31/12/2008

Coming up.../Próximamente...

(This is a pictureless post. I'm sure you'll manage through it.)

Although next year looks like it's going to be tough moneywise, there are a few things I'm really looking forward to.

In music, I've heard a few upcoming records that have made me rekindle my love for the guitar, one by a veteran and two by newcomers. The veteran is JOHN SCOFIELD, whose next album will probably take a few people by surprise, but not all of us. He takes a detour from instrumental jazz towards the riches from south of the Mason-Dixon line: a lot of funky blues, church music, nods to BB King, and swampy guitars (through a Leslie?) in a CD that, if it gets toured, will require standing-room-only venues for dancing. Do check your pulse if your feet don't move to this music.

Then, there are two record debuts. On the one hand, the charming, handsome and incredibly young JULIAN LAGE will release his first album as a leader, a collection of acoustic guitar instrumentals recorded either as a guitar-banjo-mandoline trio with Bela Fleck and Chris Tile or with his regular group, Tupac Mantilla (percussion), Aristides Rivas (cello), Ben Roseth (sax) and Jorge Roeder (bass), plus long-time pal Taylor Eigsti on piano. His approach is very refreshing, mainly because his guitar-playing is very non-idiomatic: with the guitar it's too easy to let your fingers fall into its many comfort zones, the licks and tricks of the instrument – Lage just avoids all that. I spoke to him in November, so expect a published interview soon.

The other guitar-related record debut is the long-awaited album by Spanish quartet FRACTAL. This band has been together for a while now, playing as much as they've been able to, and they are one of the mainstays of the jam session circuit in Madrid, from their base at BoguiJazz (still closed, by the way, see previous posts). They are Javier Bruna on tenor sax and flute, Héctor García Roel on guitar, Gerardo Ramos on bass and Diego Gutiérrez on drums. Imagine an up-to-date Hank Mobley-Jim Hall quartet and you're close to the idea, but not quite (check them out if you can – the clips in MySpace don't do them justice, but it's a start).

Playing jazz in Spain is particularly difficult, but this band, and especially their front-line, are working hard to develop a cohesive group sound. I do hope that they get their chance to show their mix of middleweight (in the mobleyan sense that's a very good thing) hard bop and almost telepathic mutual understanding, best demonstrated in their own free improvisations, the “crol” concept (more on that some other time). For what it's worth, it's been quite a while since I couldn't get a jazz original out of my head, but it's happened with two or three of Fractal's.

A final short note, still on guitars, last time I exchanged emails with master guitarist-composer ÁNGEL UNZU, he was getting material ready for a new album. I wouldn't call his music “jazz”, it's more a very personal (and melodic and beautiful... I do have a soft spot for it) quality instrumental music worth the effort to get it. If you can, his Trece Solos (Jazzle ZC-037, Spain 1996) and his Melodías de Piel (Laida/Elkar 650-2, Spain 2003) are two excellent records to check him out.
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The coming months are going to be quite eventful regarding jazz books. For starters, the long-awaited DICK TWARDZIK biography by JACK CHAMBERS has been just published and so far (I'm on page 29) it's better than expected – I hope to report on that soon in Cuadernos de Jazz.

The really big news, however, is going to be the loss of one member in the highly exclusive club of “famous but yet unpublished jazz biographies”; Stanley Crouch's Charlie Parker and Peter Keepnews's Monk are going to be abandoned by PETER PULLMAN's BUD POWELL. There's quite some hype around this book and, according to well-informed sources, it is all true, and then some. If you are in the least interested, start saving for this one, because it will be the last and definitive word on one of the most brilliant and misunderstood of jazz musicians. This should be out sometime in 2010.

Fans of jazz trumpet should celebrate too. One the one hand, after a temporary hiatus, CHRIS SHERIDAN has returned to work on his bio-discography of DIZZY GILLESPIE, which will undoubtedly and immediately become an essential work on one of the cornerstones of jazz. Readers familiar with his previous works on Basie, Cannonball or Monk will know the high standard of the Sheridan treatment, and whoever is not, they are urged to check it out for thoroughness and accuracy in his research.

Finally, if there's a jazz figure who's going to be back under the spotlight in the coming months, is the daddy-of-it-all, LOUIS ARMSTRONG. An absolute monster of a musician (forget about everything you've read or seen and LISTEN to him, and you'll see it's true), King Satchmo is going to have a few new reasons to be talked about.

One: POPS - THE LIFE OF LOUIS ARMSTRONG, the long awaited biography by former bass player and currently drama and music critic TERRY TEACHOUT, who's had unprecedented access to research materials. This promises to be another milestone in jazz bibliography. Expect it to be out in the Autumn 2009.

Two: Young and talented RICKY RICCARDI's book on Armstrong's later years. Riccardi loves his Satchmo, which is nice and proper, but he has the right background to take up this kind of job and, more importantly for this project, he's a musician, so it's more than likely that he'll set the record straight on Satchmo's presumed decline. For a large and succulent taster, don't miss his blog.

And three: Louis Armstrong is the father of all jazz soloists. He set the whole thing in movement. Although he's best known for his mid-to-late twenties small groups sides (Hot Fives and Hot Sevens), he played smashing music in the thirties and forties (jazz hype is arbitrary or plain weird). Part of that music was recorded for Decca, whose masters tend to have very good sound. Mosaic Records is the best label in the world for jazz reissues. Dan Morgenstern is the head of the Institute of Jazz Studies, a walking encyclopedia on all things Louis, and he was also a dear friend to King Satchmo.

Now, all that put together would be a dream, right? Here it is: Mosaic is doing a 7-CD set with LOUIS ARMSTRONG'S DECCA RECORDINGS, 1935-1945, with liner notes by Dan Morgenstern.

On this highest and brightest of notes, best wishes for 2009!

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(Esta entrada va sin fotos. Sé que podrá superarlo.)

Aunque está bastante claro que el año que viene va a ser duro para el bolsillo, hay unas cuantas cosas que van a merecer la pena.

