Ben Young speaks (I)

(Para ir al texto en español pulsa aquí)

Like in any other art forms or specialist areas, as soon as one develops an interest in jazz and starts reading about it, certain names stick to one's mind, even without knowing who they refer to or why they are important. Normally this starts with musicians, but if the beginner's hunger is still what it was when I was getting started (when it wasn't so easy to get hold of things but the music came with art covers and liner notes), one reads everything remotely connected with jazz. I guess things have changed now, but recording credits and liner notes used to make names like Norman Granz, Michael Cuscuna, Rudy Van Gelder or Nat Hentoff part of your jazz vocabulary pretty quickly, depending on what you listened to.

Django '47

(Image from Dave Gould's Guitar Pages)

By way of introduction: about 20 years ago I got for Christmas a Django Reinhardt LP, on GNP/Crescendo (GNP 9039), from a record shop in San Sebastián, Spain... but that's another story. By then I already had three redoubtable CDs with recordings from the 1934-42 period, all of them with Django playing acoustic guitar. In this LP there were some tracks with Django on acoustic, plus Grappelly on violin, but most had him on electric guitar, or more precisely, by the sound of it, an acoustic guitar with an attached pick-up (see picture above).

If Django was fierce enough with the acoustic guitar in the 1930s, with a repertoire rich in covers of Louis Armstrong and Benny Goodman recordings, in the forties amplification and the rapid changes in jazz turned him into a monster.

All of the tracks that made me ruin that old LP are available in the JSP set compiled and remastered by Ted Kendall, Django on the Radio (5 CD, JSP 953) and in Volumes 14 and 15 of the Intégrale on Frémeaux&Associés (FA314 and 315). Spotify users can use this playlist.

With regard to the music, Django is just scary in the fast tunes, not only because he can do those tempos, but because his precision in delivering those eighth notes, not before, not after the right time, but spot on, with superhuman exactitude. Take "Them There Eyes" (YouTube): in a solo better structured than the one on "Belleville" (YouTube), Reinhardt plays some scales so fast, so staccato on acoustic guitar, that he almost puts to shame the articulation, the hand coordination of great electric players like Tal Farlow.

Furthermore this is 1947 and Django was aware of the latest advances in jazz in the States (he'd already been there in person). In "Dinah" (YouTube), for instance, he shows a clear influence from Lester Young and Charlie Christian. In this tune, by the way, Grappelly kind of quotes Ellington's "Rockin' in Rhythm" towards the end of his solo (2:48).

Reinhardt's relationship with Grappelly had cooled by that time, and who knows what on Earth took Django to play like he did in "Tiger Rag" (YouTube), perhaps the most aggressive version he ever recorded. He's very emphatic playing chords behind the violin solo, almost impatient to get in, and in his two solos (both with quotes of "Swanee River" in 0:55 and 2:48) he sounds like he's just about to break the strings. So much urgency makes the tempo rush notably, and towards the end it's almost out of control, with Django breaking through like a steam train (2:32) burning ships, bridges and whatever gets in his way.

But if you want scary, when he grabs his DIY electro-acoustic axe, with its naturally distorted and abrasive sound (does Marc Ribot know about these records?) and the same frantic speed now with an even clearer sound, the intensity is almost surreal. Unless I'm missing something, his solo on "Belleville" (YouTube) makes no sense at all, and I guess that it's the kind of thing it wouldn't have got through to an "official" release. Even so, he gets away with it with plenty of tension and effects like the arpeggios damping the strings in the first half of his second chorus (1:03-1:16)... with that crippled left hand!!!

Let me finish with his Improvisation on a Norwegian Dance by Grieg (YouTube), with some very pretty arpeggios played, again, with that left hand.

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(Detail from a picture by William P. Gottlieb)

A modo de prólogo: hará veinte años me cayó por Reyes un LP GNP/Crescendo de Django Reinhardt (el GNP 9039, obtenido en una tienda de San Sebastián con anécdota que dejo para otra ocasión). Tenía ya tres CDs de dudosa procedencia con grabaciones de, a ojo, entre el 34 y el 42, todas con Django en acústico. En el LP había algunos temas también en acústico con Grappelly al violín, pero aquí casi todos estaban interpretados con una eléctrica, o mejor dicho, por el sonido, con una acústica electrificada (como en la primera foto).

Si Django era un guitarrista fiero con la acústica en los años treinta, con un repertorio levantado en buena parte de Louis Armstrong y Benny Goodman, en los cuarenta la amplificación y la rápida transformación del jazz de la época lo convirtieron en un monstruo temible.

