuntamiento de Madrid y amparándonos en una nueva licencia de funcionamiento, volveremos a ofrecer actuaciones de música en vivo a principios del próximo mes de Febrero.

Afrontamos esta nueva andadura con ilusión y renovada energía, sabedores de que el colectivo de músicos y los aficionados al jazz estarán deseosos de retomar la senda iniciada a mediados del 2005 y que se vio interrumpida a finales del 2008.

Agradecemos vuestras muestras de apoyo durante la dura espera de estos 27 meses.

Por fin una buena noticia para empezar el año. Antecedentes, aquí.

Enhorabuena a Angstadt, a todo el personal del Bogui, clientes y músicos. Ya somos un poquitísimo menos tercermundistas.

2010 final, and a Spotify playlist (VIII)

2010-12-17T08:00:00.009Z

(Pica aquí para ir al texto en español.)

Like almost anyone reading this, I'm taking a break for the next few days or weeks. And I am also taking a break for this window to the virtual world for a healthy helping of real world, people in the flesh and, hopefully, nature and the great outdoors. In The Conquest of Happiness Bertrand Russell talks about the unhappiness that is caused by not being close to kindred spirits. The internet has certainly helped introducing people from distant place in a large chunk of the planet who happen to share an interest in these things humans do, like music.

(Pica aquí para ir al texto en español.)

But I digress. The point is that, as grateful as I am for the internet, I need a break from the computer, and I'm taking it.

So, for this last post of 2010... I won't be doing a summary of the year. It's been a good one, some very good gigs have been attended, some very good records have been listened to... but the fact is that I've never done the end-of-year thing, and I ain't starting now.

As for 2011, we'll see how it goes. I may change a few things around here (suggestions will be more than welcome).

So, whatever you celebrate, have a good one. And do not forget that, if you're reading this, you are part of a small, privileged minority on this planet who can read, has a roof over their heads, two or three meals a day, a bed, plus the technical means, and the freedom, to be connected to the internet. So don't you dare whine, and be really merry.

***

Today's Spotify list contains almost the complete output of the Stan Getz-Bob Brookmeyer Quintet. Not my absolute favourite of Getz's or Brookmeyer's combos, but still one which merits consideration (all the music here is in Universal's vaults, in case someone is reading).

When they started recording together, Getz had just have his quintet with Jimmy Raney, and this, in a way, was Brookmeyer's big break - after their first album was released, he won Down Beat's New Star Award on trombone (shared with Carl Fontana and Frank Rosolino). The pianist throughout is John Williams (b. 1929), not the famous film composer, but a very competent and active jazzman who called it quits in 1957 and now lives in Florida (I spoke to him in May... now that was one of the highlights of the year). You can find all the information on personnel and dates here.

Although the interaction between the frontmen is not as meaty as Brookmeyer's with Mulligan, the trombonist's earthiness goes very well with Getz's lighter touch. You can go to this previous post to see what Brookmeyer had to say about Getz. (in the video, from 7:08).

I've only included their 1953-54 recordings in the list, but Getz and Brookmeyer would reunite for more recordings. You may want to check Getz's Recorded Fall '61 (Verve) and Bob Brookmeyer & Friends (Columbia, 1964), both available on CD.

And with this perfectly good excuse to wish Mr. Brookmeyer a very happy 81st birthday (on Sunday 19), I leave you with some very good jazz from the 1950s.

Post-Scriptum: As it happens, I was writing mostly from memory. I've only had the chance to re-listen to this music properly after publishing this entry, and I must add that, although it's different from the Mulligan-Brookmeyer combination, this one stands more than well on his own. There's less counterpoint and more accompanying riffs (you may be surprised at how good Getz was at that), and the solos, including Williams's, are always excellent, and they swing like m-a-d. Getz is his own brilliant self, and Brookmeyer is... Brookmeyer. The lick he plays on the first bars of his solo on "Varsity Drag" (2:28) will make you fall off the chair.

Stan Getz and Bob Brookmeyer, 1953-1954

Como casi todos los que estén leyendo esto, me voy a dar un respiro en los próximos días o semanas. En mi caso, también voy a darme unas vacaciones de esta ventana al mundo virtual, a cambio de una buena dosis de mundo real, con gente de carne y hueso y vida al aire libre. En La Conquista de la Felicidad, Bertrand Russell habla de la infelicidad causada por no estar cerca de gente afín. Internet está siendo fundamental para poner en contacto gente de lugares distantes que comparten intereses en estas cosas a las que nos dedicamos los humanos.

A lo que iba: agradecido como estoy por esta tecnología, necesito un descanso de tanto ordenador, y me lo voy a tomar.

Para terminar este 2010... Ha sido un buen año, con bolos y discos muy memorables, pero el hecho es que nunca he participado en la vorágine de balances de final de ejercicio, y no voy a empezar ahora.

En cuanto a 2011, veremos cómo va saliendo. Es probable que cambie algunas cosas del blog, o sea que cualquier sugerencia será bienvenida.

En definitiva, queridos lectores, celebren lo que celebren en estas fechas, que sea enhorabuena. Y no se olviden de que, si están leyendo esto, forman parte de una minúscula y privilegiada minoría de este planeta que puede leer, vivir con un techo sobre sus cabezas, disfrutar de dos o tres comidas al día, de una cama, además de los medios técnicos y la libertad para estar conectado a internet. Así que piénseselo dos veces antes de quejarse, y disfruten unas fiestas verdaderamente felices.

***

La lista de Spotify de este viernes contiene casi todas las grabaciones del quinteto de Stan Getz con Bob Brookmeyer. No es mi combo favorito de Getz o de Brookmeyer, pero aun así merece la pena dedicarle una buena escucha (los másters de toda la música aquí presente son propiedad de Universal, por si alguien de esa casa está leyendo estas líneas).

Cuando empezaron a grabar juntos, Getz venía de clausurar su quinteto con Jimmy Raney; para Brookmeyer este nuevo combo supuso el lanzamiento de su carrera: tras la publicación de su primer disco, ganó el premio a la nueva estrella del trombón, otorgado por la revista Down Beat, y compartido con Frank Rosolino y Carl Fontana. El pianista en todas las grabaciones es John Williams (n. 1929), no el famoso compositor de bandas sonoras, sino un músico muy competente y activo que dejó la música en 1957 y ahora vive en Florida (hablamos por teléfono el pasado mayo... ese fue uno de los momentos álgidos del año). El resto de la información sobre personal y fechas está disponible aquí.

Aunque la interacción entre los vientos no es tan sustanciosa como la de Brookmeyer con Gerry Mulligan, la combinación del toque casi rústico del trombonista con los vuelos de Getz resulta muy atractiva. En esta entrada anterior se puede leer a Brookmeyer contando su relación con Getz.

Aunque sólo he incluido sus grabaciones de 1953-54, Getz y Brookmeyer se reunieron varias veces en el estudio, como en el Recorded Fall '61 (Verve) de Getz y el Bob Brookmeyer & Friends (Columbia, 1964), ambos disponibles en CD.

Y con esta excusa perfecta para desear un feliz 81º cumpleaños al Sr. Brookmeyer (el domingo 19), les dejo con una selección de excelente jazz de los años cincuenta.

Postdata: Confieso que esta entrada la he escrito prácticamente de memoria, y sólo he tenido ocasión de volver a escuchar esta música con atención después de haber subido la entrada. He de añadir que, aunque difiere de la interacción tan característica de Mulligan y Brookmeyer, este grupo vale por sí mismo. Aquí hay menos contrapunto y más riffs de acompañamiento (alguno se sorprenderá de lo bueno que era Getz como acompañante), y los solos, incluidos los de Williams, son siempre excelentes y son un auténtico desparrame de swing. Getz está brillantísimo, como corresponde, y Brookmeyer es... Brookmeyer. La frase que repite al principio de su solo en "Varsity Drag" (2:28) podría resucitar a un muerto.

Stan Getz con Bob Brookmeyer, 1953-1954

Nos leemos.

Happy birthday to a hero

2010-12-14T11:30:00.009Z

(Pica aquí para ir al texto en castellano.)

In my previous post, about Moody, I commented on one or several generations of jazz musicians who went from suffering indifference for their music and abuse because of their skin pigmentation, to general acclaim all over the world. These are musicians whose lives should be taught at school, even beyond musical considerations.

It's all too easy to take those men and women for granted. For one thing, there's a deep-rooted tendency to tell the history of jazz as a mythical epic. Well-intentioned as this may be, it can hinder rather than help our appreciation of some very extraordinary human beings. Explaining Louis Armstrong as a supernatural being will never give anybody a fair assessment of his achievements. Show him as a man, bones and flesh, warts and all and then you'll see how extraordinary he was.

On top of that, these men and women, some well-known, some completely anonymous, tend to be lacking of any self-importance, which can mislead us to think that they are not important. And don't expect any help from them, either - they probably wouldn't recognise themselves as the extraordinary people they are.

