Thad Jones/Mel Lewis Orchestra All My Yesterdays

THE THAD JONES/MEL LEWIS ORCHESTRA
All My Yesterdays: The Debut 1966 Recordings at the Village Vanguard
(2 CD + libro de 87 págs.; Resonance HCD-2023)

Thad Jones (tp, fisc, arr, dir); Jimmy Nottingham, Snooky Young*, Jimmy Owens, Bill Berry, Danny Stiles** (tp);
Bob Brookmeyer* (tb-pist); Garnett Brown, Jack Rains, Tom McIntosh** (tb); Cliff Heather (tb-b);
Jerome Richardson, Jerry Dodgion (sa, cl, f); Joe Farrell (st, cl, f); Eddie Daniels (st, cl);
Marv “Doc” Holliday*, Pepper Adams** (sbar);
Hank Jones (p); Sam Herman (g, perc); Richard Davis (b); Mel Lewis (bat).

Grabado el 7 de febrero* y el 21 de marzo** de 1966. Duración: 48:49/77:13

Como un dinosaurio solitario, la Vanguard Jazz Orchestra lleva cincuenta años y unas semanas apareciendo los lunes en el Village Vanguard de Nueva York. Cuando salió del cascarón, el primer lunes de febrero de 1966, Basie, Ellington, Woody Herman y Stan Kenton aún vagaban por el planeta.

Buena parte de lo que sonó en aquel santuario de Manhattan aquel lejano lunes —y el de seis semanas después— se puede revisitar ahora en cedé gracias, por partida doble, a Resonance Records: por una parte porque esa es la discográfica que lo ha publicado y, por otra, porque su presidente, George Klabin, fue el chaval que, con 19 años, grabó a la banda in situ. 

Felices fiestas y una recomendación

Parte de mis primos y lectores, los del hemisferio Sur, están a punto de celebrar el solsticio de verano, no de invierno (¡envidia!), y el fin del año no es más que una convención, pero sea porque los días acortan en esta parte del mundo, o porque la mayoría de nosotros libramos en el trabajo, o por motivos culturales, este sí es un tiempo de reflexión. Así que celebre lo que celebre, felicidades y parabienes.

No tenía intención de recomendar ninguna música para estas fechas. Hay un montón de listas con lo mejor del año, además de toda la farfolla navideña. Sería casi como añadir más empalago a todo lo que se nos embute en el gaznate. 

Pero entonces me topé con el vídeo sobre Bob Brookmeyer (véase la entrada anterior), y de pronto sonó el inconfundible Jack Teagarden. Con cuerdas. En un disco que desconocía por completo. Tiene la voz y el trombón de Teagarden, arreglos de Brookmeyer, Russ Case y Claus Ogerman y, sorprendentemente, los temas son de Willard Robison, autor menos conocido que algunas de sus composiciones, como "Old Folks" o "Cottage for Sale".

El disco en cuestión es Think Well of Me (Verve V6 8465 en estéreo, V-8465 en mono) grabado y publicado en 1962. Se reeditó en 1998 como edición limitada en CD (Verve 314 557 101-2, por ahí rondan ejemplares de segunda mano), y también está en Spotify. En YouTube están también todos los temas, con los que he armado esta lista:

Jack Teagarden - Think Well of Me en YouTube

Pasenlo bien, mis mejores deseos para 2014, y nos "vemos" entonces.

BG en el CH: 75 años y aún sin una grabación completa... por poco tiempo

(De izquierda a derecha: Gene Krupa, Babe Russin, Allan Reuss, George Koenig, Red Ballard, BG, Vernon Bown, Art Rollini en el Carnegie Hall, el 16 de enero de 1938)

El próximo miércoles 16 se celebra el 75º aniversario del famoso concierto de Benny Goodman en el Carnegie Hall de Nueva York. Tuvo lugar en una gélida noche de domingo, en la que los alrededores del auditorio estaban abarrotados de gente (con todo el papel vendido, incluso se acomodó a parte del público sobre el escenario), manifestantes a favor de Franco (estábamos en plena Guerra Civil) lanzaban proclamas contra Goodman, que había contribuido a la recaudación de fondos para el bando republicano un mes antes... Fue, en definitiva, una ocasión histórica y la música estuvo a la altura.

CBS 450983

Este concierto es uno de mis discos favoritos desde hace más de veinte años, cuando me compré la primera reedición que hizo en CD el sello Columbia (en Europa como CBS) en mi primera visita a Londres. En aquellos tiempos tenía pocos discos y éste se convirtió en uno de esos que uno se sabe de memoria. No me importó la calidad de sonido, regularcilla: era un documento histórico y parte de la música me pareció, y me sigue pareciendo, excelente, desde el contemplativo solo de Jess Stacy en "Sing, Sing, Sing", el electrizante  break de Krupa en "Don't Be That Way", el tenor de Lester Young en "Honeysuckle Rose", los desbocados arpegios de Lionel Hampton al final de "I Got Rhythm" o la incendiaria trompeta de Ziggy Elman al final de "Swingtime in the Rockies".

¿Qué regalar? A la rica caja...

Estamos casi a finales de año y, fiel al espíritu de servicio público del personal de este blog, vamos a repasar las novedades en ese tipo de artefacto tan afecto para los aficionados al jazz: la caja.

Hace unos días, Elvis Costello salió en las noticias porque en su blog criticó abiertamente a la discográfica que ha publicado una caja con grabaciones suyas a causa de su precio de venta al público, que considera “una errata o una sátira… un bulo muy elaborado”. Esta caja incluye un cedé, un DVD y un disco de vinilo de 10", y lo cierto es que no hemos conseguido verla por menos de $200.

Lo que el Sr. MacManus recomendaba comprar, en lugar de su propio producto, es un hermoso estuche de Louis Armstrong titulado Ambassador of Jazz. Da la casualidad de que esta caja estaba agotada en EEUU, y sólo podía conseguirse a través del Museo de Louis Armstrong en Queens (Nueva York), lo cual ha sido una agradable sorpresa para mi estimado colega Ricky Riccardi y sus colegas del museo. Y con razón, además. Los tiempos pueden estar cambiando, pero la publicidad sigue siendo un arma poderosa: como Ricky explica en su blog, el pasado viernes 9 vendieron su último ejemplar de la caja.

De esta historia cabe señalar que ambas cajas, la de Costello y la de Armstrong, han salido bajo el paraguas de Universal. La de Costello viene de la mano de la subsidiaria Hip-O Select, un sello que ha realizado algunas buenas obras, también en el campo del jazz . Sus cajas son de presentación cuidada. De su colección, la que fue un pequeño sueño hecho realidad fue su Stan Getz Quintets: Clef & Norgran Studio Albums.

El motivo es simple: esta edición es la primera jamás publicada en cedé de las grabaciones completas en estudio del primer quinteto de Stan Getz con Bob Brookmeyer y, la verdad, la única con un sonido decente. La música presenta a Stan Getz en forma a principio de los cincuenta, mucho swing, sorpresitas como el cuarteto con Max Roach a la batería y Jimmy Rowles al piano y, especialmente, la presencia de Bob Brookmeyer como solista (el principio de su solo en "Varsity Drag"), compositor ("Rustic Hop") y cerebro musical. La única decepción, especialmente al precio al que suele salir esta recopilación, es un pequeño error: la versión incluida de “Flamingo” es la del At the Shrine, el disco en vivo del quinteto en cuestión, y no la toma en estudio. Hip-O debería haber ofrecido un disco de recambio (como Mosaic hace en las escasas ocasiones en que ha sido necesario), pero no han ido más allá de ofrecer el tema que falta en mp3.