Todos los temas que me hicieron machacar aquel viejo LP están hoy disponibles en el volumen de sus grabaciones radiofónicas que ha recopilado y remasterizado Ted Kendall, Django on the Radio (5 CD, JSP 953) y en los volúmenes 14 y 15 de la Intégrale de Frémeaux&Associés (FA314 y 315). Los usuarios de Spotify pueden usar esta lista.

Musicalmente Django asusta en los temas rápidos, no porque pueda mantener la velocidad, que también, sino porque siempre clava las corcheas en su sitio, ni antes ni después, con una precisión rítmica sobrehumana. Para muestra, "Them There Eyes" (YouTube): en un solo más estructurado que el de "Belleville" (YouTube), el gitano se marca unas escalas tan rápidas, tan en staccato con la acústica, que dejan en evidencia la articulación, la coordinación entre ambas manos, de grandes de la eléctrica como Tal Farlow.

Por otra parte, era ya 1947 y Django había seguido más o menos de cerca la evolución del jazz en EE. UU. (aparte de que a estas alturas ya había estado allí en persona). En "Dinah" (YouTube), por ejemplo, muestra una clara influencia de Lester Young y Charlie Christian. Como curiosidad, hacia el final de su solo en este tema, Grappelly apunta el "Rockin' in Rhythm" de Duke Ellington (2:48).

Para entonces la relación con Grappelly era esporádica y se había enfriado notablemente, y a saber qué demonio le llevó a Django en "Tiger Rag" (YouTube), acaso la versión más agresiva que jamás grabó de este tema. Acompañando está rotundo, casi impaciente por entrar, y en los dos solos (con sendas citas de "Swanee River" en 0:55 y 2:48) está que rompe las cuerdas. Tanta urgencia hace que la interpretación vaya acelerándose y al final ya es un pequeño desmadre, con Django irrumpiendo literalmente como una locomotora (2:32) quemando naves, puentes, y lo que le salga al paso.

Pero si de asustar se trata, cuando agarra su electroacústica de bricolaje, con su sonido distorsionado y abrasivo (¿inspiración para Marc Ribot?) y la misma velocidad ahora aun más nítida, llega a extremos delirantes. A menos que a mí se me escape algo, el solo de "Belleville" (YouTube), por ejemplo, no tiene ni pies ni cabeza; supongo también que es lo que tiene el directo (es un tema grabado en la radio). Aun así se sale con la suya a base de nervio y de efectos como los arpegios apagando las cuerdas de la primera mitad del segundo chorus (1:03-1:16)... ¡¡¡con esa mano atrofiada!!!

Para el final queda la "Improvisación sobre una danza noruega" de Grieg (YoTube), con unos preciosos arpegios interpretados, insisto, con esa mano izquierda.

Hank Jones... con "style"

Marc Myers is doing a sterling job with his blog, JazzWax, in bringing forward "mainstream jazz" - for lack of a better term - and, especially, the people involved in the music. This post is about the three ways to fight Benny Goodman's antics, as told here by Loren Schoenberg, the "yes, sir" way, the desperate "I don't care anymore, I'm not taking any of this" way... and the supremely cool Hank Jones way.

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Marc Myers está haciendo una labor espectacular con su blog JazzWax dando visibilidad a músicos y personalidades del jazz que sin su escaparate seguirían pasando tristemente desapercibidos. (Tristemente para nosotros, se entiende).

En su última entrada, Myers entrevista a Loren Schoenberg, excelente saxofonista, empleado y colaborador de Benny Goodman en la última etapa de su vida y experto en swing y big bands. Y además escribe bien, como prueban sus anotaciones de la caja que dedicó Mosaic a las grabaciones de Woody Herman para Columbia entre 1945 y 1947 (Grammy en 2005 a las mejores anotaciones), y las recientes cajas de Chu Berry, Lionel Hampton, Lester Young y Benny Goodman.

En la entrevista Schoenberg hace referencia a la legendaria vertiente sociópata de la personalidad de Goodman, a cómo le gustaba dar por saco a sus músicos. Schoenberg explica que había tres formas de hacerle frente: la primera, bajar la vista y seguirle la corriente; la segunda, la de los músicos resabiados por experiencias previas, plantarse y adelantarse a los acontecimientos, a veces con beneficios económicos, como en el ejemplo que cuenta del batería Mel Lewis. De esta segunda opción hay cuantiosos ejemplos, con diversos grados de violencia verbal, exabruptos y acaloramientos. Y la tercera, es el método de Hank Jones, tan efectivo como el anterior, pero sin acaloramientos, ni malos gestos... sin ni siquiera articular palabra. En palabras del propio Schoenberg:

"El método de Hank Jones requería el uso de un sombrero. En cuanto Benny ponía alguna cara rara o empezaba a hacer de las suyas, Hank alargaba el brazo para coger un sombrero que solía dejar sobre el piano. Benny notaba el gesto y se calmaba".