One of these extraordinary people is Clark Terry, who turns 90 today. You'll read everywhere that he's a master trumpet and flugelhorn player, a pioneer in the latter instrument in jazz. His sound is pure and soft, his technique immaculate, his ideas, witty and quick, and all of it soaked in blues. He's worked with Count Basie, with Duke Ellington, and many others. He was a mentor to Miles Davis. He was one of the first Afro-American musicians to play in the studios in New York, and also on TV, with Skitch Henderson's orchestra for Johnny Carson. He also had a terrific quintet with his very dear friend Bob Brookmeyer, with which they did three studio albums for Bob Shad's Mainstream label (in the early Seventies, Verve released some live tracks from one of their earliest gigs, in 1961).

(Pica aquí para ir al texto en castellano.)

My colleague Chema García and I interviewed Mr. Terry in 1999 in San Sebastián for Cuadernos de Jazz. It was an easy and very funny interview. We went through his whole life on the road, and it was clear that he loves big bands. Since he was born the same year as Charlie Parker (and Dave Brubeck, and John Lewis) I asked him why he didn't go to New York to see what the early boppers were doing. He replied that he wanted to play with big bands. He also talked with some detail about the disastrous Mingus concert at the Town Hall, (you can hear him launching "In A Mellow Tone") and he described his Big B-A-D Band as a "financial impossibility". I was lucky enough to spend some more time alone with him, which we used to round up the interview. I was a budding journo at the time, and I did ask the dreaded question, "where is jazz going?" or something to that effect. He replied that as long as there were people trying to master their instruments and using that proficiency to express themselves, we'd be fine.

One thing Mr. Terry has always been adamant about is the entertaining side of his job. This is anathema for quite a few people in jazz, but Mr. Terry has always been very clear about the need to see the audiences enjoying themselves, not least because of the feedback effect on the performer.

Mr. Terry's quintet played several gigs at that Jazzaldia in 1999. I only recall Don Friedman on piano and Sylvia Cuenca on drums, but there were also an alto sax player and a bass player (most likely Dave Glasser and Marcus McLaurine). On one free, open-air gig (in the picture above), which started at midnight, it was raining so hard that, after the first tune, Mr. Terry asked the meagre audience to come up on the stage. He even jammed - it may have been "C-Jam Blues" - with a very young David Pastor (of the Sedavi Jazz Band), who had with him a cornet. We had a hell of a time, despite the crowded stage (see the picture down below). If my memory is correct, the band moved to a corner, except Cuenca, who played the rest of the gig with her back to the rest of the band.

So, here we have a musician who's loved by everyone, who's a master on his instruments, who has an incredible sense of humour and loves seeing people having a good time and laughing. And then you read something like this, from a dear friend of his:

Clark is one of the most amazing human beings I've ever met in my life. He went through - I know a little bit of this - he went through some very bad times in the South with George Hudson's band, nearly lynched, I think, shot at, told to dance by the sheriff shooting bullets at his feet because the white gas station was the only one open...

He came out of all of this constant prejudice even when he moved to, when he started with Johnny Carson, when he moved to Bayside he was picked at, people throwing shit on his lawn... He came out of this still judging people one by one.

I don't know how he did it.

That is Bob Brookmeyer talking about Terry (you can see the video here, the quote starts at 14:41).

Here's to a hero and to many more birthdays.

PS: And as a last piece of good news, according to his blog, Clark Terry's autobiography is coming out next Spring.

En la entrada anterior, sobre Moody, hablaba de las generaciones de músicos de jazz que han pasado de la indiferencia hacia su música y el maltrato por el color de su piel, al aplauso universal. Estos son músicos cuyas vidas deberían enseñarse en las escuelas, más allá de consideraciones musicales.

Es facilísimo que esos hombres y mujeres nos pasen desapercibidos. Para empezar, existe la tendencia muy arraigada de contar la historia del jazz como un relato mítico. A pesar de las buenas intenciones que motiven ese enfoque, es probable que no ayude a apreciar justamente a estas personas. Explicar a Louis Armstrong como un ser sobrenatural nunca va a servir para tener una medida justa de sus logros. Sólo si se le muestra como el hombre que era, de carne y hueso, con sus defectos, se podrá valorar hasta qué punto era extraordinario.

Además, estos hombres y mujeres, algunos muy conocidos, otros totalmente anónimos, tienden a no darse ninguna importancia, lo que puede llevarnos a pensar que en realidad no la tienen. Y no cabe esperar ninguna ayuda por su parte. Ellos serían los últimos en reconocerse como extraordinarios.

Una de esas personas extraordinarias es Clark Terry, que hoy celebra su 90º cumpleaños. En otros sitios se podrá leer que es un maestro de la trompeta y el fiscorno, pionero de este instrumento en el jazz. Su sonido es puro y afieltrado; su ingenio, rápido y ocurrente; su ténica, inmaculada; y todo ello empapado de blues. Trabajó con Count Basie y con Duke Ellington -con éste durante una década-, y con otros muchos. Fue uno de los mentores de Miles Davis. Fue uno de los primeros afroamericanos en trabajar como músico de sesión en Nueva York, y también en televisión, con la orquesta de Skitch Henderson's en el show de Johnny Carson. También lideró un brillante quinteto con su amigo Bob Brookmeyer, con el que hizo tres discos de estudio para el sello Mainstream de Bob Shad (a principios de los setenta, Verve publicó algunos temas en directo de uno de los primeros conciertos de ese grupo, de 1961).

Chema García y yo entrevistamos a Terry en 1999 en San Sebastián para Cuadernos de Jazz. Fue una charla fácil y divertidísima. Repasamos toda su carrera, y nos quedó claro que es un enamorado de las big bands. Al haber nacido el mismo año que Charlie Parker (y Dave Brubeck y John Lewis) le pregunté por qué no fue a Nueva York a ver de primera mano qué estaban haciendo Bird y Dizzy Gillespie. Contestó que en aquella época prefería tocar con orquestas. También habló con detalle del desastroso concierto de Mingus en el Town Hall, (se le puede oír empezando "In A Mellow Tone"), y describió su propia Big B-A-D Band como un "imposible financiero". Tuve la suerte de pasar un rato mano a mano con él al día siguiente, y aproveché para rematar la entrevista. Con mucha menos carretera, le hice la pregunta maldita, sobre el futuro del jazz. Me dijo que mientras hubiera gente dispuesta a trabajar para dominar un instrumento y expresarse con él, no habría problema.

Una de las cosas en las que siempre ha insistido Terry es en la parte de espectáculo que tiene su trabajo. Hay un buen sector del mundo del jazz que reniega completamente de ese aspecto de la música en directo, pero Terry siempre ha sido explícito sobre la necesidad de ver al público disfrutar, entre otras cosas por el efecto que eso tiene sobre el propio músico.

En aquel Jazzaldia de 1999 el quinteto de Terry dio varias actuaciones. Sólo recuerdo a Don Friedman al piano y Sylvia Cuenca a la batería, pero también había un saxo alto y un contrabajo (muy probablemente Dave Glasser y Marcus McLaurine, habituales con Terry en aquel tiempo). En uno de los bolos, gratuito y al aire libre, que empezaba a medianoche, llovía tanto que tras terminar el primer tema Terry invitó al escaso público a que se subiera el escenario para resguardarse de la lluvia (véase la foto). Al final incluso hubo un poco de jam -creo que sonó "C-Jam Blues"- con un jovencísimo David Pastor (de la Sedavi Jazz Band), que llevaba encima su corneta. Fue una experiencia increíble, a pesar de lo apretado del escenario (si no me falla la memoria, al subir el público los músicos se movieron a una esquina, salvo la batería de Cuenca, que tocó el resto del concierto de espaldas a la banda).

En definitiva, Terry es un músico querido por todos, un maestro de sus instrumentos, con un sentido del humor y una generosidad increíbles, que disfruta viendo al público disfrutar. Y entonces uno lee algo como esto:

Clark es uno de los seres humanos más increíbles que he conocido en toda mi vida. Lo pasó verdaderamente mal en el Sur -conozco algunos detalles de esta historia- cuando estaba en la banda de George Hudson, estuvieron a punto de lincharle, le dispararon, un sheriff le hizo bailar mientras le disparaba a los pies, porque la gasolinera para blancos era la única que estaba abierta...

Sobrevivió a todo ese prejuicio incesante, incluso cuando se mudó a Bayside siguieron molestándole, la gente le echaba mierda a su cesped... Sobrevivió todo eso y aun así siguió juzgando a las personas una por una.

No sé cómo lo ha hecho.

Ese era Bob Brookmeyer hablando de Terry (aquí puede verse el vídeo, en inglés, la cita empieza en 14:41).

Por un verdadero héroe, y muchos cumpleaños más.

PD: La buena noticia es que, según su blog, en primavera veremos publicada la autobiografía de Terry.

Moody speaks

2010-12-11T00:01:00.003Z

In jazz, there's a generation, or two, of Afro-Americans who had to overcome what would have been unsurmountable difficulties for lesser people. Not only they did, but did it unassumingly, with a smile on their faces, keeping a sense of humour and playing beautiful music, a feat only achieved by taking music, not themselves, seriously. Moody, a partially deaf musician, was one of them.

As you probably know by know, Moody just passed away, a victim to pancreatic cancer. He was 85. I've already posted this before, but it's worth listening to him again.