Con respecto a los precios, según nuestra experiencia con un poco de paciencia y vigilancia de ciertas tiendas en internet se suelen lograr frutos. Aun así, nunca viene mal una alternativa para aplacar el deseo de hacer un regalo —a otros o a uno mismo— de una buena caja. Una posible opción viene de Francia.

Universal France acaba de publicar una serie de cinco cajas en las que se recogen las tomas máster de grabaciones de Louis Armstrong, Sidney Bechet, Ella Fitzgerald, Billie Holiday y Charlie Parker. Estas cajas contienen entre 13 y 15 cedés, un librillo de 70 páginas con anotaciones en inglés y francés, datos discográficos completos y fotos bien reproducidas. En cuanto al precio, busquen y juzguen ustedes mismos.



Hasta el momento sólo hemos probado la caja de Ella y la de Bechet. El interés de la primera reside en que reúne todos los másters de la cantante desde el inicio de su carrera hasta su fichaje por el sello Verve, primero con la orquesta de Chick Webb, después al frente de esa misma banda, como solista acompañada por diversos músicos, sus dúos con el pianista Ellis Larkins, y otras golosinas. La segunda es una colección muy completa de los ”American masters” de Bechet, sin sus populares grabaciones realizadas en Francia, como su popular “Petite Fleur”, aunque con una selección de su obra temprana (1923-1932), más algunas en directo (1939-1940 y 1953).

El resto de la serie mantiene su atractivo. La caja de Louis Armstrong abarca el periodo 1925-1945, es decir, desde los Hot Fives y Hot Sevens hasta sus populares discos al frente de una big band, más una selección de su primerísima época con King Oliver, entre otros. El estuche de Charlie Parker contiene cada uno de sus másters, desde su primera grabación con la orquesta de Jay McShann hasta sus discos para Norman Granz, más dos cedés con un surtido de grabaciones radiofónicas y en vivo. Dos discos extraídos de las montañas de este tipo de material disponible de Charlie Parker puede no ser mucho, pero quién se queja.

Como la caja de Bird, la de Billie Holiday también abarca toda su carrera en disco, en este caso desde 1933 a 1959. Su obra completa lleva años disponible en una serie de colecciones diversas, pero disponer de todos los másters en una sola recopilación resulta muy atractivo. Al fin y al cabo, aunque las tomas alternativas pueden ser un documento a veces fascinante, lo cierto es que las tomas máster son las que se publicaron originalmente y las que dejaron su huella en aficionados y músicos en su momento. La única pena de esta edición es que parece haber olvidado incluir una sesión, cuatro temas, del 9 de enero de 1957. Aun así, dados la cantidad de música que sí está incluida y el precio de venta, es un error poco considerable.

Esta serie puede encuadrarse en una ilustre tradición de reediciones de jazz en Francia (EPM, Média7, Classics, Frémeaux...). La mayoría del equipo que ha producido estos “Complete Masters” es el responsable de los discos de Saga Jazz, lo que implica una excelente presentación, tanto gráfica como sonora. Cuando se trata de grabaciones históricas, dada su antigüedad y amplia disponibilidad gracias a la legislación europea, la cuestión del sonido es importante. Preguntamos directamente a los productores de las cajas y nos cuentan que han recurrido a las mejores fuentes disponibles al amparo de la legislación europea que sitúa en el dominio público las grabaciones de más de 50 años, remasterizadas para lograr un contenido homogéneo. Va a merecer la pena estar al tanto de esta serie.

Hoy en día el aficionado a la música tiene algo de pescador en río revuelto, y si algo tiene de positivo esta situación es la reaparición de música que se había ido perdiendo con el paso de los años. La segunda de las “grandes”, Sony, está ofreciendo productos a buen precio en formato de caja. Ya han publicado una amplia serie de “obras completas” (Stan Getz, Dexter Gordon, Wayne Shorter, Mahavishnu, Paul Desmond, Miles Davis, Dave Brubeck, Weather Report, Billie Holiday y otros que pueden verse aquí), pero la que merece una mención especial es la dedicada al trompetista Woody Shaw, por la calidad de la música, su pobre disponibilidad en los últimos años, y el disco extra de música inédita procedente de las sesiones del disco Stepping Stone - Live at Village Vanguard.

Por último, nos guste o no, la serie The Art of the Trio de Brad Mehldau fue uno de los fenómenos más relevantes del jazz de finales de los noventa. Nonesuch ha reunido la serie completa en una caja, a la que ha añadido el disco extra de rigor con material inédito y, en un golpe maestro, anotaciones de unos de los comentaristas de jazz con más enjundia de la blogosfera, el pianista Ethan Iverson, un cebo muy jugoso para quienes ya posean esta música de antemano.

Si piensa en recurrir a cualquiera de estas recomendaciones, recuerde que la buena música es para siempre.

Independientemente de lo que celebre, que tenga un buen final de año, y buena suerte para el siguiente.

PS: Para aficionados a las músicas de vanguardia o quien tenga un mínimo interés en esas músicas, recomendamos encarecidamente un buen vistazo a las rebajas del sello Leo Records.

¿Veinte años no es nada?

Veinte años no es nada, decía el tango, pero la poesía es un reflejo muy polarizado de la realidad, sobre todo teniendo en cuenta que veinte años es el periodo que el Consejo de la UE ha ampliado los derechos sobre las grabaciones fonográficas. En otras palabras y en principio, se acabaron las montañas de reediciones baratas de música originalmente publicada antes de, a día de hoy, 1961. Todo el rock'n'roll clásico —incluido el primer Elvis— volverá a requerir el permiso de los dueños de los másters originales, así como el mejor Sinatra —el del sello Capitol— y todo lo grabado a partir de 1941. Por poner un ejemplo, toda la carrera de Charlie Parker como líder, desde hace años en el dominio público, vuelve a manos de sus propietarios legales.

Eso, en teoría. En la práctica, cualquiera con una conexion a internet puede escuchar prácticamente lo que le apetezca, y gratis. La fidelidad del sonido ha dejado de ser una consideración —vivimos la primera época en la que el estándar dominante, MP3, es peor que el anterior, CD— y entre Spotify, YouTube, los intercambios de ficheros de audio, los blogs que ofrecen descargas, etc., el problema hoy en día, como hemos comentado en alguna ocasión, no es conseguir la música, sino el tiempo para escucharla de forma que nos aproveche mínimamente.

João Gilberto cumple 80

Mañana João Gilberto celebra su 80º cumpleaños. Sería complicado exagerar su importancia dentro de la llamada música popular del siglo XX. Como cantante y como guitarrista es dueño de un toque muy personal, es uno de esos pocos virtuosos cuya habilidad parece simple y carente de esfuerzo, cuando en realidad esconde interminables horas de trabajo obsesivo en busca de la perfección. Aun admitiendo que esto es cuestión de gusto personal, no creo que haya muchos oyentes a los que no les llegue la magia que emana su música. Ojalá disfrute su cumpleaños en paz, ajeno a las manidas "informaciones" de los medios, sobre si tiene un carácter difícil o retraído, y otras cuestiones francamente extrañas (como si el perfil de FaceBook a su nombre era o no realmente suyo).