Puro Hank Jones... de quien hay que añadir que durante años fue el pianista preferido de Goodman.

EC - Letter to Hawk... from Newk / Carta de Sonny Rollins a Coleman Hawkins

A letter from Sonny Rollins to Coleman Hawkins has been circulating around on the Internet. I first saw it as posted in the Organissimo forums by Chris Albertson (producer, writer, and author of the excellent Bessie), and later transcribed in the Jazz lives blog (although the date on it is actually October 13, not 3, 1962—not just a nerdy detail, you'll see why; see a facsimile here)

The letter is an extraordinary display of respect from Rollins to Hawkins (and rightly so—for starters Hawkins invented Rollins' job), and it speaks loads not only of Rollins' humility but also about the importance of Coleman Hawkins as a jazz figure. He'd been around forever by that time (we're talking Mamie Smith, 1923, as a starting point) but he had managed the ultimate artistic achievement: to be unmistakably himself and, at the same time, to move always forward (or deeper, whichever way you prefer.) One common mistake with giants such as Satchmo, Duke or Hawkins himself is for the listeners to constrain themselves to the Hot Fives, the early forties band or the 1939 "Body and Soul" respectively. In Hawkins' case, his career was extremely consistent throughout, and he did quite a job in the late fifties/early sixties.

A good example to illustrate this could be his take on "I'm Confessin' (that I love you)" as recorded for the Eddie Costa Memorial Concert LP (ColPix CP 450), a 6-minute solo (accompanied by Sonny Clark on piano, Chuck Israels on bass and Roy Haynes on drums), where Hawkins does the kind of tour-de-force that only he could do, rhapsodic, tender and at the same time forceful and virile... in Rollins' words, a man expressing himself with great beauty but never over-sentimental. Hawkins played at this memorial for Costa (who had died months earlier at age 31) because they had worked together: they did a couple of Crown LPs, and they're together in a live recording originally put out by Bob Porter; Hawkins also used Costa's trio (with Henry Grimes on bass and Paul Motian on drums—today an extraordinary but then a rather common line-up, albeit unrecorded as far as I know) for a gig in late 1959 at the Cork'n'Bib in Westbury, NY, which received an enthusiastic review from Dan Morgenstern in the UK's Jazz Journal.

According to John Chilton's biography of Hawk, this king of sax players was very fond of Costa, so much so that he was out of town and flew especially for this memorial concert. As I said, his take on "Confessin'..." does show that fondness.

But going back to Rollins' letter, this recording is quite significant because it's very likely that this is the music that impressed him so much and prompted him to write the letter. Rollins dated the letter October 13, 1962, and the Costa memorial took place at the Village Gate four days before, on October 9...

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Hace unos días Chris Albertson (productor, crítico y autor de la mejor biografía disponible de Bessie Smith) colgó en los foros de Organissimo una copia de la carta que le dirigió Sonny Rollins a Coleman Hawkins el 13 de octubre del 62, que también ha aparecido transcrita en el blog Jazz lives (donde por error aparece fechada el 3 — no es pedantería, ahora explico por qué importa la fecha).

Aquí se puede leer la carta, y esta es la traducción:

10/13/62, P.M.

St. [?] Rollins
195 Willoughby Walk
(Near Grand)
Brooklyn 5, N. Y.

Querido Sr. Hawkins,

¡¡¡Su reciente actuación en el Village Gate ha sido magnífica!!! Aparte de haber mantenido una posición predominante y de liderazgo en el sumamente competitivo campo del "jazz" durante el tiempo en que lo ha hecho, está la cuestión aun más significativa de que tal logro musical, de sobra demostrado, denota y depende del carácter personal y de su integridad.