En la historia del jazz hay una generación, o dos, de afroamericanos que tuvieron que superar dificultades insalvables para el común de los mortales. No solo lo lograron, sino que lo hicieron con una sonrisa, preservando su sentido del humor y tocando música maravillosa, una hazaña al alcance de quienes se toman muy en serio la música, más que a sí mismos. Moody, un músico parcialmente sordo, fue uno de ellos.

Como sabrán, Moody acaba de fallecer a los 85 años, víctima de un cáncer de páncreas, Ya había subido este vídeo antes, pero aquí añado la traducción al español de lo que dice.

A James Moody no le gusta que le llamen "James Moody". Le gusta que le llamen solamente "Moody".

El motivo por el que vinimos a Newark [Nueva Jersey] es que vivíamos en Reading, Pennsylvania, y querían meterme en una escuela para niños con retraso, porque soy parcialmente sordo. La gente siempre me dice, "te estás perdiendo un montón de cosas" y yo les digo que cómo puedo saber lo que me estoy perdiendo si no puedo oírlo. Yo oigo lo que oigo. Mi madre solía decirme "tú oyes lo que quieres oir" [risas]

No estoy amargado porque pensase que algo pasaba conmigo cuando era un crío, cuando vivía aquí en Newark, en West Street, por la forma en que me trataban y la forma en que trataban a la gente de color, yo no tenía ni idea de cuál era el problema. Un día, de pronto, me di cuenta y me dije: "un momento, no hay nadie mejor que yo en este mundo. Nadie". Y por la misma regla, yo no soy mejor que ninguna otra persona en este mundo.

Cuando pienso sobre en el motivo por el que no toco alguna canción, es algo que por algún motivo me incomoda de cierta forma a mí, y me da cierto apuro, así que no la toco, no quiero tocar esa canción. Si eso me pasase a mí, aprendería a tocar esa canción, porque cuando la aprendes ves que tiene algo que te beneficia, y tratabas de guardar las distancias de ese algo, porque no la podías tocar. Y así es la vida.

Se pueden hacer milones de cosas musicalmente. Hay músicos maravillosos que pueden escribir, componer... Yo puedo arreglar cualquier cosa, pero estoy tratando de mejorar musicalmente. Todos los músicos jóvenes que están surgiendo hoy en día pueden escribir, componer... principalmente porque están aprendiendo los fundamentos de la música. Tengo 82 años, y ojalá hubiera ido a la escuela a estudiar música. Eso se lo dije a Dizzy. Le dije: "Diz, ojalá hubiera ido a la escuela a estudiar música", y él me miró y me dijo "Moody. No estás muerto".

Quiero ayudar a los músicos jóvenes con aspiraciones. Quiero ayudarles a aprender, a aprender música. Mientras pueda sostener mi instrumento, tocaré, y mi objetivo es tocar mañana mejor que hoy, y ver cómo sucede.

A Spotify playlist (VII): Charlie Christian

2010-12-10T08:00:00.015Z

(Pica aquí para ir al texto en castellano.)

(All pictures from Leo Valdés's site)

Charles – rather than Charlie – Christian is normally hailed as the greatest pioneer of the electric guitar. He was not the absolute first to use or record with the instrument, but he's arguably one of the most influential of jazz musicians. Besides the implications for popular and rock music in general, his approach to guitar playing is still current today.

(Pica aquí para ir al texto en castellano.)

But, besides the originality of his sound and general concept, he was an extremely engaging soloist: rhythmically, he was very much a follower of Lester Young – he pushed the envelope even further regarding barlines - but his improvisations, while they have Young's linearity, a sort of horizontal consistency, are somewhat less melodic and rely more on the underlying harmonies. And then, there's his boundless creativity when it came to riffs and his unstoppable swing, still fresh from Oklahoma.

This is nothing to be proud of, but I probably qualify as a Christian fanatic. Some years ago, I listened to his music with the attention and repetition that's only possible with more time to spare and very few CDs; I still know a few solos by heart... the point being that today's selection is a very good taster of Christian's music. It is divided in four parts: #1-14 are by the first Goodman sextet (with Lionel Hampton), #15-25 come from assorted bands (details below), #26-37 and 41 are for Benny Goodman and his second sextet (with George Auld on tenor sax and Cootie Williams on trumpet), and #38-40 come from Minton's.

Most of the tunes are taken from the classic studio recordings, but some don't and need an introduction. The first one, "Flying Home", would become a staple of Lionel Hampton's book, after his 1942 version with Illinois Jacquet on tenor sax, but it was Christian who brought it to the spotlight from Oklahoma. This version comes from a concert at Carnegie Hall in late 1939, a celebration of an ASCAP anniversary, and Goodman's introduction speaks volumes of his regard for the newcomer:

... and our new discovery, Charles Christian on the electric guitar. Charlie is from Oklahoma and [applause]... take a bow, Charlie... heh... Charlie, I really think is one of the most terrific musicians we've introduced in years...

While "Rose Room" is the studio version of the tune Goodman first heard Christian play, "Stardust" comes from the same ASCAP event as "Flying...". Christian always played the same solo on this tune, which apparently he dedicated to his mother, and Goodman was so impressed by it, that he featured the new star, after this introduction:

... Charlie Christian has a very special version on the electric guitar that you must hear: "Stardust"

Then you have the main tracks recorded by the sextet in the studio, plus "Honeysuckle Rose" and "I Got Rhythm" live from the second From Spirituals to Swing concert. Christian doesn't solo on "... Rhythm", but it's interesting to see how he incorporates his playing to the classic Quartet arrangement of the Gershwin tune. The other live track with the Goodman sextet, "The Sheik of Araby", is here almost exclusively for the guitar lick at 1:55 and Hampton's reaction to it.

Goodman had to stop playing altogether in 1940 due to his back problems. He disbanded but kept a few people on salary, Christian among them. To separate the two sextets, I've put the assorted tracks in the middle: "Honeysuckle Rose" has Christian's earliest solo with Goodman's big band. Charles recorded on two sessions led by Lionel Hampton, but only soloed on the second one, on the track included here. "Tea For Two" comes from a jam session in Minneapolis, with a very young Oscar Pettiford on bass, local pianist Frankie Hines and Goodman tenorman Jerry Jerome. Thanks to the extended playtime, Christian really goes for it, especially on his last solo (4:19).

The next six tracks feature Lester Young, a musical mentor to Christian. The first three are with the Kansas City Six at the second Spirituals to Swing concert – both Young and Christian play the hell out of "Way Down Yonder...", but Christian seems to miss his cue: you can hear him turning up his guitar (1:30) before his solo. The last three of those six are from a studio session, unreleased at the time, with Goodman and Christian plus a sextet of Basie men. Finally, "Jammin' in Four" comes from a 1941 session for Blue Note led by Edmond Hall with Meade Lux Lewis playing boogie on celeste. Some people disapprove of this, but I like it a lot, actually, among other things because it is easier to appreciate the pianist's both hands. Besides, Christian is on acoustic guitar here, and proves to be a very forceful player: he sounds like he's using thick strings and a strong pick.

The next phase is, to me, the better Goodman combo of the two featured here – having Count Basie and Jo Jones in some of the recordings helps, and Christian sounds somewhat more mature. To show his imagination as a soloist, I've included both takes of "I've Found a New Baby". However, the crown jewel of this group's output on record has to be the 20-minute warm-up jam session known as "Waitin' for Benny". Don't be discouraged by the sound quality – it gets close to perfect from 2:02 onwards. It's an informal setting, and it seems clear to me that Christian is in charge. "A Smo-o-o-oth One" and "Air Mail Special" – with his descending diminished chords for a bridge – come from the same session, after Goodman's arrival to the studio.

Finally, we have three tracks from Minton's: first the classic "Swing to Bop", where you can appreciate Christian's knack for taking it easy on the A sections, and smashing it on the bridges, possibly a jam session trick to "cut" rivals (note: as far as I know, there's not a single version at the correct speed and pitch, in Bbm, without the fake applause). "Down on Teddy's Hill", a rhythm changes tune, is special because of its upbeat tempo, Christian flies through this one, and for the famous riff at the end, known at the time as Charlie Christian's "Pagin' Dr. Christian" and now as Thelonious Monk's "Rhythm-A-Ning". Regarding speed, "Benny's Bugle" is one the guitarist's last recordings and he really soars here. "Solo Flight" rounds up the selection. It's hard to believe that it was released after Christian's death – necrophilia in marketing is an old trick – and was probably the most popular of Christian's recordings among future stars like Wes Montgomery.

For more details on personnel and dates, you can go here.

Hope you enjoy this

Selection of Charlie Christian recordings

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A Charles -mejor que "Charlie"- Christian normalmente se le aclama como el principal pionero de la guitarra eléctrica. No fue el primero en utilizar el instrumento o grabar con él, pero es, indiscutiblemente, uno de los músicos más influyentes de la historia del jazz. Aparte de su peso evidente en la música popular y el rock en general, su forma de tocar sigue siendo vigente.