Hablando de FaceBook, yo sigo haciendo campaña por la reedición oficial de sus tres primeros discos:

A este respecto, el resto del mundo va a tener que seguir esperando la reedición oficial. Como he explicado en otras ocasiones, Gilberto y el sello EMI –propietario de los másters– llevan casi 15 años enzarzados en los juzgados brasileños, lo que ha impedido que el mundo disfrute en condiciones los tres primeros discos del artista. Justo antes de que se retirara del mercado el cedé The Legendary... / O Mito, Time-Life lo publicó en España, con permiso de EMI, como parte de un coleccionable de discos clásicos de jazz de ese sello. Esta reedición, con la portada tintada en azul, sigue apareciendo de vez en cuando en los cajones de rebajas y las tiendas de barato de Londres, e incluso de EEUU.

Para los oyentes impacientes, él!/Cherry Records, un sello británico, ha publicado dos reediciones interesantes de los dos primeros elepés, algo que es completamente legal en la UE y que parece que algunos no acaban de entender al otro lado del charco. Aunque podrían discutirse algunos aspectos de esta cuestión, lo cierto es que en la UE los derechos de reproducción mecánica de esos dos discos, y pronto del tercero, han pasado ya al dominio público.

Entretanto no parece que se estén moviendo mucho las cosas en los juzgados. He encontrado unas cuantas notas al respecto en Terra Magazine, una revista brasileña on line. Este vendría a ser el resumen:

• Se prevé que el Tribunal Supremo de Brasilia haya resuelto en 2011, aunque obviamente no a tiempo del 80º cumpleaños de Gilberto.
• A pesar de los rumores en sentido contrario, EMI afirma que los másters originales están en Brasil.
• Gilberto ha escuchado los másters, pero no los reconoce como originales. Estaría dispuesto a trabajar en una nueva remasterización.
• Según Ricardo Garcia (técnico de la parte de EMI)  se añadió reverb (eco) para lograr un falso estéreo a partir de las grabaciones originales en mono del elepé Chega de Saudade, y se forzaron las frecuencias altas mediante ecualización.
• Según Paulo Jobim, hijo de Antonio Carlos, presente en el caso por la parte de Gilberto, en el máster del CD se favoreció a las cuerdas y la percusión en detrimento de la guitarra y la voz, alterándose el timbre de ésta por un exceso de ecualización.
• Paulo Jobim estuvo presente en las sesiones originales. Al parecer, Gilberto pidió algo sin precedentes, disponer de dos micrófonos, uno para la guitarra y otro para la voz. Es perfeccionista hasta el agobio, a pesar de que las grabaciones se hicieron en vivo, no por partes.
• Al parecer, cuando fueron a publicar The Legendary... / O Mito, EMI/Odeon trató de obtener la autorización de Gilberto para reeditar los elepés en cedé a través del compositor Nelson Motta, pero nunca obtuvieron una respuesta.
• Caetano Veloso, asesor técnico de los abogados de Gilberto, sostiene que la reedición en un soo cedé resta valor al producto y, a la postre, al artista.
• Gilberto también ha denunciado la utilización sin su permiso de una de sus canciones en un anuncio de televisión.

Según esto, y si el dinero no es problema –algo dudoso, aunque sólo sea por la situación de EMI– no debería ser complicado llegar a una solución. Sí que me parece que la idea de Veloso de hacer una reedición en tres cedés por separado no es realista. Para empezar, toda la música cabe en un solo cedé, y además ninguno de los tres elepés originales supera los 30 minutos, lo que haría ese formato prácticamente injustificable al precio normal de un cedé. Hoy en día, para que se venda en condiciones un cedé tiene que resultar verdaderamente atractivo. Será necesaria también una fuerte campaña publicitaria, y quien la lleve a cabo se acordará, seguramente, de las dos aniversarios perdidos, el cincuentenario de la bossa en 2008-9 y ahora, el 80º cumpleaños.

Esperemos que caiga pronto la breva.

¡Y feliz cumpleaños!

João Gilberto, EMI... y nosotros

(English text is here)

Uno de los aspectos más singulares del siglo pasado es lo que ocurrió con la música popular. Podría decirse que partiendo de una forma de expresión tradicional o folk fue ganando en sofisticación artística, a la vez que mantenía su arraigo popular. Mientras se mantuvo esa tensión –hasta algún momento de la segunda mitad del siglo– se generó un gran tesoro de música popular que ha quedado, al menos en parte, preservado. Personalmente creo que la bossa nova es un ejemplo perfecto de ese tesoro.

Hace un par de años, escribí sobre el 50º aniversario de la primera grabación de "Chega de saudade" por João Gilberto, y comentaba el desacuerdo insalvable entre el cantante y guitarrista y la discográfica EMI, propietaria de los másters de los tres primeros discos de Gilberto. En la práctica, el resultado es que nosotros, el público, no tenemos forma de disfrutar como merece estas obras maestras.

En 1990 EMI hizo una reedición encajando los tres elepés, más un single, en un solo cedé. Al parecer Gilberto no fue consultado y con el tiempo se declaró insatisfecho por la calidad de sonido y otras "libertades" que se tomaron al producir el cedé, como el medley de "O Nosso Amor" y "A Felicidade" (discutible, aunque desde un punto de vista musical y temático tiene sentido: estos dos temas no estaban en el elepé original, ambos son versiones de la BSO de la película Orfeo Negro y son los dos únicos temas que tienen una batucada). El cedé en cuestión (O Mito en Brasil, The Legendary... en el resto del mundo) fue descatalogado por orden judicial en 1997 y desde entonces Gilberto y EMI no han conseguido ponerse de acuerdo.

En el año en curso celebraremos el 80º cumpleaños del cantante (el 10 de junio), y además el paso de los derechos de reproducción mecánica de toda esta música al dominio público en Europa (en otras palabras, pista libre para quien quiera reeditarla). Desde el punto de vista de EMI esto puede constituir un serio contratiempo, pero creo de verdad que una reedición hecha con mimo, con buena publicidad y distribución, puede superar a lo que pueda hacer cualquiera con a saber qué fuentes sonoras. De momento, el sello británico él records ha publicado en cedé los dos primeros discos, y los resultados son bastante buenos, para ser justos. El sonido no es perfecto, probablemente está sacado de ejemplares limpios de los elepés, pero mejoran lo que hizo EMI en su día; las anotaciones son amplias e informativas, y además han añadido temas extra que vienen a cuento, versiones de las mismas canciones por otros artistas.

Una de las ventajas de tener esos temas extra es que permiten apreciar mejor el impacto de Gilberto cuando se publicó su “Chega de saudade”. A juzgar por la versión original, de Elizete Cardoso, que tenía ya parte del arreglo clásico de Jobim, la forma de cantar y tocar de Gilberto debió de ser un verdadero golpe para más de uno. De hecho, sabemos que lo fue, y desde nuestro punto de vista de 2011 cabe pensar que todas las críticas de que cantaba desafinado o que era un raro venían de gente muy estrecha de miras. No creo que se les pueda acusar de nada más que de no haber sabido reaccionar ante algo radicalmente nuevo y original (y además les debemos la inspiración de “Desafinado”).