Ha habido muchos jóvenes con un gran potencial y capacidad demostrada que por desgracia no se han comportado como "HOMBRES" en su vida privada ni sobre el escenario y no han tardado en verse despojados de su capacidad de crear música. Es posible que estos colegas no hayan sido capaces de comprender por qué sus poderes musicales les han abandonado tan súbitamente. O puede ser que supieran qué modos de actuar eran constructivos en vez de destructivos, pero fueron demasiado débiles y no lo bastante hombres como para coger las riendas de sus vidas. Pero cierto es que el carácter, la sabiduría y la virtud son superiores a la "música" en sí misma. Y que el "éxito" depende de la evolución de esas cualidades en cada uno de nosotros. Que el éxito haya sido positivo y duradero para usted, Coleman, es un honor y un reconocimiento nuestro, sus colegas, así como un reconocimiento hacia su persona, ya que usted ha "prendido la llama" de la aspiración en tantos de nosotros y ha sido el máximo representante de la superioridad de la "excelencia en el empeño", de la que es usted, a día de hoy, la clara imagen viviente y el ejemplo a seguir.

Siempre ha sido una ardua tarea plasmar en palabras aquellas cosas que en su naturaleza son las más profundas y significativas. En esta ocasión me ha demostrado por qué he tenido una opinión tan elevada de usted durante tanto tiempo. Buena suerte en sus viajes, y ojalá tenga la suerte de volver a escucharle tocar el saxo tenor en persona.

Atentamente,

Sonny Rollins.

La carta es una extraordinaria muestra de respeto por parte de Rollins hacia Hawk (no en vano éste inventó el oficio de aquél) y dice mucho no sólo de la humildad de Rollins sino de la importancia de Coleman Hawkins como figura del jazz. Para entonces era ya un veterano (llevaba de profesional desde la década de los veinte) pero es de los pocos que logró una de las metas definitivas de las artes: ser inequívocamente uno mismo y ser capaz de evolucionar a la vez. Un error que se comete comúnmente con gigantes como Louis Armstrong, Duke Ellington o el propio Hawkins es limitarse a escuchar, respectivamente, a los Hot Fives & Sevens, la banda de principios de los cuarenta, o el "Body and Soul" de 1939. En el caso de Hawkins, su carrera fue siempre muy consistente, y a finales de los cincuenta y principios de los sesenta estaba en plena forma.

Un ejemplo ilustrativo es su versión de "I'm Confessin' (that I love you)" que quedó plasmada en el LP Eddie Costa Memorial Concert (ColPix CP 450), un solo de seis minutos (con Sonny Clark al piano, Chuck Israels al bajo y Roy Haynes a la batería), en el que Hawkins hace lo que sólo él podía hacer, un solo de gran ternura, pero a la vez épico y viril, un hombre, como dice Rollins, expresándose con gran belleza pero sin caer en el sentimentalismo. Hawkins participó en este concierto de homenaje al pianista y vibrafonista Eddie Costa (que había fallecido el verano anterior a los 31 años) porque habían trabajado juntos: hicieron un par de LP para Crown y están en una grabación en directo publicada originalmente por Bob Porter; Hawkins también reclutó al trío de Costa (con Henry Grimes al bajo y Paul Motian a la batería, una formación extraordinaria pero frecuente, aunque inédita en disco, que yo sepa) para un bolo a finales del 1959 en el Cork'n'Bib de Westbury, NY, que fue objeto de una entusiasta reseña por parte de Dan Morgenstern en el Jazz Journal británico.

Además, según la biografía de Coleman Hawkins de John Chilton, este soberano de los tenores apreciaba mucho a Costa, tanto es así que en la fecha del concierto estaba fuera de Nueva York y cogió expresamente un avión para poder tocar en su homenaje. El aprecio de Hawkins por Costa es lo que trasluce la versión de "Confessin'...".

Volviendo a Rollins, esta grabación es especialmente significativa porque es muy probable que fuera esta música la que le impresionó tanto y le impulsó a escribir la carta. La misiva lleva fecha del 13 de octubre del 1962, y el concierto de homenaje a Costa se celebró en el Village Gate cuatro días antes, el 9 de octubre.

See you in September / Nos vemos en septiembre

(Texto en español más abajo)

I'm taking a short break from this blog and computers in general. As a closing round-up, these are a few things I'd like to comment before I sign off. First, the SAD NEWS: as you know, quite a few musicians have died lately. Johnny Griffin, who at least saw his biography published and was playing till the end (see previous entry), Jo Stafford, Hiram Bullock, drummer, all-round music man and brother-of-Lester, Lee Young...