No obstante, aparte de la originalidad de su sonido y de su forma de tocar en general, Christian es un solista que engancha. En lo rítmico, era un claro seguidor de Lester Young, aunque fue más allá que el saxofonista a la hora de saltarse las divisiones rítmicas tradicionales. En cuanto a sus improvisaciones, aunque comparten con las de Young su carácter lineal, cierta consistencia horizontal, son menos melódicas y se apoyan más en las armonías subyacentes. La guinda del pastel es su imaginación sin límites al crear riffs, breves motivos rítmicos, y su swing implacable, aún fresco de Oklahoma.

No es algo de lo que esté orgulloso, pero probablemente doy el perfil de fanático del christianismo. Hace algunos años me dediqué a escuchar su música con la dedicación e insistencia que solamente se gozan cuando se tiene tiempo y muy pocos discos. Aún me sé algunos solos de memoria... a lo que voy es que la lista de hoy es, en mi opinión, una introducción completa a la música de Christian.

La lista está dividida en cuatro partes. Los temas 1-14 son del primer sexteto de Benny Goodman (con Lionel Hampton); 15-25 son de diversas formaciones (los detalles, a continuación); los cortes 26-37 y el 41 corresponden a Benny Goodman y su segundo sexteto (con George Auld al tenor y Cootie Williams a la trompeta) y del 38 al 40 vienen de Minton's.

La mayoría de los temas están sacados de las grabaciones clásicas de estudio, salvo algunos que requieren presentación. La primera, "Flying Home", llegaría a ser un himno en el repertorio de Lionel Hampton como líder, a raíz de su versión de 1942 con Illinois Jacquet al saxo tenor, pero fue Christian el que se trajo este tema desde Oklahoma. Esta versión procede de un concierto en el Carnegie Hall a finales de 1939, la celebración de un aniversario de la ASCAP, y la presentación de Goodman habla por sí sola de su respeto por el recién llegado a la Gran Manzana:

... y nuestro nuevo descubrimiento, Charles Christian a la guitarra eléctrica. Charlie es de Oklahoma y [aplausos]... saluda, Charlie... je... Charlie, creo que es uno de los músicos más sensacionales que hemos presentado desde hace años...

"Rose Room" es la versión en estudio de la primera canción en la que Goodman oyó tocar a Christian, pero "Stardust" viene del mismo evento de la ASCAP que "Flying...". Christian tocaba siempre el mismo solo en este tema, al parecer dedicado a su madre, un solo que impresionó tanto a Goodman que le cedía el protagonismo al guitarrista, después de presentarle así:

... Charlie Christian tiene una versión muy especial con la guitarra eléctrica que tienen que oir: "Stardust"

A continuación vienen los principales cortes grabados en el estudio, más "Honeysuckle Rose" y "I Got Rhythm" en directo, sacados de la segunda edición del From Spirituals to Swing. Christian no solea en "... Rhythm", pero es interesante escuchar cómo se acopla al arreglo clásico que hacía el Cuarteto del tema de Gershwin. El otro tema en directo del sexteto de Goodman, "The Sheik of Araby", aparece aquí casi exclusivamente por lo que hace el guitarrista en 1:55 y la reacción de Hampton.

Goodman tuvo que dejar de tocar completamente durante unos meses en 1940 por sus problemas de espalda, y disolvió la big band y el sexteto, aunque mantuvo a unos pocos efectivos en nómina, Christian entre ellos. Para separar los temas de los dos sextetos, he puesto en medio grabaciones realizadas con grupos diversos: "Honeysuckle Rose" contiene el primer solo de Christian con la big band de Goodman. Charles grabó dos sesiones a las órdenes de Lionel Hampton, pero únicamente soleó en la segunda, en "Haven't Named It yet". "Tea For Two" procede de una jam session en Minneapolis, con un adolescente Oscar Pettiford al bajo, el pianista local Frankie Hines y el tenor Jerry Jerome, de la orquesta de Goodman. Gracias al tiempo extra disponible en la grabación, Christian se lanza a por todas, especialmente en su último solo (4:19).

De izda. a dcha.: Buck Clayton, Lester Young, Charlie Christian,
Benny Goodman, Count Basie, John Hammond

En los siguientes seis temas la figura prominente es Lester Young, un modelo musical de Christian. Los tres primeros son en directo con los Kansas City Six, también del segundo Spirituals to Swing. Tanto Young como Christian echan chispas en "Way Down Yonder...", pero parece que el guitarrista se despista y no entra cuando debe: se le puede oír subiendo el volumen de su guitarra (1:30). Los siguientes tres temas proceden de una sesión en estudio, inédita en su momento, con Goodman y Christian más un sexteto de Basie y sus hombres. Finalmente, "Jammin' in Four" está sacada de una sesión de 1941 para Blue Note firmada por el clarinetista Edmond Hall, con Meade Lux Lewis tocando boogie con la celesta. Hay quien desdeña este experimento, pero a mí me gusta bastante, entre otras cosas porque se puede apreciar perfectamente lo que hacen las dos manos del pianista. Además, aquí Christian toca la guitarra acústica, y demuestra ser un instrumentista muy enérgico, suena como si tocase con cuerdas de cierto calibre y una púa dura.

El siguiente capítulo lo ocupa el que es, en mi opinión, el mejor de los dos combos de Goodman que aparecen aquí: la presencia de Count Basie y Jo Jones en algunos de los temas ayuda, y Christian suena algo más maduro. Para mostrar su imaginación como solista, he incluido las dos tomas de "I've Found a New Baby". En todo caso, la joya de la corona de este grupo en disco es la jam session de calentamiento, de 20 minutos, conocida como "Waitin' for Benny", "esperando a Benny". Que no le desanime el mal sonido del principio, pasa a ser casi perfecto de 2:02 en adelante. Es una sesión informal y, al menos a estos oídos, está claro que Christian está al mando. "A Smo-o-o-oth One" y "Air Mail Special" –con su puente a base de acordes disminuidos descendentes– proceden de esa misma sesión, una vez llegado Goodman al estudio.

De izda. a dcha., de pie: Auld (3º), Christian, Cootie, Artie Bernstein,
el ejecutivo Morty Palitz, Guarnieri (sentado), Goodman

Para terminar, tenemos tres temas de Minton's: primero el clásico "Swing to Bop", en el que se puede apreciar perfectamente la costumbre de Christian de tomárselo con calma en las secciones "A" de los temas, y entrar a matar en los "puentes", probablemente un truco para "cortar cabezas" en jam sessions (nota: que yo sepa, no hay una sola versión de este tema a la tonalidad, Sib menor, y la velocidad correctas sin el aplauso añadido). "Down on Teddy's Hill", un tema montado sobre los acordes de "I Got Rhythm" es significativo por su tempo vivo, aquí Christian vuela, y por el famoso riff del final, conocido entonces como el "Pagin' Dr. Christian" y hoy como el "Rhythm-A-Ning" de Thelonious Monk. Con respecto a la velocidad, "Benny's Bugle" es una de las últimas grabaciones del guitarrista y también una de las más rápidas. La guinda la pone "Solo Flight". Cuesta creer que no se publicara hasta después la muerte de Christian –lo de la necrofilia en el marketing viene de lejos–, porque fue quizás la grabación más popular del guitarrista entre futuras estrellas como Wes Montgomery.

Para obtener más detalles discográficos (personal, fechas, etc.), ésta es una buena fuente.

Espero que disfruten esta

Selección de grabaciones de Charlie Christian

Happy 90th, Mr. Brubeck!

2010-12-06T08:00:00.016Z

I like the piano because he plays the piano like the guys I told you about at the brickyards in Haverstraw, New York, where the blues was born... He has heavy hands, but hits some beautiful chords... You could put this on at anybody's house, and they'd dance all night.

Willie 'The Lion' Smith's reaction to Brubeck's "St. Louis Blues"
(from Jazz at the College of the Pacific) in a blindfold test.

Today Dave Brubeck celebrates his 90th birthday. His career is one of those treasures that can slip past you if you don't go beyond the musician's image and explore the actual music. Through the years Brubeck's been 'accused' of being cold, intellectual, and commercial, but just a bit of browsing through his many recordings will demonstrate that he can be a perfectly hot and visceral pianist, closer to The Lion's assessment, heavy hands and all. About this, I already told the story on how Brubeck's "presence" was felt (pun intended) in Miles Davis's Kind of Blue.

Dave Brubeck's first recording is a solo from 1942, where he already plays a lot of piano. After that, he worked with an octet formed mainly by students of Darius Milhaud, and in 1949 he did his first discs as a leader, of a piano trio at the time, kickstarting, in fact, the Fantasy label. Since then, I don't know of any instances where Mr. Brubeck has recorded as a sideman, and given his very active career to this day, I think his must be one of the longest careers, possibly the most prolific, as a leader in jazz.

(Pica aquí para ir al texto en castellano.)

A remarkable amount of pictures and footage shows Brubeck smiling, laughing, and having a hell of a time, which belies the clarity of ideas and determination inherent to someone who's been the sole guardian of his own artistic career for so long. Regarding the accusations of "commercialism", the fact, on record for anyone to check, is that Brubeck has been consistently true to himself and has done whatever he felt he had to do, mostly outside the box. He's never stopped experimenting with counterpoint and meter regardless of any commercial consideration, and the overwhelming popularity of Time Out and "Take Five" is just more proof of how unnecessary it is to reduce audiences to their minimum common denominator.