La música de esos tres discos es pura magia. Es uno de los mejores ejemplos del poder conmovedor de la música y una de las cumbresde la música popular del siglo XX en cualquier estilo. La tragedia es que hay mucha gente en el mundo que NUNCA la ha escuchado.

Por eso creo que el Sr. Gilberto y EMI deberían tratar de resolver sus diferencias y reeditar estos discos como se merecen. Si los tres elepés no caben en un cedé (creo que sí caben, incluso con “... Nosso Amor” y “... Felicidade” como temas separados) deberían hacer un doble cedé, con la mejor remasterización posible y un buen libreto explicando esta música y los que la hicieron posible (Gilberto, Jobim, de Moraes, etc.)

Un amigo, también melómano, me preguntó hace poco: “pero ¿esto vendería?”

Sí que venderá. No puede ser de otra manera.

Hasta que ocurra, y si el lector está en Facebook, se agradecerá un "me gusta" en esta página. No le costará nada y quizás contribuya a una buena causa.

***



"Brigas, nunca mais"
(Jobim, de Moraes)

João Gilberto, voz y guitarra
Edmundo Maciel, trombón
Antonio Carlos Jobim, piano y arreglos
Milton Banana, batería
Rubens Bassini, percusión
más cuerdas

23 de enero de 1959

Ben Young speaks (I)

(Para ir al texto en español pulsa aquí)

Like in any other art forms or specialist areas, as soon as one develops an interest in jazz and starts reading about it, certain names stick to one's mind, even without knowing who they refer to or why they are important. Normally this starts with musicians, but if the beginner's hunger is still what it was when I was getting started (when it wasn't so easy to get hold of things but the music came with art covers and liner notes), one reads everything remotely connected with jazz. I guess things have changed now, but recording credits and liner notes used to make names like Norman Granz, Michael Cuscuna, Rudy Van Gelder or Nat Hentoff part of your jazz vocabulary pretty quickly, depending on what you listened to.

Django '47

(Image from Dave Gould's Guitar Pages)

By way of introduction: about 20 years ago I got for Christmas a Django Reinhardt LP, on GNP/Crescendo (GNP 9039), from a record shop in San Sebastián, Spain... but that's another story. By then I already had three redoubtable CDs with recordings from the 1934-42 period, all of them with Django playing acoustic guitar. In this LP there were some tracks with Django on acoustic, plus Grappelly on violin, but most had him on electric guitar, or more precisely, by the sound of it, an acoustic guitar with an attached pick-up (see picture above).

If Django was fierce enough with the acoustic guitar in the 1930s, with a repertoire rich in covers of Louis Armstrong and Benny Goodman recordings, in the forties amplification and the rapid changes in jazz turned him into a monster.

All of the tracks that made me ruin that old LP are available in the JSP set compiled and remastered by Ted Kendall, Django on the Radio (5 CD, JSP 953) and in Volumes 14 and 15 of the Intégrale on Frémeaux&Associés (FA314 and 315). Spotify users can use this playlist.

With regard to the music, Django is just scary in the fast tunes, not only because he can do those tempos, but because his precision in delivering those eighth notes, not before, not after the right time, but spot on, with superhuman exactitude. Take "Them There Eyes" (YouTube): in a solo better structured than the one on "Belleville" (YouTube), Reinhardt plays some scales so fast, so staccato on acoustic guitar, that he almost puts to shame the articulation, the hand coordination of great electric players like Tal Farlow.

Furthermore this is 1947 and Django was aware of the latest advances in jazz in the States (he'd already been there in person). In "Dinah" (YouTube), for instance, he shows a clear influence from Lester Young and Charlie Christian. In this tune, by the way, Grappelly kind of quotes Ellington's "Rockin' in Rhythm" towards the end of his solo (2:48).

Reinhardt's relationship with Grappelly had cooled by that time, and who knows what on Earth took Django to play like he did in "Tiger Rag" (YouTube), perhaps the most aggressive version he ever recorded. He's very emphatic playing chords behind the violin solo, almost impatient to get in, and in his two solos (both with quotes of "Swanee River" in 0:55 and 2:48) he sounds like he's just about to break the strings. So much urgency makes the tempo rush notably, and towards the end it's almost out of control, with Django breaking through like a steam train (2:32) burning ships, bridges and whatever gets in his way.

But if you want scary, when he grabs his DIY electro-acoustic axe, with its naturally distorted and abrasive sound (does Marc Ribot know about these records?) and the same frantic speed now with an even clearer sound, the intensity is almost surreal. Unless I'm missing something, his solo on "Belleville" (YouTube) makes no sense at all, and I guess that it's the kind of thing it wouldn't have got through to an "official" release. Even so, he gets away with it with plenty of tension and effects like the arpeggios damping the strings in the first half of his second chorus (1:03-1:16)... with that crippled left hand!!!

Let me finish with his Improvisation on a Norwegian Dance by Grieg (YouTube), with some very pretty arpeggios played, again, with that left hand.

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(Detail from a picture by William P. Gottlieb)

A modo de prólogo: hará veinte años me cayó por Reyes un LP GNP/Crescendo de Django Reinhardt (el GNP 9039, obtenido en una tienda de San Sebastián con anécdota que dejo para otra ocasión). Tenía ya tres CDs de dudosa procedencia con grabaciones de, a ojo, entre el 34 y el 42, todas con Django en acústico. En el LP había algunos temas también en acústico con Grappelly al violín, pero aquí casi todos estaban interpretados con una eléctrica, o mejor dicho, por el sonido, con una acústica electrificada (como en la primera foto).

Si Django era un guitarrista fiero con la acústica en los años treinta, con un repertorio levantado en buena parte de Louis Armstrong y Benny Goodman, en los cuarenta la amplificación y la rápida transformación del jazz de la época lo convirtieron en un monstruo temible.

Todos los temas que me hicieron machacar aquel viejo LP están hoy disponibles en el volumen de sus grabaciones radiofónicas que ha recopilado y remasterizado Ted Kendall, Django on the Radio (5 CD, JSP 953) y en los volúmenes 14 y 15 de la Intégrale de Frémeaux&Associés (FA314 y 315). Los usuarios de Spotify pueden usar esta lista.

Musicalmente Django asusta en los temas rápidos, no porque pueda mantener la velocidad, que también, sino porque siempre clava las corcheas en su sitio, ni antes ni después, con una precisión rítmica sobrehumana. Para muestra, "Them There Eyes" (YouTube): en un solo más estructurado que el de "Belleville" (YouTube), el gitano se marca unas escalas tan rápidas, tan en staccato con la acústica, que dejan en evidencia la articulación, la coordinación entre ambas manos, de grandes de la eléctrica como Tal Farlow.

Por otra parte, era ya 1947 y Django había seguido más o menos de cerca la evolución del jazz en EE. UU. (aparte de que a estas alturas ya había estado allí en persona). En "Dinah" (YouTube), por ejemplo, muestra una clara influencia de Lester Young y Charlie Christian. Como curiosidad, hacia el final de su solo en este tema, Grappelly apunta el "Rockin' in Rhythm" de Duke Ellington (2:48).

Para entonces la relación con Grappelly era esporádica y se había enfriado notablemente, y a saber qué demonio le llevó a Django en "Tiger Rag" (YouTube), acaso la versión más agresiva que jamás grabó de este tema. Acompañando está rotundo, casi impaciente por entrar, y en los dos solos (con sendas citas de "Swanee River" en 0:55 y 2:48) está que rompe las cuerdas. Tanta urgencia hace que la interpretación vaya acelerándose y al final ya es un pequeño desmadre, con Django irrumpiendo literalmente como una locomotora (2:32) quemando naves, puentes, y lo que le salga al paso.