Someone you may not have heard about is KEITH SHADWICK (1951-2008). I never got the chance to meet him in person, but read him regularly in Jazzwise (he wrote for several media.) His reviews of jazz reissues, especially the ones dodging the EU copyright law or adhering to a not-quite-what-it-says-on-the-tin policy, were informative and humorous at the same time. Shadwick has died three years after he was diagnosed with a rare form of cancer, mesothelioma, which is caused by exposure to asbestos. He campaigned actively to raise awareness of the disease. The fund-raising bash programmed for last Tuesday sadly turned into a wake (Shadwick died the previous week), but it still was conforting to see the upstairs bar at Ronnie's completely packed with friends, musicians, industry people... Should you want to contribute towards research on mesothelioma, and see for yourself a well-known critic's musical ability, Candid Records has released a CD of Shadwick's music - he also played sax - which he started recording in the early 70s and finished earlier this year. Revenues from the sales will help funding research on this form of cancer.

REISSUES: UPTOWN has released a couple of CDs to their regular (and comparatively high) standards, Charlie Parker - Washington D.C. 1948 and Dizzy Gillespie Big Band - Showtime at the Spotlite, 52nd Street, New York City, June 1946. Got them already - will comment later. Same goes for the new SonyBMG collection of affordable reissues. The multiple CD-sets are well worth checking out. Note that all of them are sets that have been repackaged, although the Ellington has four previously unreleased tunes (go figure!) These have happened weeks before it was announced that Sony was buying BMG's stake in their not-so-succesful partnership. About this, a few days ago the editor of a jazz magazine noted the lack of jazz product from SonyBMG. Frankly, I don't expect any changes in that respect... except for the 50th Anniversary edition of Kind of Blue, coming up next year (wanna bet?)

News from the net: Will have to add another site to the list of favourites on the right side of this blog. DONALD CLARKE has his site up and running. He's one of my favourite authors, because he knows A LOT of music and about music, and his writing is as confortable as having an uncle telling you about it, by a nice fire and with a couple of drinks. On top of that, he's uploaded his Rise and Fall of Popular Music (last book I read twice in a row) and his excellent Sinatra bio (as long as you're more interested in the music than on the other stories.)

FINALLY... on August 12th, early in the morning (New York time) you may want to ask yourself where were, fifty years ago, pianists Count Basie, Hank Jones, Jimmy Jones, Marian McPartland, Thelonious Monk, Luckey Roberts, Horace Silver, and Mary Lou Williams; trumpet players Red Allen, Roy Eldridge, Emmett Berry, Buck Clayton, Dizzy Gillespie, Art Farmer, Max Kaminsky, Taft Jordan, Rex Stewart, and Joe Thomas; singers Jimmy Rushing and Maxine Sullivan; saxophonists Bud Freeman, Benny Golson, Johnny Griffin, Gigi Gryce, Coleman Hawkins, Hilton Jefferson, Gerry Mulligan, Rudy Powell, Sonny Rollins, Scoville Browne, Sahib Shihab, Ernie Wilkins and Lester Young; drummers Art Blakey, Sonny Greer, J.C. Heard, Jo Jones, Gene Krupa, Zutty Singleton, and George Wettling; bassists Milt Hinton, Chubby Jackson, Charles Mingus, Oscar Pettiford and Wilbur Ware; trombonists Lawrence Brown, Vic Dickenson, Tyree Glenn, J. C. Higginbotham, Miff Mole, and Dicky Wells; clarinetists Buster Bailey and Pee Wee Russell; and violinist Stuff Smith. As you probably guessed, they were all together in Harlem, around number 17, East 126th Street, New York, NY, in front of Art Kane's camera, for the most spectacular reunion of jazz talent that ever happened. See more about it here.

See you in September.

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Me voy a tomar un breve paréntesis del blog y de ordenadores en general. A modo de repaso, éstas son algunas de las cosas que quería comentar antes de desconectar. En primer lugar, las MALAS NOTICIAS: como es bien sabido, últimamente han fallecido unos cuantos músicos. Johnny Griffin, que al menos vio publicada su biografía y no dejó de tocar hasta el final (véase la entrada correspondiente), Jo Stafford, Hiram Bullock... y Lee Young, batería, productor y hermano de Lester Young.