Brubeck has had, is having, a lengthy and illustrous career in a variety of settings, but history will remember him as a great popularizer of jazz without selling out, as well as for his quartet with Paul Desmond, Eugene Wright, and Joe Morello, which worked out because, as Wright himself once put it:

I was the bottom, the foundation; Joe was the master of time; Dave handled the polytonality and polyrhythms; we all freed Paul to be lyrical. Everybody was listening to everybody. It was beautiful. Those people who couldn't accept it were looking, not listening.

Another thing some people didn't quite understand was the relationship between Brubeck, the leader, and Desmond, the star soloist. As Desmond himself explained in an interview with Marian McPartland:

I never would have made it without Dave. He's amazing harmonically, and he can be a fantastic accompanist... Dave has a real aversion to working things out, and a tendency to take the things he can do for granted and most of his time trying to do other things.

You'll be able to read about his many achievements just about everywhere these days. There is plenty of video on line to be watched, and some new multi-CD sets (on Sony and Concord) coming out for his birthday, as well as a new documentary, In Your Own Sweet Way (available to watch on line in the UK here till Friday 10th).

However, I don't think there's a better introduction to Brubeck than Time Signatures, a four-CD set released in 1992 by Columbia/Legacy. The music for this was selected and commented, track by track, by Brubeck himself in the 100-page booklet, which also carries a biography - the source for all the quotes above - by Doug Ramsey.

So, happy birthday, Mr. Brubeck, and thanks for the music. My favourite Brubeck solo is on "Stardust" from Jazz at Oberlin.

I leave you with this interview with LoC's Larry Appelbaum:

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Me gusta el pianista porque toca como la gente de la que te hablé, de las fábricas de ladrillos de Haverstraw, Nueva York, donde nació el blues... Tiene unas manos pesadas, pero toca unos acordes preciosos... Si pusieras esto en cualquier casa, se pasarían toda la noche bailando.

Respuesta de Willie "The Lion" Smith al "St. Louis Blues" de Brubeck
(de Jazz at the College of the Pacific) en un blindfold test.

Hoy Dave Brubeck cumple 90 años. Su carrera es un ejemplo más de lo que uno se puede perder si no va más allá de la imagen de un músico. A lo largo de los años se le ha "acusado" de ser cool (en el sentido de frío y distante), intelectual y comercial, pero a la mínima que se escuche su música, el oyente descubrirá que Brubeck es más bien un pianista "caliente" y visceral, más cercano a la descripción de "The Lion", incluido su enérgico toque. A este respecto, ya conté la historia sobre cómo se nota la "presencia" de Brubeck en el Kind of Blue de Miles Davis.

La primera grabación de Dave Brubeck es un solo de 1942, en el que ya toca un montón de piano. Después trabajó con un octeto formado en su mayoría por estudiantes del compositor francés residente en California Darius Milhaud, y en 1949 grabó sus primeros discos como líder, de un trío en este caso, con los que además nació el famoso sello Fantasy. Desde entonces Brubeck ha grabado exclusivamente como líder, que yo sepa, y dada su activa carrera hasta nuestros días, la suya debe de ser la carrera más larga, seguro que la más prolífica, de un jazzista al frente de un grupo.

En las numerosas fotos y la enorme cantidad de metraje que existe de Brubeck, éste generalmente aparece sonriendo, riéndose, pasándoselo bomba, lo que disfraza en cierta medida la claridad de ideas propias y la decisión de alguien que ha sido el único responsable de su carrera artística durante tantos años. Con respecto a las acusaciones de ser "comercial", el hecho, comprobable en los discos, es que Brubeck siempre ha sido fiel a sí mismo y ha hecho lo que sentía que tenía que hacer, casi siempre saliéndose de la norma, experimentando sin cesar con el contrapunto y diversas métricas, y sin prestar atención a consideraciones comerciales. El hecho de que Time Out y "Take Five" (con su compás de 5/4, en España cabe preguntarse si Brubeck no tendrá algo que ver con la sintonía de El Hombre y la Tierra) llegasen a ser tan populares es una prueba más de lo innecesario que es reducir al público a su mínimo común denominador.

Brubeck ha tenido, o está teniendo, una carrera larga e ilustre, con todo tipo de formaciones y formas compositivas, pero la historia le recordará por haber conseguido acercar a mucha gente al jazz sin haberse "vendido", y por su cuarteto con Paul Desmond, Eugene Wright y Joe Morello, que triunfó porque, como el propio Wright explicó en su día:

Yo era la base, los cimientos, Joe era el dueño del pulso; Dave se encargaba de la politonalidad y los polirritmos. Y entre todos dábamos a Paul la libertad para que fuera todo lo lírico que quisiera. Todos nos escuchábamos mutuamente. Era precioso. Si alguien no podía aceptarlo era porque estaba mirando, no escuchando.

Otro aspecto del grupo que mucha gente no entendía era la relación entre Brubeck, el líder, y Desmond, el solista estrella. Como el propio Desmond explicó en una entrevista con Marian McPartland:

Nunca habría llegado a nada sin Dave. Su sentido armónico es increíble, y puede ser un acompañante fantástico... A Dave no le gusta nada ensayar, y tiene cierta tendencia a dar por sentadas las cosas que puede hacer, por lo que dedica casi todo su tiempo a intentar hacer otras.

Durante estos días se podrá leer en los medios, al menos en lengua inglesa, sobre los logros de Brubeck. También existe un montón de vídeos disponibles en Internet y, con motivo del cumpleaños, acaban de publicarse varios estuches de discos (en Sony y Concord), así como un nuevo documental producido por Clint Eastwood, In Your Own Sweet Way (que puede verse entero, en el Reino Unido, aquí hasta el viernes, 10).

No obstante, no creo que haya mejor introducción a la música de Dave Brubeck que Time Signatures, una caja de cuatro cedés publicada en 1992 por Columbia/Legacy. La música la seleccionó el propio pianista, que además comenta los temas uno por uno en el libreto de 100 páginas, complementado por una extensa biografía del gran Doug Ramsey (de la que he sacado todas las citas de esta entrada).

Feliz cumpleaños, Sr. Brubeck, y gracias por la música. Mi tema favorito es el "Stardust" del Jazz at Oberlin.

Happy 80th birthday, Jim Hall

2010-12-04T18:00:00.002Z

Jim Hall is one of the greatest guitar players in jazz history. Today it is his 80th birthday, and to celebrate, I recommend this interview with Library of Congress music man Larry Appelbaum.

"What does my music mean to me...?
What came to mind is that it is me, actually"

A Spotify playlist (VI): Art Farmer & Jim Hall Quartet

2010-12-03T08:00:00.005Z

Steve Swallow, Art Farmer, Walter Perkins, Jim Hall
Picture from the cover of Live at the Half Note (Atlantic)

After last week's list of the Paul Desmond Quartet featuring Jim Hall, I immediately went to see whether Spotify had anything by the other great pianoless quartet with Hall on guitar, also from the Sixties, but with a different wind instrument at the helm: Art Farmer on flugelhorn (exclusively - no trumpet here). And yes, all the official stuff is there, plus a few extras.

This seems to have been a short-lived combo - their recorded output comes from 1963 and 1964. They did all their three albums for Atlantic, two in the studio (Interaction and To Sweden with Love), and one live At the Half Note. There's also an "Andorran" reissue which combines the Half Note recordings with some others extracted from a live show for the BBC, recorded on June 6, 1964. Personnel is always as in the picture, except on the BBC show, where the drummer is Pete LaRoca. You can watch excerpts from that show, here.

What's not in the list is their performance on Ralph J. Gleason's Jazz Casual (aired on January 10th, 1964 - watch some extracts here) and their participation in another Atlantic LP, about two weeks priot to the "Swedish album", by an obscure singer, Anna Schofield, also known as "Anamari" (brief aside - you cannot imagine how common a name this is in the Basque Country). I did some quick searches and found out the sad news that Ms. Schofield passed exactly one month ago today, on November 3rd. You can read a bit about her here. It does seem that this was the highlight of her career as a singer.

I won't say much about the music. Farmer has always been a very consistent and sensitive soloist. It's interesting, as he tells Ralph J. Gleason in his programme, that he stopped playing trumpet altogether and devoted himself to flugelhorn when he started this combo. Hall is in splendid form, and the surprise comes from Steve Swallow, who's on double bass, and at 23-24 he was already an exceptionally melodic player.

I hope you enjoy the music of

The Art Farmer Quartet featuring Jim Hall

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Después de subir la lista de la semana pasada, Paul Desmond en cuarteto con Jim Hall, fui inmediatamente a mirar si Spotify tenía algo del otro gran cuarteto sin piano con Hall a la guitarra, también de los sesenta, pero con un instrumento distinto al frente, en este caso Art Farmer al fiscorno (exclusivamente, aquí no toca la trompeta). Y, sí, está toda su producción oficial, más algunos extras.

Parece que este combo tuvo una vida breve, ya que toda su producción data de 1963 y 1964. Grabaron sus tres elepés para Atlantic, dos en estudio (Interaction y To Sweden with Love), más uno en directo, Live at the Half Note. Además existe una edición "andorrana" que combina el disco del Half Note con otras grabaciones extraídas de una actuación retransmitida por la BBC, grabada el 6 de junio de 1964. El personal es siempre el de la foto superior, salvo en el pase para la BBC, en el que el batería es Pete LaRoca. Se pueden ver extractos de ese programa aquí.