Pero si de asustar se trata, cuando agarra su electroacústica de bricolaje, con su sonido distorsionado y abrasivo (¿inspiración para Marc Ribot?) y la misma velocidad ahora aun más nítida, llega a extremos delirantes. A menos que a mí se me escape algo, el solo de "Belleville" (YouTube), por ejemplo, no tiene ni pies ni cabeza; supongo también que es lo que tiene el directo (es un tema grabado en la radio). Aun así se sale con la suya a base de nervio y de efectos como los arpegios apagando las cuerdas de la primera mitad del segundo chorus (1:03-1:16)... ¡¡¡con esa mano atrofiada!!!

Para el final queda la "Improvisación sobre una danza noruega" de Grieg (YoTube), con unos preciosos arpegios interpretados, insisto, con esa mano izquierda.

Hank Jones... con "style"

Marc Myers is doing a sterling job with his blog, JazzWax, in bringing forward "mainstream jazz" - for lack of a better term - and, especially, the people involved in the music. This post is about the three ways to fight Benny Goodman's antics, as told here by Loren Schoenberg, the "yes, sir" way, the desperate "I don't care anymore, I'm not taking any of this" way... and the supremely cool Hank Jones way.

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Marc Myers está haciendo una labor espectacular con su blog JazzWax dando visibilidad a músicos y personalidades del jazz que sin su escaparate seguirían pasando tristemente desapercibidos. (Tristemente para nosotros, se entiende).

En su última entrada, Myers entrevista a Loren Schoenberg, excelente saxofonista, empleado y colaborador de Benny Goodman en la última etapa de su vida y experto en swing y big bands. Y además escribe bien, como prueban sus anotaciones de la caja que dedicó Mosaic a las grabaciones de Woody Herman para Columbia entre 1945 y 1947 (Grammy en 2005 a las mejores anotaciones), y las recientes cajas de Chu Berry, Lionel Hampton, Lester Young y Benny Goodman.

En la entrevista Schoenberg hace referencia a la legendaria vertiente sociópata de la personalidad de Goodman, a cómo le gustaba dar por saco a sus músicos. Schoenberg explica que había tres formas de hacerle frente: la primera, bajar la vista y seguirle la corriente; la segunda, la de los músicos resabiados por experiencias previas, plantarse y adelantarse a los acontecimientos, a veces con beneficios económicos, como en el ejemplo que cuenta del batería Mel Lewis. De esta segunda opción hay cuantiosos ejemplos, con diversos grados de violencia verbal, exabruptos y acaloramientos. Y la tercera, es el método de Hank Jones, tan efectivo como el anterior, pero sin acaloramientos, ni malos gestos... sin ni siquiera articular palabra. En palabras del propio Schoenberg:

"El método de Hank Jones requería el uso de un sombrero. En cuanto Benny ponía alguna cara rara o empezaba a hacer de las suyas, Hank alargaba el brazo para coger un sombrero que solía dejar sobre el piano. Benny notaba el gesto y se calmaba".

Puro Hank Jones... de quien hay que añadir que durante años fue el pianista preferido de Goodman.

EC - Letter to Hawk... from Newk / Carta de Sonny Rollins a Coleman Hawkins

A letter from Sonny Rollins to Coleman Hawkins has been circulating around on the Internet. I first saw it as posted in the Organissimo forums by Chris Albertson (producer, writer, and author of the excellent Bessie), and later transcribed in the Jazz lives blog (although the date on it is actually October 13, not 3, 1962—not just a nerdy detail, you'll see why; see a facsimile here)

The letter is an extraordinary display of respect from Rollins to Hawkins (and rightly so—for starters Hawkins invented Rollins' job), and it speaks loads not only of Rollins' humility but also about the importance of Coleman Hawkins as a jazz figure. He'd been around forever by that time (we're talking Mamie Smith, 1923, as a starting point) but he had managed the ultimate artistic achievement: to be unmistakably himself and, at the same time, to move always forward (or deeper, whichever way you prefer.) One common mistake with giants such as Satchmo, Duke or Hawkins himself is for the listeners to constrain themselves to the Hot Fives, the early forties band or the 1939 "Body and Soul" respectively. In Hawkins' case, his career was extremely consistent throughout, and he did quite a job in the late fifties/early sixties.

A good example to illustrate this could be his take on "I'm Confessin' (that I love you)" as recorded for the Eddie Costa Memorial Concert LP (ColPix CP 450), a 6-minute solo (accompanied by Sonny Clark on piano, Chuck Israels on bass and Roy Haynes on drums), where Hawkins does the kind of tour-de-force that only he could do, rhapsodic, tender and at the same time forceful and virile... in Rollins' words, a man expressing himself with great beauty but never over-sentimental. Hawkins played at this memorial for Costa (who had died months earlier at age 31) because they had worked together: they did a couple of Crown LPs, and they're together in a live recording originally put out by Bob Porter; Hawkins also used Costa's trio (with Henry Grimes on bass and Paul Motian on drums—today an extraordinary but then a rather common line-up, albeit unrecorded as far as I know) for a gig in late 1959 at the Cork'n'Bib in Westbury, NY, which received an enthusiastic review from Dan Morgenstern in the UK's Jazz Journal.

According to John Chilton's biography of Hawk, this king of sax players was very fond of Costa, so much so that he was out of town and flew especially for this memorial concert. As I said, his take on "Confessin'..." does show that fondness.

But going back to Rollins' letter, this recording is quite significant because it's very likely that this is the music that impressed him so much and prompted him to write the letter. Rollins dated the letter October 13, 1962, and the Costa memorial took place at the Village Gate four days before, on October 9...

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Hace unos días Chris Albertson (productor, crítico y autor de la mejor biografía disponible de Bessie Smith) colgó en los foros de Organissimo una copia de la carta que le dirigió Sonny Rollins a Coleman Hawkins el 13 de octubre del 62, que también ha aparecido transcrita en el blog Jazz lives (donde por error aparece fechada el 3 — no es pedantería, ahora explico por qué importa la fecha).

Aquí se puede leer la carta, y esta es la traducción:

10/13/62, P.M.

St. [?] Rollins
195 Willoughby Walk
(Near Grand)
Brooklyn 5, N. Y.

Querido Sr. Hawkins,

¡¡¡Su reciente actuación en el Village Gate ha sido magnífica!!! Aparte de haber mantenido una posición predominante y de liderazgo en el sumamente competitivo campo del "jazz" durante el tiempo en que lo ha hecho, está la cuestión aun más significativa de que tal logro musical, de sobra demostrado, denota y depende del carácter personal y de su integridad.