En lo musical, para mí al menos va a ser un año de guitarras, nuevas y veteranas. De los veteranos, JOHN SCOFIELD va a sacar un disco que pillará a muchos por sorpresa (aunque en realidad no debería). En él, el Sr. Sco se sale del sendero del jazz instrumental para adentrarse en el frondoso Sur de EE. UU., con un montón de blues, saludos a BB King, a los pantanos de Louisiana (con ese sonido exclusivo de las seis cuerdas a través de un Leslie), en un disco esencialmente bailongo que los promotores deberían presentar en salas sin asientos. Acuda a su médico si no se le mueven los pies con esta música.

Sin salirnos de la guitarra, el año que viene va a haber un par de debuts. Por un lado, JULIAN LAGE (joven, apuesto, encantador...) saca su primer disco a su nombre, una colección de instrumentales que dirige desde su guitarra acústica, bien al frente de un trío con Bela Fleck y Chris Tile o con su grupo habitual, que forman Tupac Mantilla (percusión), Aristides Rivas (chelo), Ben Roseth (saxo) y Jorge Roeder (bajo), más su colega en unas cuantas batallas, el pianista Taylor Eigsti. El principal atractivo del estilo de Lage es que su forma de tocar la guitarra es poco “guitarrística”: con este instrumento es muy fácil dejar que las manos vayan a lo fácil, a frases y trucos que son cómodos de tocar, y Lage evita eso a toda costa. En noviembre charlé con él, o sea que no tardará en salir la correspondiente entrevista.

Por otra parte, llega el fractalazo, el debut del cuarteto FRACTAL, grupo madrileño de formación fija cuyos miembros llevan ya un tiempo tocando juntos, construyendo un sonido cohesivo de grupo, principalmente desde las jams del Bogui (¡aún cerrado!). Sus miembros son Javier Bruna (saxo tenor y flauta), Héctor García Roel (guitarra), Gerardo Ramos (contrabajo) y Diego Gutiérrez (batería). Para hacerse una idea aproximada, imagínese un cuarteto de Hank Mobley con Jim Hall puesto al día. No es exacto ni mucho menos, pero por ahí van los tiros. Que conste que los clips que han subido a su MySpace no les hacen justicia, pero hacen soportable la espera.

Tocar jazz en España es especialmente complicado, pero Fractal, y sobre todo Bruna y Roel, están haciendo todo lo posible para lograr esa comunicación casi telepática que se produce en los grandes grupos de jazz, que, como ocurre con los equipos de fútbol, mejoran exponencialmente su rendimiento cuanto más tiempo lleven juntos sus componentes. Por el bien del jazz español, de los aficionados y del propio Fractal, espero que les vaya bien. Por lo que pueda significar, hace mucho tiempo que no me podía sacar de la cabeza un tema original de jazz, y me ha pasado con dos o tres de Fractal. Para otro momento dejamos su vertiene libreimprovisatoria, el concepto “crol”.

A modo de epílogo de las novedades guitarrísticas, la última vez que mantuve correspondencia electrónica con el maestro guitarrista y compositor ÁNGEL UNZU, estaba reuniendo material para un nuevo disco. Confieso cierta debilidad por su obra; Melodías de Piel (Laida/Elkar 650-2) y, sobre todo, Trece Solos (Jazzle ZC-037) son dos joyas, o sea que habrá que estar al tanto.

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En materia de libros sobre jazz, los próximos meses van a ser muy jugosos. Para empezar, acaba de salir la esperada biografía del pianista DICK TWARDZIK (1931-1955) firmada por JACK CHAMBERS y de momento (estoy en la página 29) supera todas las expectativas. La correspondiente reseña saldrá pronto en Cuadernos de Jazz.

El notición, no obstante, es la pérdida de un miembro en el club de las míticas biografías inéditas del jazz. El Charlie Parker de Stanley Crouch y el Monk de Peter Keepnews van a ver cómo el BUD POWELL de PETER PULLMAN les abandona. Hay mucha expectación en torno a este libro y a fe mía que está justificada y probablemente se queda corta. Por poco que le interese, empiece a ahorrar desde ya mismo, porque va a ser el tomo definitivo sobre uno de los músicos de jazz más brillantes y a la vez incomprendidos. Saldrá hacia 2010.

Los aficionados a la trompeta también están de enhorabuena: por un lado, tras un paréntesis, por suerte provisional, CHRIS SHERIDAN ha retomado su biodiscografía de DIZZY GILLESPIE, que desde el momento en que se publique se convertirá en una obra fundamental sobre uno de los puntales del jazz. Quienes conozcan sus obras anteriores dedicadas a Basie, Cannonball o Monk están al tanto del nivel de exhaustividad y precisión del método Sheridan, y quien no lo conozca debería probarlo.

Sin salirnos de la trompeta, la figura del jazz que va a ocupar el centro de atención durante los próximos meses es uno de los padres fundadores, sin el cual simplemente no habría jazz, LOUIS ARMSTRONG. Los motivos por los que este monstruo de la música (cuya obra se debería ESCUCHAR más) son diversos y muy apetitosos.

Uno: en otoño de 2009 saldrá POPS, la esperada biografía firmada por el excontrabajista y actual crítico de teatro y música TERRY TEACHOUT, que ha gozado de un acceso sin precedentes a materiales relacionados con Satchmo. Promete ser una de las grandes biografías del jazz.

Dos: ese derroche de entusiasmo que responde al nombre de RICKY RICCARDI anunció recientemente que ha firmado un contrato para un libro sobre los últimos años de Louis Armstrong. Riccardi es fan acérrimo del trompetista, que está muy bien, pero lo que importa es que tiene el bagaje adecuado para estudiar un legado musical desatendido por la historia, y además es músico, con lo que debería quedar aclarado de una vez por todas el presunto declive de Armstrong. Quien quiera un anticipio no tiene más que visitar el blog de Riccardi.

Y tres: a pesar de que se le reconoce más por sus grabaciones de los años veinte (las convenciones del jazz son arbitrarias, cuando no disparatadas), Louis Armstrong gozó de su mejor forma en el siguiente decenio, en el que el sello Decca se destacó por el excelente sonido de sus másters. En la actualidad, Mosaic Records pasa por ser la mejor garantía de una reedición decente de obras del pasado, y Dan Morgenstern no sólo es el director del Instituto de Estudios de Jazz, sino que es una auténtica enciclopedia andante y además mantuvo una estrecha amistad con Louis Armstrong.