KEITH SHADWICK (1951-2008) es alguien de quien quizás no se haya hablado en los medios en español. No llegué a conocerle en persona, pero le leía regularmente en la revista británica Jazzwise (trabajaba para diversos medios). Sus reseñas de reediciones de jazz solían combinar información y retranca de forma admirable, sobre todo las de los discos de dudoso cumplimiento de la legislación europea sobre derechos de reproducción y aquellos cuyo contenido no coincide con lo que se dice en la portada. En España quizás haya a quien le suene por ser el autor de la enciclopedia que se podía adquirir en fascículos con la compra de la Verve Collection que puso en circulación Time-Life hacia 1999. Shadwick ha fallecido tres años después de que le diagnosticaran un mesotelioma, una extraña forma de cáncer de pulmón causada por la exposición al asbesto; desde su diagnóstico, Shadwick hizo campaña para concienciar el público sobre esta enfermedad. Lo que se había programado como una gala de recaudación de fondos para el pasado martes, se convirtió en un homenaje póstumo, ya que Shadwick falleció la semana anterior). Aun así resultó reconfortante ver la sala del primer piso del Ronnie Scott's repleta de amigos, músicos y gente del sector... Para todo el que quiera contribuir a esta causa, o aunque sólo sea por comprobar las habilidades musicales de un crítico, Candid Records ha publicado un CD con música de Shadwick (también tocaba el saxo) que empezó a grabar a principios de los 70 y que finalizó a principios de este año. La recaudación por la venta del CD va destinada a la investigación sobre esta forma de cáncer.

REEDICIONES: UPTOWN ha publicado un par de discos a su nivel habitual (altísimo, en comparación con otros sellos), Charlie Parker - Washington D.C. 1948 y Dizzy Gillespie Big Band - Showtime at the Spotlite, 52nd Street, New York City, June 1946. Ya los tengo, los comentaré más adelante. Lo mismo va para la nueva serie de reediciones baratas de SonyBMG. Los diversos CDs que componen la serie bien merecen una cata. Téngase en cuenta que todos son, en realidad, cajas ya publicadas y ahora reenvasadas, aunque la de Duke Ellington contiene cuatro temas inéditos (¡que me aspen!) Estos CDs han salido al mercado semanas antes del reciente anuncio de la compra por Sony de la parte de BMG en la sociedad que habían formado, sin demasiado éxito, ambos gigantes mediáticos. A este respecto, el director de una revista de jazz británica comentaba hace unos días la falta de producto de jazz de SonyBMG en el último año y medio. Francamente, yo no espero que las cosas cambien con la nueva situación... seguirá habiendo poca cosa, salvo la edición especial por el 50º aniversario de Kind of Blue, que se publicará el año que viene (¿qué nos jugamos?)

Novedades en Internet: tengo que añadir un nuevo website a la lista de favoritos que hay a la derecha de este blog. DONALD CLARKE ya tiene su site en marcha. Es uno de mis autores favoritos, porque conoce un montón de música, y la conoce a fondo, y además su forma de escribir es comodísima de leer, como si uno estuviera sentado con su tío favorito y éste le contara historias junto a un buen fuego, con un par de copas. Además, ha subido a su website sus libros (en inglés) Rise and Fall of Popular Music (Auge y caída de la música popular, el último libro que me he leído dos veces seguidas) y su excelente biografía de Frank Sinatra (para lectores más interesados en cuestiones musicales que de otra índole).

PARA TERMINAR... el 12 de agosto, por la mañana temprano (hora de Nueva York) puede preguntarse uno dónde andaban hace cincuenta años los pianistas Count Basie, Hank Jones, Jimmy Jones, Marian McPartland, Thelonious Monk, Luckey Roberts, Horace Silver y Mary Lou Williams; los trompetistas Red Allen, Roy Eldridge, Emmett Berry, Buck Clayton, Dizzy Gillespie, Art Farmer, Max Kaminsky, Taft Jordan, Rex Stewart y Joe Thomas; los cantantes Jimmy Rushing y Maxine Sullivan; los saxofonistas Bud Freeman, Benny Golson, Johnny Griffin, Gigi Gryce, Coleman Hawkins, Hilton Jefferson, Gerry Mulligan, Rudy Powell, Sonny Rollins, Scoville Browne, Sahib Shihab, Ernie Wilkins y Lester Young; los baterías Art Blakey, Sonny Greer, J.C. Heard, Jo Jones, Gene Krupa, Zutty Singleton y George Wettling; los bajistas Milt Hinton, Chubby Jackson, Charles Mingus, Oscar Pettiford y Wilbur Ware; los trombonistas Lawrence Brown, Vic Dickenson, Tyree Glenn, J. C. Higginbotham, Miff Mole y Dicky Wells; los clarinetistas Buster Bailey y Pee Wee Russell; y el violinista Stuff Smith. Como habrá supuesto, estaban todos juntos en Harlem, reunidos ante el 17 de East 126th Street de Nueva York, posando para la cámara de Art Kane, en la mayor reunión de talentos del jazz jamás ocurrida (véase la foto más arriba). Más información, aquí (en inglés).