Lo que no aparece en la lista es su actuación en el programa Jazz Casual de Ralph J. Gleason (retransmitido el 10 de enero de 1964, aquí se pueden ver algunos extractos), ni su participación en otro disco para Atlantic un par de semanas antes del "álbum sueco", el de una desconocida -al menos para mí- cantante llamada Anna Schofield, alias "Anamari" (nombre vasco como pocos, a todo esto). He hecho un par de búsquedas para averiguar algo más sobre ella, y me he encontrado con la triste noticia de que falleció hace exactamente mes, el 3 de noviembre. Aquí se puede leer algo sobre ella (en inglés). Parece que como cantante su momento fue precisamente este disco.

Sobre la música en sí no voy a decir mucho. Farmer es un solista muy sólido y de gran sensibilidad. La curiosidad es que dejó de tocar la trompeta y se dedicó exclusivamente al fiscorno al empezar este proyecto. Hall responde a las expectativas, y quizás la sorpresa sea el jovencísimo Steve Swallow al contrabajo, que a sus 23-24 años ya era un melodista consumado.

Que lo disfruten.

El cuarteto de Art Farmer con Jim Hall

Random notes about the London Jazz Festival 2010

2010-11-28T00:01:00.005Z

Lo que sigue es mi balance del Festival de Londres de este año. Las crónicas en castellano se pueden leer aquí, y todavía se pueden escuchar conciertos a través de internet en BBC-Radio 3.

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This year's London Jazz Festival has been something else, even though my Festival has been different to others'. I missed triumphant vocalist Gretchen Parlato, who was the talk of the town after the vocalists' show, as well as missed Herbie Hancock, Hugh Masekela, Brad Mehldau, Cedar Walton, Bojan Z, William Parker & Hamid Drake, Paco de Lucía... and, yet, it was an amazing festival.

As a one man-band, my coverage of the 10-day jazzathon (jazz, a ton?) has been limited. I still managed to see 14 gigs in 9 days (I had to take a break), with up to three on a single day, but that amounts to just about 5% of what's on offer. My reviews can be read, in Spanish, in Cuadernos de Jazz (or click here). The most exhaustive - that comes from "exhaustion" - coverage has surely been carried out by the heroic London Jazz blog, edited by the indefatigable Sebastian Scotney.

Musically, I've been extremely lucky. I've seen all of the acts I really wanted to see, and all of them exceeded my expectations. Sonny Rollins was beyond belief. He's the only jazz musician I know who's able to completely engage a jazz audience playing a song with the chords of "Stand By Me" in C major. His show, way over two hours, was extraordinary. He's a notorious perfectionist, but according to his team, he was happy. Bearing in mind the way he walks and his frail appearance, this verges on the supernatural. But there is something about this music that does just that. Alto virtuoso Peter King was the same at the Bull's Head: he sat between solos and looked short of breath, but as soon as he brought his sax to his mouth, all that disappeared.

Same goes for another octogenarian who's still quietly pushing the envelope: Martial Solal. During an after-show chat he told us that he felt best when he was playing, that it was the only time that he didn't feel his age. The connection between his whimsical mind and his fingers is seamless, and his harmonic imagination beggars belief. He's not young, he may not look cool - although he has terrific comic timing -, and he only uses his hands on the keys, but he's one of the most advanced and imaginative pianists today. Bar none. The Wigmore's acoustics were just magic.

The gig I was looking forward the most was Darcy James Argue's at Café Oto (or as someone said, "London's Knitting Factory"). I admit I left my objectivity at home for this one. I'm a sucker for big bands, and Argue's CD Infernal Machines won me over from the first few seconds. You have to admire someone who founded a big band at 30 - that was five years ago - keeps it going, and takes care of things such as its image. The music was astonishing, with plenty of nuance, drama and punch, the sound was surprisingly good and Darcy himself is the most polite and best-mannered musician I've met since... Hank Jones?

The rest of the best happened, for me, outside the usual venues. The Bull's Head comes on top for the King-Themen-Riel gig, a hard-bop party that was more than that - and King and Themen are two national treasures, what a couple of players! -, and the John Etheridge Trio with Arild Andersen - whose "Hyperborean" was the most beautiful moment of the whole festival - was another hidden jewel. This was a matinee gig on a Sunday, and it felt great to see quite a few children in the audience.

With Chris Potter at Ronnie's. Picture by Sergio Cabanillas.

Chris Potter got slightly more exposure with his gigs at Ronnie's, but the lucky few who saw his Underground band were witness to an explosion of very tight music, with lots of funk in it. Craig Taborn's left hand on the Rhodes is just unreal. On a bluesy mood too, John Scofield also went beyond what I expected, and played some beautiful, melodic solos ("Someone to Watch Over Me" stands out).

Don't forget that plenty of this music can still be heard on BBC-Radio 3.

That's just some of the music. Then, you have the things that make this Festival special. The musicians' banter, which the locals may take for granted, but coming from a non-English speaking country, it's very clear how much more relaxed they are when they speak to the audiences. And there's a long British tradition of self-deprecating public speech that's just hilarious. Pete Long and John Etheridge were especially good at it.

And then there's the people, the very knowledgeable audiences - like the pensioners at Richard Pite's excellent Benny Goodman Quartet show -, the conversations with colleagues before and after the shows, meeting old friends and making new ones...

Anyway. I've had a great Festival, and for that my gratitude goes to all musicians, technicians, and other staff involved at the venues, the organization of the Festival, Serious, and, in no particular order, Sally Reeves, Sorcha Hunter, John Cumming, Stephanie Knibbe, Dan Fleming, Julian Joseph, Wulf Müller, Peter Downey, and my sidekick for part of the festival, Sergio Cabanillas.

A Spotify playlist (V): Paul Desmond & Jim Hall Quartet

2010-11-26T08:00:00.005Z

Yesterday Paul Desmond would have celebrated his 86th birthday. Alas, he barely made it to 50. Doug Ramsey wrote about this anniversary in his blog. For those who don't know it, Ramsey was a personal friend of Desmond's, and he's written Take Five: the public and private lives of Paul Desmond, a thorough and loving biography of his pal, which must be the best-edited jazz bio ever: Large size, hardback, good paper, great picture reproduction... and the text itself is the right mix of gigantic and meticulous research - Desmond was a notoriously private man -, and excellent prose. (If you find it expensive, keep in mind that it is a huge and heavy book).

Desmond was a clever, witty, and urbane man (don't miss his "desmondisms"). He was also a perfectionist and a great jazz musician, a fact that sometimes seems obscured by the fact that he had an angelical tone, a knack for melody, and was the author of one the biggest commercial hits in jazz ("Take Five", from which he bequeathed all royalties to the American Red Cross after his death).

His career was inextricably linked to Dave Brubeck's, but even during the many years that he worked in the famous quartet, he also recorded as a leader. From 1959, with a single album at Warner Bros., and then for RCA in 1961 and 1963-64, he recorded as a pianoless quartet, with Jim Hall on guitar (he plays some really good solos here). Incidentally, and if I'm not mistaken, all those recordings were produced by George Avakian. Even more incidentally, while he was a student at the Cleveland Institute of Music, Jim Hall attended the famous 1953 Oberlin concert.

So, here you are, in strict quartet formation (no strings) and with Desmond on alto sax (not baritone):

The Complete Paul Desmond Quartet recordings
with Jim Hall

Enjoy!

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Ayer, 25 de noviembre, Paul Desmond habría cumplido 86 años, si no fuera porque apenas rebasó la barrera de los 50. Doug Ramsey ha escrito sobre este aniversario en su blog, donde explica su última cena de Acción de Gracias, con la familia de Jim Hall, y deja que el guitarrista relate la animada conversación entre Desmond y Thelonious Monk en el Village Vanguard, "la conversación más coherente que jamás tuve con Monk... él y Desmond conectaron de verdad". Para quienes no lo sepan, Ramsey era amigo personal de Desmond, y ha escrito Take Five: the public and private lives of Paul Desmond, una exhaustiva y cuidada biografía de su colega, que pasa por ser la biografía de un músico de jazz mejor editada: gran tamaño, en tapa dura, buen papel, excelente reproducción fotográfica... y el texto en sí es la mezcla exacta de investigación abundante y meticulosa -Desmond era notoriamente discreto- plasmada con una prosa excelente. (Si le parece caro, tenga en cuenta que es un libro verdaderamente pesado).

Desmond era un hombre inteligente, ingenioso y sofisticado (hace un tiempo traduje sus aforismos en Tomajazz). También era un perfeccionista y un gran músico de jazz, hecho a veces obviado porque 1) su tono al alto era angelical, 2) era un solista muy melódico, y 3) es el autor de uno de los bombazos comerciales más grandes que jamás ha dado el jazz ("Take Five", cuyos royalties legó a la Cruz Roja de EE UU tras su muerte).