Pues bien, Mosaic ha anunciado la publicación de una caja de 7 CD con las GRABACIONES COMPLETAS DE LOUIS ARMSTRONG PARA DECCA (1935-1945), anotada por Morgenstern.

Y con tan excelente noticia van mis mejores deseos para 2009.

13/12/2008

Duke's small groups... by Shipton and Priestley

Aficionados in Britain often complain about jazz coverage on radio, and rightly so, I suppose, but having lived in Spain, it is still quite a thing to turn on the radio and bump into Brian Priestley (pictured, left) discussing a selection of Duke Ellington's small group recordings, as part of Alyn Shipton's BBC Radio 3 Jazz Library show.

Priestley, who's a pianist himself and probably too modest for his own good, is one of the best jazz scholars around. His books on Mingus and Charlie Parker are a rare mix of excellent writing, research and, serious yet accessible musical analysis. And he knows his Duke, too.

The programme is close to ideal: excellent music discussed by knowledgeable people, and it can be listened to here till the 20th.

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En el Reino Unido la gente se queja de la cobertura que tiene el jazz en la radio, pero deberían darse una vuelta por España. Yo aún me maravillo cuando, como esta tarde, he puesto la radio y me he topado con Brian Priestley comentando las grabaciones de Duke Ellington y sus músicos en formaciones pequeñas, en la edición de hoy del Jazz Library de Alyn Shipton (en la foto de la derecha), en BBC - Radio 3.

Priestley es uno de los grandes estudiosos del jazz y, en este mundillo tan dado a acoger a gente "rarita", es todo un caballero, mucho más modesto de lo que le convendría. Sus biografías de Mingus y Charlie Parker (inéditas en español) son ejemplares por su concisión, seriedad y un análisis musical profundo pero a la vez accesible. "Algo" sabe de Duke Ellington, también...

El programa es ideal, ameno, con mucho fundamento y, por supuesto, excelente música. Se puede escuchar aquí hasta el día 20.

08/12/2008

Giant Steps... en solfeo

John Coltrane's solo on his own "Giant Steps" from 1959 is an absolute classic of jazz, a "must know" for musicians and fans alike. Here it is as a bit of "sight-reading practice." (Thanks to Jazz.com for the heads up.)

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El solo de John Coltrane en su "Giant Steps" de 1959 es un clásico absoluto del jazz, de conocimiento obligado tanto para músicos como para aficionados. A continuación viene presentado como "ejercicio de solfeo" (gracias a Jazz.com por la información).

06/12/2008

Hank Jones... con "style"

Marc Myers is doing a sterling job with his blog, JazzWax, in bringing forward "mainstream jazz" - for lack of a better term - and, especially, the people involved in the music. This post is about the three ways to fight Benny Goodman's antics, as told here by Loren Schoenberg, the "yes, sir" way, the desperate "I don't care anymore, I'm not taking any of this" way... and the supremely cool Hank Jones way.

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Marc Myers está haciendo una labor espectacular con su blog JazzWax dando visibilidad a músicos y personalidades del jazz que sin su escaparate seguirían pasando tristemente desapercibidos. (Tristemente para nosotros, se entiende).

En su última entrada, Myers entrevista a Loren Schoenberg, excelente saxofonista, empleado y colaborador de Benny Goodman en la última etapa de su vida y experto en swing y big bands. Y además escribe bien, como prueban sus anotaciones de la caja que dedicó Mosaic a las grabaciones de Woody Herman para Columbia entre 1945 y 1947 (Grammy en 2005 a las mejores anotaciones), y las recientes cajas de Chu Berry, Lionel Hampton, Lester Young y Benny Goodman.

En la entrevista Schoenberg hace referencia a la legendaria vertiente sociópata de la personalidad de Goodman, a cómo le gustaba dar por saco a sus músicos. Schoenberg explica que había tres formas de hacerle frente: la primera, bajar la vista y seguirle la corriente; la segunda, la de los músicos resabiados por experiencias previas, plantarse y adelantarse a los acontecimientos, a veces con beneficios económicos, como en el ejemplo que cuenta del batería Mel Lewis. De esta segunda opción hay cuantiosos ejemplos, con diversos grados de violencia verbal, exabruptos y acaloramientos. Y la tercera, es el método de Hank Jones, tan efectivo como el anterior, pero sin acaloramientos, ni malos gestos... sin ni siquiera articular palabra. En palabras del propio Schoenberg:

"El método de Hank Jones requería el uso de un sombrero. En cuanto Benny ponía alguna cara rara o empezaba a hacer de las suyas, Hank alargaba el brazo para coger un sombrero que solía dejar sobre el piano. Benny notaba el gesto y se calmaba".

Puro Hank Jones... de quien hay que añadir que durante años fue el pianista preferido de Goodman.

02/12/2008

"Hasta luego, Sr. Maya" (Iñaki Askunze)

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Iñaki Askunze
(Foto: Sergio Cabanillas)

Sax ensembles are but a footnote in the history of music, even in recent music. Off the cuff, in jazz we have the World Saxophone Quartet or the almost mythical band that played at Pontrelli's, a restaurant in LA, in early 1947 that in actual fact included a trumpet, frontman Tommy de Carlo, plus a rhythm section and what it would become the "four brothers", Herbie Steward, Zoot Sims, Jimmy Giuffre and Stan Getz, an instrumental combination very similar to SuperSax decades later.

This lack of popularity didn't deter arranger, composer and saxophonist Iñaki Askunze from writing "Hasta Luego, Sr. Maya" (See You, Mr. Maya) and recording it in the album Agur Jaunak (listen here) by the orchestra he was fronting at the time, the Iruña Big Band (K-Industria Cultural K012 CD, Barcelona 1997), with Mikel Andueza on soprano, Ion Robles on alto, Víctor de Diego on tenor and Askunze himself on baritone, without any other instruments. The author thought out this tune as a farewell sax exercise for his students at the "Joaquín Maya" — Mr. Maya to you — music school of Pamplona, his hometown, where he had been a teacher after graduating in Berklee and which he was leaving for the Taller de Musics in Barcelona.