Ha habido muchos jóvenes con un gran potencial y capacidad demostrada que por desgracia no se han comportado como "HOMBRES" en su vida privada ni sobre el escenario y no han tardado en verse despojados de su capacidad de crear música. Es posible que estos colegas no hayan sido capaces de comprender por qué sus poderes musicales les han abandonado tan súbitamente. O puede ser que supieran qué modos de actuar eran constructivos en vez de destructivos, pero fueron demasiado débiles y no lo bastante hombres como para coger las riendas de sus vidas. Pero cierto es que el carácter, la sabiduría y la virtud son superiores a la "música" en sí misma. Y que el "éxito" depende de la evolución de esas cualidades en cada uno de nosotros. Que el éxito haya sido positivo y duradero para usted, Coleman, es un honor y un reconocimiento nuestro, sus colegas, así como un reconocimiento hacia su persona, ya que usted ha "prendido la llama" de la aspiración en tantos de nosotros y ha sido el máximo representante de la superioridad de la "excelencia en el empeño", de la que es usted, a día de hoy, la clara imagen viviente y el ejemplo a seguir.

Siempre ha sido una ardua tarea plasmar en palabras aquellas cosas que en su naturaleza son las más profundas y significativas. En esta ocasión me ha demostrado por qué he tenido una opinión tan elevada de usted durante tanto tiempo. Buena suerte en sus viajes, y ojalá tenga la suerte de volver a escucharle tocar el saxo tenor en persona.

Atentamente,

Sonny Rollins.

La carta es una extraordinaria muestra de respeto por parte de Rollins hacia Hawk (no en vano éste inventó el oficio de aquél) y dice mucho no sólo de la humildad de Rollins sino de la importancia de Coleman Hawkins como figura del jazz. Para entonces era ya un veterano (llevaba de profesional desde la década de los veinte) pero es de los pocos que logró una de las metas definitivas de las artes: ser inequívocamente uno mismo y ser capaz de evolucionar a la vez. Un error que se comete comúnmente con gigantes como Louis Armstrong, Duke Ellington o el propio Hawkins es limitarse a escuchar, respectivamente, a los Hot Fives & Sevens, la banda de principios de los cuarenta, o el "Body and Soul" de 1939. En el caso de Hawkins, su carrera fue siempre muy consistente, y a finales de los cincuenta y principios de los sesenta estaba en plena forma.

Un ejemplo ilustrativo es su versión de "I'm Confessin' (that I love you)" que quedó plasmada en el LP Eddie Costa Memorial Concert (ColPix CP 450), un solo de seis minutos (con Sonny Clark al piano, Chuck Israels al bajo y Roy Haynes a la batería), en el que Hawkins hace lo que sólo él podía hacer, un solo de gran ternura, pero a la vez épico y viril, un hombre, como dice Rollins, expresándose con gran belleza pero sin caer en el sentimentalismo. Hawkins participó en este concierto de homenaje al pianista y vibrafonista Eddie Costa (que había fallecido el verano anterior a los 31 años) porque habían trabajado juntos: hicieron un par de LP para Crown y están en una grabación en directo publicada originalmente por Bob Porter; Hawkins también reclutó al trío de Costa (con Henry Grimes al bajo y Paul Motian a la batería, una formación extraordinaria pero frecuente, aunque inédita en disco, que yo sepa) para un bolo a finales del 1959 en el Cork'n'Bib de Westbury, NY, que fue objeto de una entusiasta reseña por parte de Dan Morgenstern en el Jazz Journal británico.

Además, según la biografía de Coleman Hawkins de John Chilton, este soberano de los tenores apreciaba mucho a Costa, tanto es así que en la fecha del concierto estaba fuera de Nueva York y cogió expresamente un avión para poder tocar en su homenaje. El aprecio de Hawkins por Costa es lo que trasluce la versión de "Confessin'...".

Volviendo a Rollins, esta grabación es especialmente significativa porque es muy probable que fuera esta música la que le impresionó tanto y le impulsó a escribir la carta. La misiva lleva fecha del 13 de octubre del 1962, y el concierto de homenaje a Costa se celebró en el Village Gate cuatro días antes, el 9 de octubre.

See you in September / Nos vemos en septiembre

(Texto en español más abajo)

I'm taking a short break from this blog and computers in general. As a closing round-up, these are a few things I'd like to comment before I sign off. First, the SAD NEWS: as you know, quite a few musicians have died lately. Johnny Griffin, who at least saw his biography published and was playing till the end (see previous entry), Jo Stafford, Hiram Bullock, drummer, all-round music man and brother-of-Lester, Lee Young...

Someone you may not have heard about is KEITH SHADWICK (1951-2008). I never got the chance to meet him in person, but read him regularly in Jazzwise (he wrote for several media.) His reviews of jazz reissues, especially the ones dodging the EU copyright law or adhering to a not-quite-what-it-says-on-the-tin policy, were informative and humorous at the same time. Shadwick has died three years after he was diagnosed with a rare form of cancer, mesothelioma, which is caused by exposure to asbestos. He campaigned actively to raise awareness of the disease. The fund-raising bash programmed for last Tuesday sadly turned into a wake (Shadwick died the previous week), but it still was conforting to see the upstairs bar at Ronnie's completely packed with friends, musicians, industry people... Should you want to contribute towards research on mesothelioma, and see for yourself a well-known critic's musical ability, Candid Records has released a CD of Shadwick's music - he also played sax - which he started recording in the early 70s and finished earlier this year. Revenues from the sales will help funding research on this form of cancer.

REISSUES: UPTOWN has released a couple of CDs to their regular (and comparatively high) standards, Charlie Parker - Washington D.C. 1948 and Dizzy Gillespie Big Band - Showtime at the Spotlite, 52nd Street, New York City, June 1946. Got them already - will comment later. Same goes for the new SonyBMG collection of affordable reissues. The multiple CD-sets are well worth checking out. Note that all of them are sets that have been repackaged, although the Ellington has four previously unreleased tunes (go figure!) These have happened weeks before it was announced that Sony was buying BMG's stake in their not-so-succesful partnership. About this, a few days ago the editor of a jazz magazine noted the lack of jazz product from SonyBMG. Frankly, I don't expect any changes in that respect... except for the 50th Anniversary edition of Kind of Blue, coming up next year (wanna bet?)

News from the net: Will have to add another site to the list of favourites on the right side of this blog. DONALD CLARKE has his site up and running. He's one of my favourite authors, because he knows A LOT of music and about music, and his writing is as confortable as having an uncle telling you about it, by a nice fire and with a couple of drinks. On top of that, he's uploaded his Rise and Fall of Popular Music (last book I read twice in a row) and his excellent Sinatra bio (as long as you're more interested in the music than on the other stories.)

FINALLY... on August 12th, early in the morning (New York time) you may want to ask yourself where were, fifty years ago, pianists Count Basie, Hank Jones, Jimmy Jones, Marian McPartland, Thelonious Monk, Luckey Roberts, Horace Silver, and Mary Lou Williams; trumpet players Red Allen, Roy Eldridge, Emmett Berry, Buck Clayton, Dizzy Gillespie, Art Farmer, Max Kaminsky, Taft Jordan, Rex Stewart, and Joe Thomas; singers Jimmy Rushing and Maxine Sullivan; saxophonists Bud Freeman, Benny Golson, Johnny Griffin, Gigi Gryce, Coleman Hawkins, Hilton Jefferson, Gerry Mulligan, Rudy Powell, Sonny Rollins, Scoville Browne, Sahib Shihab, Ernie Wilkins and Lester Young; drummers Art Blakey, Sonny Greer, J.C. Heard, Jo Jones, Gene Krupa, Zutty Singleton, and George Wettling; bassists Milt Hinton, Chubby Jackson, Charles Mingus, Oscar Pettiford and Wilbur Ware; trombonists Lawrence Brown, Vic Dickenson, Tyree Glenn, J. C. Higginbotham, Miff Mole, and Dicky Wells; clarinetists Buster Bailey and Pee Wee Russell; and violinist Stuff Smith. As you probably guessed, they were all together in Harlem, around number 17, East 126th Street, New York, NY, in front of Art Kane's camera, for the most spectacular reunion of jazz talent that ever happened. See more about it here.