Su carrera está indisolublemente unida a la de Dave Brubeck, pero incluso durante los muchos años que tocó en el cuarteto del pianista, también grabó como líder. Desde 1959, con un elepé para Warner Bros., y a continuación para RCA en 1961 y 1963-64, grabó con un cuarteto sin piano, con Jim Hall a la guitarra (atención, que aquí toca algunos solos especialmente buenos). Incidentalmente, si no me equivoco, todas esas grabaciones las produjo George Avakian. Aun más, la primera vez que Hall vio a Desmond fue siendo todavía un estudiante en el Cleveland Institute of Music, cuando asistió en 1953 al famoso concierto en el Oberlin.

Sin más preámbulos, aquí tienen, estrictamente como cuarteto (sin cuerdas) y con Desmond al alto (no con el barítono):

Las grabaciones completas del cuarteto de Paul Desmond
con Jim Hall

Que las disfruten.

A Spotify playlist (IV): The complete Sonny Rollins

2010-11-19T08:30:00.000Z

(Sonny Rollins in Barcelona on November 3. Source: SonnyRollins.com)

With no time to spare this week because of the London Jazz Festival, and Sonny Rollins' sold out gig tomorrow night at Barbican, the natural thing to do is to re-link my "complete" Rollins playlist in Spotify. Of course it's not complete, but with 540 tracks (about two days of straight listening), it's nearly there, from his debut on record with Babs Gonzales in 1949 to his live trio recordings with Christian McBride and Roy Haynes at Carnegie Hall in 2007, through all of his many peaks.

Enjoy!

The complete Sonny Rollins recordings on Spotify

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Sin apenas tiempo para nada esta semana, por el Festival de Jazz de Londres, y teniendo en cuenta que mañana es el concierto, con todo el papel vendido, de Sonny Rollins en el Barbican, lo propio es volver a colgar el enlace a las grabaciones "completas" de Rollins en Spotify. Obviamente no son todas sus grabaciones, pero con 540 temas (un par de días enteros de escucha ininterrumpida), no anda demasiado lejos, desde su debut en disco con Babs Gonzales en 1949 hasta sus grabaciones de 2007 a trío con Christian McBride y Roy Haynes en el Carnegie Hall, pasando por todas las cimas de su fructífera carrera.

Que lo disfruten.

Las grabaciones completas de Sonny Rollins en Spotify

London Jazz Festival (I)

2010-11-18T00:01:00.001Z

La primera parte de mis crónicas sobre el Festival de Jazz de Londres acaba de salir en Cuadernos de Jazz. Se puede leer aquí.

El balance hasta ahora es muy positivo. En la BBC se pueden oír extractos de conciertos y otros programas sobre el Festival.

También estoy subiendo comentarios sobre la marcha en Twitter.

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The first installment of my London Jazz Festival 2010 chronicles is already up at Cuadernos de Jazz. It can be read, in Spanish, here.

Although I'm covering a tiny part of this massive event, my balance so far is particularly good. Most of the gigs I've been to have been exciting to say the least. From the three gigs I've reviewed so far, Chris Potter's Underground gets kudos for being a ridiculously tight band (Craig Taborn's left hand on the Rhodes could easily leave many bass players without a job), Gwilym Simcock for his solo piano work, and the Peter King-Art Themen-Alex Riel band at the Bull's Head for their frontliners' solos - King and Themen are two very exciting septuagenarians, and the venue for its warm and 'this-is-the-real-thing' atmosphere.

There's still plenty going on, and much of it worth checking out. For music and other programmes related to the Festival, check out the BBC.

And you can also follow me on Twitter

A Spotify playlist... & the London Jazz Festival 2010

2010-11-12T10:30:00.010Z

Today marks the start of the London Jazz Festival. This year's programme is, as usual, an overload of interesting, fascinating, surprising, exciting music, which is great, but it has its problems, like having to chose, on a given day, between Cedar Walton, Stan Tracey, John Scofield, Hamid Drake & William Parker, and Bojan Z! Fantastic problem to have, I know, but it still itches a bit. You can check the listings here for a bit of drooling.

The one gig I'm really looking forward is Darcy James Argue's at Café Oto. I'm not so sure about the venue (because of its size, the atmosphere is perfect), but we'll see. In any case, bringing these guys over from the US speaks tons about the organizers of the Festival. They really are serious.

I'll be reviewing the festival for Cuadernos de Jazz. Our plan is to do a short review every two days, so the first one will probably come out on Monday. That'll be in Spanish.

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Today's Spotify playlist goes to George Russell (incidentally, an artist who had strong links with Serious in the last part of his career). I've published this list before, but there have been a few additions since, namely It's About Time by the Living Time Orchestra (Enja), the Live at Bremen and Paris, 1964, and the Sextet at the Five Spot. For this list I've used Duncan Heining's recent bio of Russell, where it says that Russell was involved in the recording of Sheila Jordan's Portrait of Sheila, that's why it's here.

Enjoy!

George Russell on Spotify

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Hoy comienza el Festival de Jazz de Londres. El programa de este año es, como de costumbre, un alud de música interesante, fascinante, sorprendente, excitante... que está muy bien, pero tiene sus inconvenientes, como el de tener que elegir, en un día dado, entre Cedar Walton, Stan Tracey, John Scofield, Hamid Drake & William Parker y Bojan Z! Ya sé que da gusto tener problemas así, pero no deja de picar un poco. Aquí está la programación completa, por si les apetece babear un poco.

Personalmente, el concierto al que le tengo verdaderas ganas es al de Darcy James Argue en el Café Oto. No tengo claro que sea el sitio ideal (por sus dimensiones, el ambiente es perfecto), ya veremos cómo sale. En todo caso, traerse a esta big band desde EE UU dice mucho de la organización del Festival. No por nada se llaman Serious.

Si les interesa leer qué se cuece por aquí, voy a reseñar lo que vea para Cuadernos de Jazz. El plan es sacar una crónica cada dos días, así que supongo que la primera saldrá el lunes que viene. Además, voy a probar a utilizar Twitter para ir haciendo comentarios sobre la marcha. Las entradas se pueden ver en la columna de la derecha. A ver qué tal sale...

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La lista de Spotify de hoy se la lleva George Russell (artista que, casualmente, mantuvo una estrecha relación con la promotora Serious en la recta final de su carrera). Esta lista ya la había publicado antes, pero ha habido unas pocas adiciones desde entonces, a saber, It's About Time de la Living Time Orchestra (Enja), Live at Bremen and Paris, 1964 y Sextet at the Five Spot. Para elaborar la lista me he apoyado en la reciente biografía de Russell, en la que cuenta que estuvo implicado de alguna forma en la grabación del Portrait of Sheila de Sheila Jordan, por eso he incluido este disco.

¡Que lo disfruten!

George Russell en Spotify

Other quotes (I) ~ Otras citas (I): Philip Larkin

2010-11-10T09:00:00.003Z

"Home is where the records are."

Philip Larkin: Letters to Monica (Faber, 2010)

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"El hogar está donde están los discos."

Philip Larkin: Letters to Monica (Faber, 2010)

Sunday update: Moody / Cifu

2010-11-07T14:00:00.009Z

MOODY: See this note on Doug Ramsey's blog. If you want to send a message to Moody, you'd better do it through his Facebook profile.

CIFU: A grateful man, he's written a thank you note for the support he got for the Ondas award.

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MOODY: Cuenta Doug Ramsey en su blog que los Moody, James y Linda, están teniendo problemas informáticos por la cantidad de e-mails que están recibiendo. Para mandarle un mensaje, mejor a través de su perfil en Facebook.

CIFU: Ha escrito una nota de agradecimiento por la campaña para que le dieran el Ondas (picar en la imagen para verla ampliada).

A Spotify playlist (II): The Gerry Mulligan & Chet Baker Quartet

2010-11-05T09:00:00.013Z

Picture: Ray Avery

Sudden fame, being photogenic, and justified anger from Miles Davis and possibly other Afro-American musicians, has somewhat obscured the fact that the original Gerry Mulligan pianoless quartet with Chet Baker was quite a concept: a combo without piano, with an awkward front line of baritone sax and trumpet, who could and did play counterpoint, a counterpoint that at least sometimes sounded completely improvised. Bear in mind, too, that Mulligan was 25 (and Baker a mere 22) at the time and had already contributed half the arrangements to the studio recordings of Miles Davis's Birth of the Cool.

To be fair, in the same way this quartet has not been justly appreciated, Mulligan's and, especially, Baker's careers have been partially obscured by the recordings in today's playlist. I won't even enter in all the clichés about "cool" and/or "West Coast" jazz, or whether Baker could or could not play. Let the music speak for itself.

The recordings in this playlist were made in about nine months, between August 16th, 1952, and May 20th, 1953. They come from three labels, Pacific Jazz (which the group practically launched), Fantasy, and GNP Crescendo. A few curiosities: the band's theme, "Utter Chaos" is a poorly disguised "A Smo-o-o-oth One", a classic Benny Goodman/Charlie Christian tune (based itself on "Love Is Just Around the Corner"); also, you can hear members of the band singing long notes to complete the harmonies and make up for the lack of more instruments in "Darn that Dream" and "My Funny Valentine" (this version, arranged by bass man Carson Smith, 'made' Chet Baker and turned this ballad into a standard).