This is not the first ballad that was born as an exercise; the best known case may be Glenn Miller's "Moonlight Serenade", which he wrote while he was studying with Joseph Schillinger (whose school, incidentally, would in time become Berklee.) Bearing in mind that, as an exercise, this tune has to serve a technical purpose, the instruments must go through certain "difficulties", Askunze's achievement is even greater: with some distant echoes — at least to these ears — of "Darn that Dream", "... Sr. Maya" is a beautiful ballad. The four main brothers of the order of the saxes execute a series of dances, with various groupings, parallel or slightly dislodged — but never quite contrapuntal — which Askunze uses to weave a tale of great beauty that transcends any technical questions.

"Hasta luego, Sr. Maya" was recorded more than ten years ago and it's not easily available. The good news, especially for sax players, is that Advance Music have published the score.



With Askunze — as with any jazz or non-mainstream musician in Spain — you get the impression that he's a musician and an arranger because there's no other option for him; today he continues his musical journey as a teacher in Musikene and at the Conservatorio Superior de Pamplona and, of course, as the leader of a big band: the Pirineos Jazz Orchestra.

Iruña Big Band: "Hasta luego, Sr. Maya"



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Los conjuntos de saxos no son más que una breve nota al pie de la historia de la música, incluso de la música reciente. A botepronto, en el jazz ha habido grupos como el World Saxophone Quartet o el mítico grupo del restaurante Pontrelli's de Los Ángeles, que en realidad era una trompeta, la del líder, Tommy de Carlo, más sección rítmica y el embrión de los "four brothers", Herbie Steward, Zoot Sims, Jimmy Giuffré y Stan Getz, un esquema casi idéntico al seguido por Supersax décadas más tarde.

La falta de popularidad de este formato no fue un obstáculo para que el arreglista, compositor y saxofonista Iñaki Askunze escribiera "Hasta luego, Sr. Maya" en 1992 y lo grabase en el disco Agur Jaunak (escuchar aquí) de la Iruña Big Band (K-Industria Cultural K012 CD, Barcelona 1997), con Mikel Andueza al soprano, Ion Robles al alto, Víctor de Diego al tenor y el propio Askunze al barítono, sin ningún otro añadido. El autor concibió este tema como un ejercicio de despedida para sus alumnos de la escuela de música Joaquín Maya de Pamplona (el "Sr. Maya" del título) en la que había recalado tras haber pasado por Berklee, y de la que se marchaba para ejercer en el Taller de Músics de Barcelona.




Esta no es la primera balada que nace como un ejercicio; el antecedente más célebre quizás sea "Moonlight Serenade" de Glenn Miller, que escribió cuando estudiaba con Joseph Schillinger (cuya escuela, incidentalmente, es la que daría lugar a Berklee). Si tenemos en cuenta que, como ejercicio, este tema está supeditado a un propósito de carácter técnico, a la necesidad de que los saxos pasen por una serie diversa de "obstáculos", el mérito de Askunze es aun mayor: con ciertos ecos —al menos para estos oídos— del clásico "Darn that Dream", "... Sr. Maya" es una balada preciosa. Los cuatro hermanos principales de la orden de los saxos ejecutan una serie de bailes —con diversos emparejamientos, movimientos paralelos o levemente disparejos, sin llegar al contrapunto— con los que Askunze teje un conjunto de gran belleza más allá de disquisiciones técnicas.

La grabación de "Hasta luego, Sr. Maya" tiene más de diez años y es difícilmente conseguible. La noticia, sobre todo para los saxofonistas, es que la editorial Advance Music ha publicado la partitura.

Uno tiene la impresión de que Askunze es músico y arreglista porque no puede ser otra cosa; hoy en día sigue su periplo musical como docente en Musikene y en el Conservatorio Superior de Pamplona y, por supuesto, al frente una big band: la Pirineos Jazz Orchestra.

29/11/2008

EC - Letter to Hawk... from Newk / Carta de Sonny Rollins a Coleman Hawkins

A letter from Sonny Rollins to Coleman Hawkins has been circulating around on the Internet. I first saw it as posted in the Organissimo forums by Chris Albertson (producer, writer, and author of the excellent Bessie), and later transcribed in the Jazz lives blog (although the date on it is actually October 13, not 3, 1962—not just a nerdy detail, you'll see why; see a facsimile here)

The letter is an extraordinary display of respect from Rollins to Hawkins (and rightly so—for starters Hawkins invented Rollins' job), and it speaks loads not only of Rollins' humility but also about the importance of Coleman Hawkins as a jazz figure. He'd been around forever by that time (we're talking Mamie Smith, 1923, as a starting point) but he had managed the ultimate artistic achievement: to be unmistakably himself and, at the same time, to move always forward (or deeper, whichever way you prefer.) One common mistake with giants such as Satchmo, Duke or Hawkins himself is for the listeners to constrain themselves to the Hot Fives, the early forties band or the 1939 "Body and Soul" respectively. In Hawkins' case, his career was extremely consistent throughout, and he did quite a job in the late fifties/early sixties.

A good example to illustrate this could be his take on "I'm Confessin' (that I love you)" as recorded for the Eddie Costa Memorial Concert LP (ColPix CP 450), a 6-minute solo (accompanied by Sonny Clark on piano, Chuck Israels on bass and Roy Haynes on drums), where Hawkins does the kind of tour-de-force that only he could do, rhapsodic, tender and at the same time forceful and virile... in Rollins' words, a man expressing himself with great beauty but never over-sentimental. Hawkins played at this memorial for Costa (who had died months earlier at age 31) because they had worked together: they did a couple of Crown LPs, and they're together in a live recording originally put out by Bob Porter; Hawkins also used Costa's trio (with Henry Grimes on bass and Paul Motian on drums—today an extraordinary but then a rather common line-up, albeit unrecorded as far as I know) for a gig in late 1959 at the Cork'n'Bib in Westbury, NY, which received an enthusiastic review from Dan Morgenstern in the UK's Jazz Journal.

According to John Chilton's biography of Hawk, this king of sax players was very fond of Costa, so much so that he was out of town and flew especially for this memorial concert. As I said, his take on "Confessin'..." does show that fondness.

But going back to Rollins' letter, this recording is quite significant because it's very likely that this is the music that impressed him so much and prompted him to write the letter. Rollins dated the letter October 13, 1962, and the Costa memorial took place at the Village Gate four days before, on October 9...