See you in September.

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Me voy a tomar un breve paréntesis del blog y de ordenadores en general. A modo de repaso, éstas son algunas de las cosas que quería comentar antes de desconectar. En primer lugar, las MALAS NOTICIAS: como es bien sabido, últimamente han fallecido unos cuantos músicos. Johnny Griffin, que al menos vio publicada su biografía y no dejó de tocar hasta el final (véase la entrada correspondiente), Jo Stafford, Hiram Bullock... y Lee Young, batería, productor y hermano de Lester Young.

KEITH SHADWICK (1951-2008) es alguien de quien quizás no se haya hablado en los medios en español. No llegué a conocerle en persona, pero le leía regularmente en la revista británica Jazzwise (trabajaba para diversos medios). Sus reseñas de reediciones de jazz solían combinar información y retranca de forma admirable, sobre todo las de los discos de dudoso cumplimiento de la legislación europea sobre derechos de reproducción y aquellos cuyo contenido no coincide con lo que se dice en la portada. En España quizás haya a quien le suene por ser el autor de la enciclopedia que se podía adquirir en fascículos con la compra de la Verve Collection que puso en circulación Time-Life hacia 1999. Shadwick ha fallecido tres años después de que le diagnosticaran un mesotelioma, una extraña forma de cáncer de pulmón causada por la exposición al asbesto; desde su diagnóstico, Shadwick hizo campaña para concienciar el público sobre esta enfermedad. Lo que se había programado como una gala de recaudación de fondos para el pasado martes, se convirtió en un homenaje póstumo, ya que Shadwick falleció la semana anterior). Aun así resultó reconfortante ver la sala del primer piso del Ronnie Scott's repleta de amigos, músicos y gente del sector... Para todo el que quiera contribuir a esta causa, o aunque sólo sea por comprobar las habilidades musicales de un crítico, Candid Records ha publicado un CD con música de Shadwick (también tocaba el saxo) que empezó a grabar a principios de los 70 y que finalizó a principios de este año. La recaudación por la venta del CD va destinada a la investigación sobre esta forma de cáncer.

REEDICIONES: UPTOWN ha publicado un par de discos a su nivel habitual (altísimo, en comparación con otros sellos), Charlie Parker - Washington D.C. 1948 y Dizzy Gillespie Big Band - Showtime at the Spotlite, 52nd Street, New York City, June 1946. Ya los tengo, los comentaré más adelante. Lo mismo va para la nueva serie de reediciones baratas de SonyBMG. Los diversos CDs que componen la serie bien merecen una cata. Téngase en cuenta que todos son, en realidad, cajas ya publicadas y ahora reenvasadas, aunque la de Duke Ellington contiene cuatro temas inéditos (¡que me aspen!) Estos CDs han salido al mercado semanas antes del reciente anuncio de la compra por Sony de la parte de BMG en la sociedad que habían formado, sin demasiado éxito, ambos gigantes mediáticos. A este respecto, el director de una revista de jazz británica comentaba hace unos días la falta de producto de jazz de SonyBMG en el último año y medio. Francamente, yo no espero que las cosas cambien con la nueva situación... seguirá habiendo poca cosa, salvo la edición especial por el 50º aniversario de Kind of Blue, que se publicará el año que viene (¿qué nos jugamos?)

Novedades en Internet: tengo que añadir un nuevo website a la lista de favoritos que hay a la derecha de este blog. DONALD CLARKE ya tiene su site en marcha. Es uno de mis autores favoritos, porque conoce un montón de música, y la conoce a fondo, y además su forma de escribir es comodísima de leer, como si uno estuviera sentado con su tío favorito y éste le contara historias junto a un buen fuego, con un par de copas. Además, ha subido a su website sus libros (en inglés) Rise and Fall of Popular Music (Auge y caída de la música popular, el último libro que me he leído dos veces seguidas) y su excelente biografía de Frank Sinatra (para lectores más interesados en cuestiones musicales que de otra índole).

PARA TERMINAR... el 12 de agosto, por la mañana temprano (hora de Nueva York) puede preguntarse uno dónde andaban hace cincuenta años los pianistas Count Basie, Hank Jones, Jimmy Jones, Marian McPartland, Thelonious Monk, Luckey Roberts, Horace Silver y Mary Lou Williams; los trompetistas Red Allen, Roy Eldridge, Emmett Berry, Buck Clayton, Dizzy Gillespie, Art Farmer, Max Kaminsky, Taft Jordan, Rex Stewart y Joe Thomas; los cantantes Jimmy Rushing y Maxine Sullivan; los saxofonistas Bud Freeman, Benny Golson, Johnny Griffin, Gigi Gryce, Coleman Hawkins, Hilton Jefferson, Gerry Mulligan, Rudy Powell, Sonny Rollins, Scoville Browne, Sahib Shihab, Ernie Wilkins y Lester Young; los baterías Art Blakey, Sonny Greer, J.C. Heard, Jo Jones, Gene Krupa, Zutty Singleton y George Wettling; los bajistas Milt Hinton, Chubby Jackson, Charles Mingus, Oscar Pettiford y Wilbur Ware; los trombonistas Lawrence Brown, Vic Dickenson, Tyree Glenn, J. C. Higginbotham, Miff Mole y Dicky Wells; los clarinetistas Buster Bailey y Pee Wee Russell; y el violinista Stuff Smith. Como habrá supuesto, estaban todos juntos en Harlem, reunidos ante el 17 de East 126th Street de Nueva York, posando para la cámara de Art Kane, en la mayor reunión de talentos del jazz jamás ocurrida (véase la foto más arriba). Más información, aquí (en inglés).

Nos vemos en septiembre.

EC - House of Blue Lights... for $700!!!

(Texto en español más abajo)

I recently read in the San Francisco Gate a story about the Groove Yard Records shop in Oakland (California) and their LP sales. This caught my attention:

The most expensive album [owner Rick] Ballard ever sold was "House of Blue Lights" by '50s bebop pianist Eddie Costa - $700.

I've been doing some research on Eddie Costa's discography for a while now (which I hope to finish and publish soon), and I know this album very well. So, let me introduce you to it and its author.

Costa was, first and foremost, a pianist, although quite a few people remember him as a vibist (he's also on record playing organ and assorted percussion, including bells.) He had a very active career between 1954 and 1962, both playing jazz and as a studio hand, till he died at 31 in a car accident. As a pianist he had a fierce attack, and was famous for diving into the lower register of the piano, sometimes playing as if it were a set of vibes, not entirely different from Lionel Hampton's two-fingered style (although Costa played octaves with his left hand.) Beyond that quite compelling feature, there's a soloist with a knack for long, fluid improvised lines, devoid of clichés or licks.

Although he recorded a lot (I have him in 150 LPs and counting) he only did four and a half albums as a leader, for Jubilee (The Eddie Costa-Vinnie Burke Trio, 1956), for Mode (Eddie Costa Quintet, 1957, with Art Farmer and Phil Woods), for Verve (half of a Newport album, 1957, with Dick Johnson and Rolf Kühn), for Coral (Guys and Dolls Play Vibes, 1957, Costa on vibes and Bill Evans on piano), and for Dot (House of Blue Lights, 1959).