A note on discography: While I was preparing the playlist, I noticed that the double-CD set released by Lone Hill Jazz with all the master takes of this combo carries a version of "All the Things You Are", which doesn't appear in the discography I used, by Gérard Dugelay and Kenneth Hallqvist. I checked it, and it's an edit of a tune recorded in 1957, for a reunion album released by Pacific Jazz. The tune in the Lone Hill set is exactly the one from 1957, except that it's missing the first chorus in Chet Baker's solo, and Henry Grimes's solo (one chorus - you may not know it, but Grimes did have quite a pre-avant garde career; he celebrated his 75th on Wednesday, by the way). Richard Bock, owner and producer of Pacific Jazz was known for his editing, so that's probably the reason for that mistake. On the other hand, I've included "Aren't You Glad You're You" (recorded at The Haig) from that double CD because it's the only version I've found with Mulligan's spoken introduction.

Enjoy!

The Gerry Mulligan Quartet
featuring Chet Baker (1952-1953)

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La fama repentina, la fotogenia y el enfado justificado de Miles Davis y, supongo, otros músicos afroamericanos, han eclipsado en cierta medida el hecho de que el primer cuarteto sin piano de Gerry Mulligan con Chet Baker era un concepto muy novedoso: un combo sin piano, con una primera línea chocante de saxo barítono y trompeta, que podía tocar y tocaba contrapunto, que además a veces sonaba improvisado... Téngase en cuenta, también, que Mulligan tenía 25 añitos cuando inauguró el grupo (Baker tenía 22), y que cuatro años atrás ya había aportado la mitad de los arreglos grabados en estudio por la banda de Miles Davis de Birth of the Cool.

Siendo justos, de la misma manera que este cuarteto no ha sido justamente valorado por los motivos correctos (los musicales), las grabaciones que conforman la selección de hoy también ha oscurecido parcialmente las carreras de Mulligan y, sobre todo, Baker. Ni me meto en disquisiciones sobre el jazz "cool" y/o "West Coast", o si Baker podía tocar o no. Que hable la música por sí misma.

Esta colección se grabó en apenas nueve meses, entre el 16 de agosto de 1952 y el 20 de mayo de 1953. Proceden de los archivos de tres sellos, Pacific Jazz (que nació con el grupo), Fantasy y GNP Crescendo. Un par de curiosidades: el tema de presentación del grupo, "Utter Chaos", es una versión de "A Smo-o-o-oth One", un clásico de 1941 del sexteto de Benny Goodman con Charlie Christian (basado a su vez en "Love Is Just Around the Corner"); además, se puede oír a miembros de la banda haciendo voces para completar las armonías en "Darn that Dream" y "My Funny Valentine" (versión arreglada por el bajista Carson Smith que lanzó a Chet Baker y convirtió esa balada en standard).

Un apunte discográfico: al preparar la lista, me di cuenta de que el doble CD publicado por Lone Hill Jazz con todas las tomas máster de este combo trae una versión de "All the Things You Are" que no aparece en la discografía que he utilizado, de Gérard Dugelay y Kenneth Hallqvist. Tras un par de escuchas, parece que no procede de estas primeras sesiones, sino que es una versión editada de una grabación de 1957, incluida en un disco de Pacific Jazz que reunía a Baker y Mulligan. El tema del disco Lone Hill es idéntico al de 1957, salvo dos vueltas que le faltan, la primera del solo de Chet Baker y la del solo de contrabajo de Henry Grimes (que tuvo una interesante carrera pre-avant garde y que anteayer cumplió 75 añitos). Richard Bock, propietario y productor de Pacific Jazz era conocido por su afición a editar cintas, así que es probable que el error parta de ahí. Por el contrario, de ese doble CD he incluido la versión de "Aren't You Glad You're You" (grabada en directo en The Haig) porque es la única que he encontrado que incluye unas palabras de presentación de Mulligan.

¡Que lo disfruten!

The Gerry Mulligan Quartet
featuring Chet Baker (1952-1953)

¡El Ondas para el Cifu!

2010-11-04T09:00:00.008Z

Yesterday was a pretty intense day. A few hours after we got the news about James Moody, the 2010 Ondas awards were announced. This is the most important recognition radio people can get in Spain. The news is that veteran jazz broadcaster Juan Claudio Cifuentes, 'Cifu', has been granted the Special Jury Award.

I've already spoken about Cifu and how he's been the education in jazz for many of us in Spain, mainly through his weekly programme on Spanish public TV from 1984 to 1991, but also through his 40 years, and counting, on radio. Jazz is a minority music, even more so in Spain than in our European neighbours, so, besides the recognition to his work, this is, in some way, a small acknowledgement of jazz in Spain, of the people who play it, the people who help make it better known, and the small, but faithful and, hopefully, growing audiences.

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Decía yo en una entrada anterior que "el Ondas para el Cifu". Pues así ha sido: ayer por la tarde se anunciaban los Ondas de este año y a don Juan Claudio le ha caído el "Premio Especial del Jurado", tras una entusiasta campaña, todo hay que decirlo, de su hija menor en Facebook. En esta red social hay un par de grupos en los que se palpa el afecto de un montón de gente cuyo primer contacto con el jazz, a veces el único, ha sido a través del Cifu.

Ya he hablado antes de él en este blog. Yo soy uno de tantos que se enganchó a Jazz entre amigos y a sus programas de radio. Con el tiempo he tenido ocasión de conocerle y tratarle un poco en persona, y de descubrir gustos comunes dentro y fuera del jazz (como Woody Herman, Brel y el "destornillador" sin gas). Lo más llamativo, es la pasión que gasta, a sus 69 años, cuando habla de la música que le gusta.

Su trayectoria biográfica es singular: nacido y vivido en París hasta los 20 años, le tocó venirse a España en 1960... ¡De París a Madrid en 1960! Sin duda un viaje más impactante que el de Neil Armstrong al final de aquella década. Otra singularidad de don Juan Claudio es que habla en francés -lógicamente- e inglés de maravilla, lo que sin duda contribuyó a que no tardase en convertirse en ejecutivo internacional de discográfica, bregando en músicas de todo tipo: por mucho jazz que haya movido, quizás su maniobra con más eco entre el público haya sido la de estrenar al cantante Eddy Grant en disco en España. Aunque llevaba unos años haciendo radio, no fue hasta que le llegó la oferta de TVE (por obra y gracia de Clara Isabel Francia) cuando dejó la discográfica -Movieplay- en la que su trabajo estaba quedando obsoleto por la llegada de las multinacionales. En todo caso, en los vídeos que incluyo más abajo el propio Cifu explica todo esto con más detalle.

El premio es de justicia. Cifu ha sido la puerta al jazz por la que más gente ha pasado en España. Por minoritario que sea el jazz, él ha sido el divulgador más importante que ha tenido esta música en nuestro país. Además, aunque a algunos nos parezca de cajón, Cifu era un candidato improbable en un país tan dado al famoseo y la titulitis: el premio ha sido para alguien nada famoso y hecho a sí mismo como crítico y comentarista de una música que además es marginal.

Yo me alegro por él y por su familia, por la satisfacción que tiene que suponer el saber que tus compañeros de gremio se acuerdan de ti, y por las muestras de cariño del público.

Y también me alegro por lo que tiene de instante de visibilidad para el jazz en España, y de reconocimiento de la labor de un puñado de nombres que un buen día de sus vidas pasaron de ser aficionados con más o menos conocimiento de causa, a enfrentarse al folio en blanco o el micrófono, por la razón que fuera, porque querían discos y conciertos gratis, por narcisismo, porque les dieron la oportunidad y no quisieron o no pudieron rechazarla. Los que en su día -cuando no había internet, ni multinacionales del disco con distribución mundial, ni cedés, ni la bibliografía que existe hoy en día- optaron por gastar recursos, energías y horas de sueño en promover esta música. Los que sacaron adelante conciertos, revistas y programas de radio cuando era verdaderamente difícil hacer algo con el jazz en España.

Esto incluye a los que se quemaron por el camino, los que han tirado la toalla, los que bebieron demasiado, los que reseñaron impecablemente conciertos a los que no habían asistido y torpemente bolos que sí presenciaron, los que se han aburrido de oír año tras año tras año la misma cantinela veraniega... en definitiva, los maestros, a su pesar o al nuestro, de quienes hoy pensamos que merece la pena gastar recursos, energías y horas de sueño en difundir y promover el jazz, por sí mismo y como vía para descubrir nuevos mundos musicales.

Brindo por todos ellos y, sobre todo, por el primus inter pares, por el Cifu.

CODA: Mañana viernes toca Martial Solal en el Johnny (en un programa doble compartido con el gran Agustí Fernández). El presentador del evento, si todo sale como debe, va a ser el Cifu, y supongo que el recibimiento que le brindará el respetable será apoteósico. Una ocasión para no perderse, dentro, además, de un ciclo de jazz simplemente in-cre-í-ble organizado por otro héroe de esos que comentaba antes: Alejandro Reyes Domene, "chérif" supremo de la música en el Johnny, de quien Tomajazz publica esta sustanciosa entrevista.

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El Cifu nos cuenta su vida