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Hace unos días Chris Albertson (productor, crítico y autor de la mejor biografía disponible de Bessie Smith) colgó en los foros de Organissimo una copia de la carta que le dirigió Sonny Rollins a Coleman Hawkins el 13 de octubre del 62, que también ha aparecido transcrita en el blog Jazz lives (donde por error aparece fechada el 3 — no es pedantería, ahora explico por qué importa la fecha).

Aquí se puede leer la carta, y esta es la traducción:

10/13/62, P.M.

St. [?] Rollins
195 Willoughby Walk
(Near Grand)
Brooklyn 5, N. Y.


Querido Sr. Hawkins,

¡¡¡Su reciente actuación en el Village Gate ha sido magnífica!!! Aparte de haber mantenido una posición predominante y de liderazgo en el sumamente competitivo campo del "jazz" durante el tiempo en que lo ha hecho, está la cuestión aun más significativa de que tal logro musical, de sobra demostrado, denota y depende del carácter personal y de su integridad.

Ha habido muchos jóvenes con un gran potencial y capacidad demostrada que por desgracia no se han comportado como "HOMBRES" en su vida privada ni sobre el escenario y no han tardado en verse despojados de su capacidad de crear música. Es posible que estos colegas no hayan sido capaces de comprender por qué sus poderes musicales les han abandonado tan súbitamente. O puede ser que supieran qué modos de actuar eran constructivos en vez de destructivos, pero fueron demasiado débiles y no lo bastante hombres como para coger las riendas de sus vidas. Pero cierto es que el carácter, la sabiduría y la virtud son superiores a la "música" en sí misma. Y que el "éxito" depende de la evolución de esas cualidades en cada uno de nosotros. Que el éxito haya sido positivo y duradero para usted, Coleman, es un honor y un reconocimiento nuestro, sus colegas, así como un reconocimiento hacia su persona, ya que usted ha "prendido la llama" de la aspiración en tantos de nosotros y ha sido el máximo representante de la superioridad de la "excelencia en el empeño", de la que es usted, a día de hoy, la clara imagen viviente y el ejemplo a seguir.

Siempre ha sido una ardua tarea plasmar en palabras aquellas cosas que en su naturaleza son las más profundas y significativas. En esta ocasión me ha demostrado por qué he tenido una opinión tan elevada de usted durante tanto tiempo. Buena suerte en sus viajes, y ojalá tenga la suerte de volver a escucharle tocar el saxo tenor en persona.

Atentamente,

Sonny Rollins.
La carta es una extraordinaria muestra de respeto por parte de Rollins hacia Hawk (no en vano éste inventó el oficio de aquél) y dice mucho no sólo de la humildad de Rollins sino de la importancia de Coleman Hawkins como figura del jazz. Para entonces era ya un veterano (llevaba de profesional desde la década de los veinte) pero es de los pocos que logró una de las metas definitivas de las artes: ser inequívocamente uno mismo y ser capaz de evolucionar a la vez. Un error que se comete comúnmente con gigantes como Louis Armstrong, Duke Ellington o el propio Hawkins es limitarse a escuchar, respectivamente, a los Hot Fives & Sevens, la banda de principios de los cuarenta, o el "Body and Soul" de 1939. En el caso de Hawkins, su carrera fue siempre muy consistente, y a finales de los cincuenta y principios de los sesenta estaba en plena forma.

Un ejemplo ilustrativo es su versión de "I'm Confessin' (that I love you)" que quedó plasmada en el LP Eddie Costa Memorial Concert (ColPix CP 450), un solo de seis minutos (con Sonny Clark al piano, Chuck Israels al bajo y Roy Haynes a la batería), en el que Hawkins hace lo que sólo él podía hacer, un solo de gran ternura, pero a la vez épico y viril, un hombre, como dice Rollins, expresándose con gran belleza pero sin caer en el sentimentalismo. Hawkins participó en este concierto de homenaje al pianista y vibrafonista Eddie Costa (que había fallecido el verano anterior a los 31 años) porque habían trabajado juntos: hicieron un par de LP para Crown y están en una grabación en directo publicada originalmente por Bob Porter; Hawkins también reclutó al trío de Costa (con Henry Grimes al bajo y Paul Motian a la batería, una formación extraordinaria pero frecuente, aunque inédita en disco, que yo sepa) para un bolo a finales del 1959 en el Cork'n'Bib de Westbury, NY, que fue objeto de una entusiasta reseña por parte de Dan Morgenstern en el Jazz Journal británico.

Además, según la biografía de Coleman Hawkins de John Chilton, este soberano de los tenores apreciaba mucho a Costa, tanto es así que en la fecha del concierto estaba fuera de Nueva York y cogió expresamente un avión para poder tocar en su homenaje. El aprecio de Hawkins por Costa es lo que trasluce la versión de "Confessin'...".

Volviendo a Rollins, esta grabación es especialmente significativa porque es muy probable que fuera esta música la que le impresionó tanto y le impulsó a escribir la carta. La misiva lleva fecha del 13 de octubre del 1962, y el concierto de homenaje a Costa se celebró en el Village Gate cuatro días antes, el 9 de octubre.

24/11/2008

London Jazz Festival: ¿la mejor sala/best venue?

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Vaya por delante que no he estado en todos los recintos con programación del festival, pero dudo mucho que ninguno supere al Wigmore Hall. Como es costumbre últimamente, los conciertos de jazz en grandes auditorios siguen siendo una calamidad en cuanto a sonido (demasiado volumen, ya hablé de esto en otra ocasión).

Pues bien, ayer estuve en este templo de la "clásica" (aquí empezó la carrera de concertista de Jacqueline du Pré, por ejemplo) en el concierto del cuarteto del Martin Speake Quartet / Kenny Werner (con Iain Ballamy en un par de temas) y sonó de escándalo. En el Wigmore caben más de 500 personas y no hubo ni micros, ni amplis, ni falta que hizo, ni siquiera para el contrabajo. Como dijo Speake, "hasta los aplausos suenan mejor" en esta sala. El angelical saxo alto de Speake en el primer pase y el piano de Werner en el segundo, con una riqueza de armónicos inusitada, sonaron a gloria.