Nos vemos en septiembre.

EC - House of Blue Lights... for $700!!!

(Texto en español más abajo)

I recently read in the San Francisco Gate a story about the Groove Yard Records shop in Oakland (California) and their LP sales. This caught my attention:

The most expensive album [owner Rick] Ballard ever sold was "House of Blue Lights" by '50s bebop pianist Eddie Costa - $700.

I've been doing some research on Eddie Costa's discography for a while now (which I hope to finish and publish soon), and I know this album very well. So, let me introduce you to it and its author.

Costa was, first and foremost, a pianist, although quite a few people remember him as a vibist (he's also on record playing organ and assorted percussion, including bells.) He had a very active career between 1954 and 1962, both playing jazz and as a studio hand, till he died at 31 in a car accident. As a pianist he had a fierce attack, and was famous for diving into the lower register of the piano, sometimes playing as if it were a set of vibes, not entirely different from Lionel Hampton's two-fingered style (although Costa played octaves with his left hand.) Beyond that quite compelling feature, there's a soloist with a knack for long, fluid improvised lines, devoid of clichés or licks.

Although he recorded a lot (I have him in 150 LPs and counting) he only did four and a half albums as a leader, for Jubilee (The Eddie Costa-Vinnie Burke Trio, 1956), for Mode (Eddie Costa Quintet, 1957, with Art Farmer and Phil Woods), for Verve (half of a Newport album, 1957, with Dick Johnson and Rolf Kühn), for Coral (Guys and Dolls Play Vibes, 1957, Costa on vibes and Bill Evans on piano), and for Dot (House of Blue Lights, 1959).

The Dot album is undoubtedly his best. Not only he had widened his resources, but he was also using the whole range of the piano and was producing more structured solos. It got four stars in Down Beat at the time, and deservedly so: it's a great album, that points to a personal direction beyond bop that would get truncated all too soon.

So, House... is very good indeed, but $700!!! (I've seen it go on eBay for anywhere from $9.99 to over $400, depending on its condition.) This however, only applies to the mono edition, which has never been reissued on any form. The Japanese have reissued this album on LP and CD, but it has been always the stereo version, not the mono.

Thus, the mono version (Dot DLP 3206) can only be a first edition. That makes it scarcer and therefore expensive. To my ears, the mono version sounds better balanced than the stereo... but there's one more detail: the mono and stereo versions are slightly different.

Thanks to the good people of the Institute of Jazz Studies, I was able to compare both versions, the original mono and a stereo reissue. The music in all tracks is exactly the same, except for the tunes "Diane" and "Annabelle".

"Annabelle" is a blues in G by Costa, with a very interesting riff from around 1:40 that starts with Db (the flatted fifth) and it's built on the augmented scale of G (B, Db, Eb and F.) The mono and stereo versions are identical, except for the short chordal intro, which is missing from the stereo. Check the YouTube videos below to see the difference.

The other track, "Diane", is an obscure 1927 song from the film Seventh Heaven, which had been previously done by Miles Davis (with Trane in the 1956 Steamin' LP for Prestige) among others. Here it has quite an interesting arrangement, possibly by Eddie himself. It has seven choruses, it's book-ended by a chorus with bass and drums playing free-ish (remember this is 1959, the year Ornette got to New York), very fast and Costa doing the melody in a kind of half-time; in the middle it alternates three "4/4 swing" and two "stop-time" choruses. Here, the stereo version is missing a full "4/4 swing" chorus, (32 bars, about half a minute) and the reason seems to be that Costa hit a clam: at the beginning of the swing chorus he starts playing as if it were the end chorus, he realises his mistake, switches to the correct gear and seems to struggle a bit. The YouTube links below should illustrate this better than my words, and if you listen to the stereo "Diane", you'll probably notice the tape-splicing.

But don't let any of this bother you: this is excellent music, well worth checking out.

Annabelle (stereo)


Annabelle (intro, mono; 0:08-0:14)

Diane (chorus V-(VI)-VII, stereo)  

  Diane (chorus V-VI-VII, mono)

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Hace poco leí en el San Francisco Gate una crónica sobre la tienda de discos de Oakland (California, EE. UU.) Groove Yard Records y sobre cómo siguen vendiendo vinilo. Lo que me llamó la atención fue lo siguiente:

El álbum más caro que ha vendido [el dueño Rick] Ballard ha sido "House of Blue Lights" del pianista de bop de los cincuenta Eddie Costa - $700.