The Dot album is undoubtedly his best. Not only he had widened his resources, but he was also using the whole range of the piano and was producing more structured solos. It got four stars in Down Beat at the time, and deservedly so: it's a great album, that points to a personal direction beyond bop that would get truncated all too soon.

So, House... is very good indeed, but $700!!! (I've seen it go on eBay for anywhere from $9.99 to over $400, depending on its condition.) This however, only applies to the mono edition, which has never been reissued on any form. The Japanese have reissued this album on LP and CD, but it has been always the stereo version, not the mono.

Thus, the mono version (Dot DLP 3206) can only be a first edition. That makes it scarcer and therefore expensive. To my ears, the mono version sounds better balanced than the stereo... but there's one more detail: the mono and stereo versions are slightly different.

Thanks to the good people of the Institute of Jazz Studies, I was able to compare both versions, the original mono and a stereo reissue. The music in all tracks is exactly the same, except for the tunes "Diane" and "Annabelle".

"Annabelle" is a blues in G by Costa, with a very interesting riff from around 1:40 that starts with Db (the flatted fifth) and it's built on the augmented scale of G (B, Db, Eb and F.) The mono and stereo versions are identical, except for the short chordal intro, which is missing from the stereo. Check the YouTube videos below to see the difference.

The other track, "Diane", is an obscure 1927 song from the film Seventh Heaven, which had been previously done by Miles Davis (with Trane in the 1956 Steamin' LP for Prestige) among others. Here it has quite an interesting arrangement, possibly by Eddie himself. It has seven choruses, it's book-ended by a chorus with bass and drums playing free-ish (remember this is 1959, the year Ornette got to New York), very fast and Costa doing the melody in a kind of half-time; in the middle it alternates three "4/4 swing" and two "stop-time" choruses. Here, the stereo version is missing a full "4/4 swing" chorus, (32 bars, about half a minute) and the reason seems to be that Costa hit a clam: at the beginning of the swing chorus he starts playing as if it were the end chorus, he realises his mistake, switches to the correct gear and seems to struggle a bit. The YouTube links below should illustrate this better than my words, and if you listen to the stereo "Diane", you'll probably notice the tape-splicing.

But don't let any of this bother you: this is excellent music, well worth checking out.

Annabelle (stereo)


Annabelle (intro, mono; 0:08-0:14)

Diane (chorus V-(VI)-VII, stereo)  

  Diane (chorus V-VI-VII, mono)

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Hace poco leí en el San Francisco Gate una crónica sobre la tienda de discos de Oakland (California, EE. UU.) Groove Yard Records y sobre cómo siguen vendiendo vinilo. Lo que me llamó la atención fue lo siguiente:

El álbum más caro que ha vendido [el dueño Rick] Ballard ha sido "House of Blue Lights" del pianista de bop de los cincuenta Eddie Costa - $700.

Llevo un tiempo investigando la discografía de Eddie Costa (que espero terminar pronto), y conozco muy bien este disco. Con su permiso, les presento al disco y a su autor.

Costa fue, principalmente, un pianista, aunque unos cuantos le recuerdan más como vibrafonista (también ha grabado al órgano y todo tipo de percusiones, incluidas las campanas). Tuvo una carrera muy activa entre 1954 y 1962, tocando jazz y como músico de sesión, hasta su muerte a los 31, víctima de un accidente automovilístico. Como pianista gozaba de un fiero ataque, y era conocido por lanzarse al registro bajo del piano, tocándolo a veces como si fuera el vibráfono, de forma no muy distinta a como lo hacía Lionel Hampton con dos dedos (aunque Costa tocaba octavas con su mano izquierda). Más allá de esa característica tan llamativa, no obstante, existe un solista con querencia por las líneas improvisadas largas y fluidas, exentas de clichés o frases hechas.

Aunque grabó muchísimo (me consta su presencia en más de 150 LPs y subiendo), sólo hizo cuatro LPs y medio como líder, para Jubilee (The Eddie Costa-Vinnie Burke Trio, 1956), para Mode (Eddie Costa Quintet, 1957, con Art Farmer y Phil Woods), para Verve (medio disco de Newport, de 1957, con Dick Johnson y Rolf Kühn), para Coral (Guys and Dolls Play Vibes, de 1957, con Costa al vibráfono y Bill Evans al piano) y para Dot (House of Blue Lights, de 1959).

El disco para Dot es, sin duda, el mejor que hizo. Para entonces había ampliado sus recursos como intérprete, usando toda la tesitura del piano y dotando de gran solidez estructural a sus solos. En su momento recibió cuatro estrellas en la revista Down Beat, y con razón. Es un gran disco, que apunta a una vía personal más allá del bop que se truncaría demasiado pronto.

Así que House... es de veras muy bueno, pero ¡¡¡$700!!! (yo lo he visto venderse en eBay por precios que oscilan entre $9.99 y más de $400, según su estado.) Esto, no obstante, sólo es válido para la versión mono, jamás reeditada. Los japoneses han reeditado el disco muchas veces, tanto en LP como en CD, pero siempre ha sido la versión en estéreo, no la mono.

Así pues, la versión mono (Dot DLP 3206) sólo puede ser original, no reedición, lo cual la hace más escasa y cara. Personalmente, me gusta más cómo suena la mono... pero hay un detalle añadido: las versiones mono y estéreo son levemente distintas.

Gracias a los buenos oficios del Instituto de Estudios de Jazz, pude comparar ambas versiones, la original mono y una reedición estéreo. La música en todos los temas es exáctamente idéntica, salvo en los temas "Diane" y "Annabelle". "Annabelle" es un blues en Sol compuesto por Costa, con un riff muy interesante a partir de 1:40 que comienza con un re bemol (la quinta disminuida) y está construído sobre la escala aumentada de sol (si, re bemol, mi bemol y fa). Las versiones en mono y estéreo son idénticas, salvo por la breve introducción de acordes del piano, que falta en la versión en estéreo. En los vídeos de YouTube se aprecia la diferencia.

El otro tema, "Diane", es una olvidada canción de 1927, de la película El 7º Cielo, que contaba con una versión anterior a cargo de Miles Davis (con Coltrane en el disco de 1956 para Prestige, Steamin'). En esta versión el arreglo es muy interesante, posiblemente del propio Eddie. Son siete chorus, enmarcados por dos en los que el bajo y la batería tocan bastante free (recuérdese que estamos a principios de 1959, el año en que Ornette llegó a Nueva York), muy rápido, mientras Costa hace la melodía casi a media velocidad; en medio se alternan tres chorus en swing a 4/4 y dos de stop time. Aquí, a la versión en estéreo le falta todo un chorus de swing a 4/4 (32 compases, medio minuto) y el motivo parece ser que Costa metió la pata: al principio del chorus de swing se lanza a tocar el tema como correspondería al chorus final, se da cuenta de su error, cambia a la marcha correcta y parece que no acaba de hilar su solo. Los vídeos de YouTube deberían ilustrar todo esto mejor que mis palabras. Y si se escucha "Diane" en estéreo a suficiente volumen, creo que se oye el corte de la cinta.

En todo caso, todo esto son detalles que no empeoran un disco excepcional que bien merece la pena catar.