(En la Purcell Room del South Bank Centre caben 370 personas: ¿por qué no probar allí el acústico absoluto?)

Añádase además el precio de los discos disponibles a la salida del concierto en el Wigmore (los más baratos que he visto en el festival) y el helado de chocolate del intermedio, muchísimo mejor que el del South Bank Centre.

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I admit I haven't been to all the LJF 2008 venues, but I don't think that any of them could better the Wigmore Hall. As it is becoming worringly customary, jazz gigs in large venues are not so good sound-wise (too loud in general, I spoke about this in an earlier post.)

Yesterday I went to this "classical" sanctuary (where Jacqueline du Pré's career was launched, for instance) for the Martin Speake Quartet/Kenny Werner (+Iain Ballamy) concert, and the sound was astonishing. The Wigmore has room for over 500 people, and there were no mikes or amps in sight, not even for the double bass, and they were not missed at all. As Speake said, "even the applause sounds better" in this room. Both Speake's dreamy alto and Werner's piano - unusually rich in overtones - were glorious.

(The Purcell Room has a capacity of 370. How about trying the 100% acoustic approach there?)

On top of that, at the Wigmore the CDs by the performing artists available in the foyer were the cheapest I've seen in the Festival, and last but in no way least, the chocolate ice-cream was much better than at the South Bank Centre.

20/11/2008

Hank Jones, Medalla Nacional de las Artes de EE UU

Hank Jones, 90, has been awarded with the US National Medal of Arts, along with, among others, comic-book author Stan Lee, 85, and actress Olivia de Havilland, 92, who I admit I was surprised to know she's still around (glad to hear that.) Unashamed plug: the latest issue of Cuadernos de Jazz carries a long article I've done on Jones. As I said in a previous post, I remembered he was very gracious to me when I interviewed him way back when. I actually found one tape from those days, played again and must change my previous statement: he was veeeeery patient, warm, compassionate (imagine "Ali G does jazz") and even grandfatherly.

Can't think of a better way to start an interviewing "career."

My congratulations to Mr. Jones.

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Le han dado la Medalla Nacional de las Artes de EE. UU., la máxima distinción del país para artistas, a Hank Jones (90 años), así como a Stan Lee (85) y Olivia de Havilland (92, no suponía que estuviera viva, la verdad). Aprovecho para recordar que el último número de Cuadernos de Jazz lleva un artículo mío, largo, sobre el pianista. Como comenté en una entrada anterior, a Jones le entrevisté por primera vez en el 96 y de nuevo en el 97. En la preparación del artículo encontré una de esas cintas y rectifico lo que dije de que fue muy amable: lo cierto es que se portó como un padre (como un abuelo más bien), qué paciencia y qué temple (imagínese a Tonino, del antiguo Caiga Quien Caiga, haciendo jazz).

En todo caso no se me ocurre mejor forma de empezar una "carrera" de entrevistador.

Enhorabuena, Sr. Jones.

BBC Radio 3, November 30 at 23:30 (GMT)

Quick recommendation. On the radio station and date and time above, try to catch Roy Hargrove's gig at the Queen Elizabeth Hall. First part with his very tight quintet, second with a BBC Big Band that should be offered some sort of recording deal or something (I saw them with Abdullah Ibrahim earlier in the year and they were astonishing.) Mr. Hargrove seemed genuinely overwhelmed by what was happening on stage and unsurprisingly so. Roberta Gambarini fans should know she was there too and sang a few songs.

The BBC broadcasts are available on line for a week.

LINK: BBC Radio 3 site.

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Dos líneas para una recomendación rápida. Ayer estuve en el concierto de Roy Hargrove en el Queen Elizabeth Hall. La primera parte corrió a cargo de su quinteto, muy cohesionado, tocando con mucho nervio, y en la segunda se les unió la Big Band de la BBC, un grupo de músicos que merece mayor exposición, sea a base de grabaciones o de conciertos (hace unos meses les vi con Abdullah Ibrahim y estuvieron sensacionales). Por si hay aquí algún fan, Roberta Gambarini también participó en algunas canciones.

La BBC grabó el concierto y lo emitirá en la emisora, fecha y hora del título (la misma hora en Canarias, una hora más en la Península). A partir de ese momento la grabación estará disponible durante siete días.

ENLACE: BBC Radio 3.

15/11/2008

London Jazz Festival 2008

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Empezó ayer y si no me fallan las cuentas quedan más de 200 eventos en 9 días. Si no bastase con estos números, la lista de nombres que van a pasar por aquí tampoco es manca: Bill Frisell, Peter Brötzmann, Chick Corea con John McLaughlin, Rudresh Mahanthappa con Vijay Iyer, Lee Konitz con Peter Ind, Herbie Hancock, Chucho Valdés, Kenny Wheeler, Roy Hargrove, Robert Glasper... en fin, más de 20 saraos al día dan para mucho.

La lista completa de conciertos se puede ver aquí.

Como siempre el festival lo organiza la promotora Serious, en asociación con BBC Radio 3. La BBC tiene su propia página dedicada al festival, en la que se incluye un calendario de retransmisiones.

También como siempre, comentaré algunos de los conciertos en la página correspondiente de Cuadernos de Jazz.

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The London Jazz Festival 2008 started yesterday, but there still are a few gigs left till it ends on Sunday 23: over 200 events in 9 days. As usual, this is a Serious production in association with BBC Radio 3.

You can check the complete listings here, and BBC Radio 3 have set up their own site for the Festival, here.

I'll be reviewing a few concerts - in Spanish - for Cuadernos de Jazz.

12/11/2008

El Bogui sigue cerrado / BoguiJazz, still closed


It's going to be a month since BoguiJazz was closed by order of a judge. As of today it is still closed and, worst of all, there's no clear explanation as to the motives. Tomorrow, Thursday 13, at 11:00 (10:00 GMT) the club will have a press conference at their quarters in Calle Barquillo, 29, which should help us know what is going on, at least from the club's point of view.

According to the club, it's still closed because the terms of its licence have been altered by works to sound-proof and adapt the establishment to current municipal standards. Without more details, the question is whether Bogui remains closed due to a real reason (such as structural damage caused to the building caused by said works), or if its closure is due to an administrative error, i. e., to whichever forms not having been filled properly, irrespective of whether the club is fit for purpose or not.