Llevo un tiempo investigando la discografía de Eddie Costa (que espero terminar pronto), y conozco muy bien este disco. Con su permiso, les presento al disco y a su autor.

Costa fue, principalmente, un pianista, aunque unos cuantos le recuerdan más como vibrafonista (también ha grabado al órgano y todo tipo de percusiones, incluidas las campanas). Tuvo una carrera muy activa entre 1954 y 1962, tocando jazz y como músico de sesión, hasta su muerte a los 31, víctima de un accidente automovilístico. Como pianista gozaba de un fiero ataque, y era conocido por lanzarse al registro bajo del piano, tocándolo a veces como si fuera el vibráfono, de forma no muy distinta a como lo hacía Lionel Hampton con dos dedos (aunque Costa tocaba octavas con su mano izquierda). Más allá de esa característica tan llamativa, no obstante, existe un solista con querencia por las líneas improvisadas largas y fluidas, exentas de clichés o frases hechas.

Aunque grabó muchísimo (me consta su presencia en más de 150 LPs y subiendo), sólo hizo cuatro LPs y medio como líder, para Jubilee (The Eddie Costa-Vinnie Burke Trio, 1956), para Mode (Eddie Costa Quintet, 1957, con Art Farmer y Phil Woods), para Verve (medio disco de Newport, de 1957, con Dick Johnson y Rolf Kühn), para Coral (Guys and Dolls Play Vibes, de 1957, con Costa al vibráfono y Bill Evans al piano) y para Dot (House of Blue Lights, de 1959).

El disco para Dot es, sin duda, el mejor que hizo. Para entonces había ampliado sus recursos como intérprete, usando toda la tesitura del piano y dotando de gran solidez estructural a sus solos. En su momento recibió cuatro estrellas en la revista Down Beat, y con razón. Es un gran disco, que apunta a una vía personal más allá del bop que se truncaría demasiado pronto.

Así que House... es de veras muy bueno, pero ¡¡¡$700!!! (yo lo he visto venderse en eBay por precios que oscilan entre $9.99 y más de $400, según su estado.) Esto, no obstante, sólo es válido para la versión mono, jamás reeditada. Los japoneses han reeditado el disco muchas veces, tanto en LP como en CD, pero siempre ha sido la versión en estéreo, no la mono.

Así pues, la versión mono (Dot DLP 3206) sólo puede ser original, no reedición, lo cual la hace más escasa y cara. Personalmente, me gusta más cómo suena la mono... pero hay un detalle añadido: las versiones mono y estéreo son levemente distintas.

Gracias a los buenos oficios del Instituto de Estudios de Jazz, pude comparar ambas versiones, la original mono y una reedición estéreo. La música en todos los temas es exáctamente idéntica, salvo en los temas "Diane" y "Annabelle". "Annabelle" es un blues en Sol compuesto por Costa, con un riff muy interesante a partir de 1:40 que comienza con un re bemol (la quinta disminuida) y está construído sobre la escala aumentada de sol (si, re bemol, mi bemol y fa). Las versiones en mono y estéreo son idénticas, salvo por la breve introducción de acordes del piano, que falta en la versión en estéreo. En los vídeos de YouTube se aprecia la diferencia.

El otro tema, "Diane", es una olvidada canción de 1927, de la película El 7º Cielo, que contaba con una versión anterior a cargo de Miles Davis (con Coltrane en el disco de 1956 para Prestige, Steamin'). En esta versión el arreglo es muy interesante, posiblemente del propio Eddie. Son siete chorus, enmarcados por dos en los que el bajo y la batería tocan bastante free (recuérdese que estamos a principios de 1959, el año en que Ornette llegó a Nueva York), muy rápido, mientras Costa hace la melodía casi a media velocidad; en medio se alternan tres chorus en swing a 4/4 y dos de stop time. Aquí, a la versión en estéreo le falta todo un chorus de swing a 4/4 (32 compases, medio minuto) y el motivo parece ser que Costa metió la pata: al principio del chorus de swing se lanza a tocar el tema como correspondería al chorus final, se da cuenta de su error, cambia a la marcha correcta y parece que no acaba de hilar su solo. Los vídeos de YouTube deberían ilustrar todo esto mejor que mis palabras. Y si se escucha "Diane" en estéreo a suficiente volumen, creo que se oye el corte de la cinta.

En todo caso, todo esto son detalles que no empeoran un disco excepcional que bien merece la pena catar.