It would seem that the municipal council of Madrid, the Ayuntamiento, is still missing a couple of points. Firstly, jazz clubs, albeit their presumed bad reputation (and reputations are no basis for fair judgements) do have a role in society to spread culture and art, even if as tourist or entertainment attractions. Therefore, it is in the Ayuntamiento's interest to have as many and as good jazz clubs as possible. As private commercial ventures the clubs have to fulfil the applicable rules and standards, as well as whatever the markets dictate, but even so, the Ayuntamiento has room to help promoting this kind of activity.

Secondly, the Ayuntamiento and the claimants should accept that, weird as this may sound, the end result of this whole process will be the re-opening of BoguiJazz. For starters, establishments offering live music are not illegal; not only that, they are necessary in a big city's cultural life, and it is hard to understand that an Ayuntamiento with presumed liberal leanings is not doing its utmost to help reopen an establishment for live music which happens to be one of the good ones. This would help private initiative and improve the culture and arts offerings in Madrid.

Being Spain what it is (what I said earlier about la mala leche), it is also possible that BoguiJazz is being kept closed for as long as possible on a basis of legal and administrative tricks hoping to slowly erode and tire Angstadt and his team out, so they eventually quit completely. The claimants have the right to use any legal resources they can, including tricks if that's what they want, but the Ayuntamiento, as the institution responsible to guard everyone's interests, including Bogui's workers and customers, can't afford to fall into any traps, if that's the game the claimants are playing.

So, BoguiJazz will reopen its doors. Where and when, we don't know, but the Ayuntamiento must facilitate this process. And if there's no real legal impediment to keep the club in its current address, the Ayuntamiento should also be a mediator between neighbours and club, so they can all reach an agreement that's satisfactory for all.

LINKS:

- Bogui (website, MySpace)
- Tomajazz (leader, in Spanish)

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Va a hacer un mes que el Bogui está cerrado por orden judicial. A día de hoy sigue así y lo peor de todo es que no hay una explicación clara sobre el motivo del cierre. Mañana, jueves 13, la dirección del club celebrará una rueda de prensa en su sede de la C/ Barquillo 29, a las 11:00, lo que debería servir para que sepamos qué está pasando, aunque sea desde el punto de vista del club.

Según la propia dirección del establecimiento, éste sigue cerrado porque "la licencia de funcionamiento de BoguiJazz ha sido alterada por obras de insonorización y adaptación a ordenanzas actuales". A falta de más información, la pregunta es si el Bogui sigue cerrado por una razón real (como serían unos daños estructurales al inmueble a causa de dichas obras), o si su cierre se debe a un defecto administrativo, a que el papeleo no se ha cumplimentado debidamente, vaya, independientemente de que el club esté en condiciones de funcionar.

Parece que el Ayuntamiento de Madrid sigue sin darse cuenta de dos cuestiones: una, que los clubes de jazz, por mala reputación que tengan (y sobre reputaciones no se hacen juicios justos), tienen una función social de difusión de la cultura e incluso de atracción turística o de ocio y, por tanto, le interesa al Ayuntamiento que la ciudad de Madrid cuente con buenos y abundantes clubes de jazz. Como establecimientos comerciales privados, han de estar sujetos a las normativas correspondientes y a los dictados del mercado, pero aun con esas dos salvedades el Ayuntamiento tiene margen para apoyar este tipo de actividad.

La segunda cuestión que el Ayuntamiento y los denunciantes deberían asumir que, por raro que suene, el resultado de todo este proceso es que BoguiJazz volverá a abrir sus puertas. Para empezar, los establecimientos que ofrecen música en directo no son ilegales; pero es que además son necesarios en la vida cultural de una ciudad, y por eso es francamente incomprensible que un Ayuntamiento al que se le supone cierta inclinación liberal no esté haciendo más por facilitar la reapertura de un excelente establecimiento de música en directo. Aparte de que se trata de fomentar la iniciativa comercial privada, también se trata de mejorar la oferta cultural de Madrid.

Siendo España el país que es, también cabe la posibilidad de que se esté intentando mantener BoguiJazz cerrado el mayor tiempo posible a base de subterfugios y argucias administrativas con la esperanza de que por puro desgaste o cansancio Angstadt y los suyos tiren la toalla. Los denunciantes están en su derecho de recurrir a todas las artimañas legales a su alcance si eso es lo que quieren, pero el Ayuntamiento, como institución que ha de velar por los intereses de todos sus ciudadanos, y eso incluye a los trabajadores y clientes de BoguiJazz, no puede permitirse caer en ese juego, si es eso lo que está sucediendo.

BoguiJazz volverá a abrir sus puertas. Cuándo y dónde, no se sabe, pero el Ayuntamiento tiene la obligación de facilitar ese proceso. Y si no hay verdadero impedimento legal para que siga siendo en el número 29 de la calle Barquillo, debería mediar entre vecinos y club para que se llegue a un acuerdo satisfactorio para todos.

ENLACES:

- Bogui (website, MySpace)
- Tomajazz (editorial)

El accidente de Mark Turner

This is just a quick note about Mark Turner's recent hand accident. For more details and further announcements, check out pianist Aaron Parks' MySpace blog (message on accident; post-surgery update).

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No gana uno para sustos: aparte del habitual goteo de fallecimientos de viejas glorias, triste pero ley de vida, este año el mundo del jazz se vio sacudido por el accidente mortal de Esbjörn Svensson.

Ahora le ha tocado ocupar el apartado de malas noticias a Mark Turner, saxo tenor joven y original, del círculo de Brad Mehldau y Kurt Rosenwinkel, con una carrera discreta pero sólida, capaz de sustraerse a la omnipresente influencia de Coltrane por seguir su propio camino.

Hay poca información al respecto, pero parece que el día 4 por la mañana Turner tuvo un accidente con una sierra mecánica y se amputó varios dedos. No hay detalles sobre cuántos dedos, cuáles o sobre el grado de la amputación, pero el hecho de que haya pasado por el quirófano de "uno de los mejores cirujanos de manos" de EE UU y que, al parecer, se haya tratado de unir los dedos reconstruyendo los diversos tejidos (la complejidad de un dedo es la típica cosa que pasa del todo desapercibida hasta que uno se para a pensar en ella) son motivos suficientes para ser optimista. El propio Turner parece estar tranquilo y viéndolas venir.

Para quienes quieran seguir al tanto de la salud de Turner y las iniciativas de apoyo que se emprendan, el pianista Aaron Parks está haciendo las veces de portavoz en su blog de MySpace (primer mensaje; segundo mensaje).

23/10/2008

A taste of bad milk / El Bogui, cerrado

First of all, apologies for the unannounced raincheck. These are hectic times for me and I'm not being able to "feed the beast" (i. e., add more junk to the internet) as regularly as I would like to. Readers of this blog can always visit the ones I recommend on the right hand-side. They're certainly more regular than mine. In any case, the main news I've had on jazz have been deaths (especially sorry to hear about Neal Hefti's - I'm a big fan of his work for Woody Herman's First Herd) and similar catastrophes.

So... the bad milk. In Spanish, "la mala leche", literally. That means something somewhat alien to non-Spaniards. It's a deep-rooted will to make someone suffer. You can do someone wrong, but "a mala leche" has that extra bit of cruelty and sadism that Goya captured so well in his darker works.


And Bogui? "El Bogui" (official name, BoguiJazz) is a jazz club in Madrid. Ask the local jazz fans and they will almost certainly recommend it. "The only 100% jazz establishment in Madrid", jam sessions included. The blurb in their website states that they try to be a bit of NY (the lofts, Smalls...) in Spain. Not sure about whether they achieve that, but it doesn't seem such a bad approach.

On Tuesday at noon the police shut down the club, following an order issued by a Higher Court ("Tribunal Superior"). According to the report in the daily newspaper "El Mundo", there'd be little base for this, and the dispute between Dick Angstadt, the 67-year old club owner, and his neighbours looks more like a long-winding row about having a jazz club downstairs from home, rather than any noise-levels or disturbances that may have been actually caused.

I don't know who's in the wrong here, and it's likely not a simple matter. But to have a club shut down by the city Council, the same Council providing funds to this and other clubs for the Madrid Jazz Festival beginning next week (hence the "mala leche"), strikes me as a bit surreal; it actually reminds me of a ruling in the early 1990s by which a dispute between the DelTonos, an excellent Spanish blues-rock band, and their label, was resolved with the group banned to play live and, after they ignored that ruling, a second one labelled them "intellectualy dangerous". The affair was a waste of time and money - eventually the label disappeared (not without having released two unauthorised albums) and the band is still playing.

In any case, this is a sad story and it does look bad. Let's hope for the best and for some good will that allows Bogui to open its doors in November.

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En primer lugar, disculpas por la larga ausencia. Lo cierto es que no estoy pudiendo "alimentar a la bestia" tan regularmente como quisiera. En todo caso, a la derecha están los enlaces recomendados para quien se aburra. Además, las noticias que he tenido han sido generalmente de fallecimientos (especialmente el de Neal Hefti, de quien admiro su trabajo para el primer rebaño de Woody Herman).


A lo nuestro: en vísperas del festival de jazz de Madrid, el Ayuntamiento de Madrid ha cerrado el Bogui. Por orden judicial. Precisamente estos días se habla de los problemas de la administración de justicia, de los retrasos, de la falta de medios... ya es casualidad que hayan tenido que cerrar el club en vísperas del festival de jazz de Madrid. Casualidad, o la proverbial mala leche española.

Están el jazz y la cultura en general en España como para permitirse el lujo de perder un buen club de jazz, de música improvisada, de una forma de expresión artística. Todavía habrá algún ignorante que crea que todos los gatos son pardos, y que quien sale de noche o bebe es un delincuente en potencia. O que el jazz no es música. Pero quizás sólo se trate de eso, de mala leche.

De momento sólo se conoce públicamente una versión de la historia, la del dueño del club, pero esto tiene todo el aspecto de ser una pugna por cerrar un club, independientemente de los niveles de ruido o de las molestias reales que esté causando.

Esperemos que se llegue a un acuerdo y el Bogui pueda abrir sus puertas para el festival de Madrid.

La noticia publicada por El Mundo, aquí.

13/09/2008

Tenor & bass, mano a mano


(Click here for text in English)

Supongo que por romper el hábito y por el proceso de restablecer un equilibrio previo, los grupos de jazz en los que "falta" algún instrumento resultan particularmente atractivos, sobre todo si el instrumento en cuestión es el encargado de proporcionar el trasfondo armónico sobre el que se apoya el resto de músicos. Sin acordes claramente marcados la armonía es menos evidente, menos nítida, y por ello más ligera, más suelta, ya que queda a merced de lo que indiquen, explícita o implícitamente, los instrumentos que constituyan el grupo. Explícitamente, puede que coincidan varios instrumentos tocando cada uno una nota en un instante dado, pero esto es infrecuente y la percepción del acorde que se forme estaría además sujeta a la mezcla de las texturas de cada instrumento y de la intensidad con que interpreten esa nota. Por el contrario, en la apreciación de la armonía implícita entra en juego la sugestión del oyente, que su cerebro vaya reconstruyendo los huecos que vayan dejando las líneas melódicas que le estén suministrando los músicos, o que "oiga", o aun anticipe, los acordes implícitos en una línea melódica –bien por intuición, bien porque conoce el tema original– de la misma forma que reconstruimos automáticamente lo que no ve el punto ciego del ojo. (Todo esto se refiere a la música tonal basada en acordes, lógicamente).

En el jazz se han dado todas las combinaciones instrumentales posibles, sobre todo en la parte más vanguardista, en la que no es infrecuente el formato de dúo. En un contexto más "convencional" no es tan habitual, posiblemente por costumbre y porque el material sobre el que se trabaja son estructuras más o menos rígidas (ciclos de 32 compases) que pueden llegar a ser relativamente complejas en lo que respecta a la armonía.

Uno de los formatos menos cómodos y más gratificantes cuando sale bien, es el dúo de saxo tenor y contrabajo. Con registros cercanos pero diferenciados por sus característicos timbres, son dos instrumentos con "peso" y carácter, dueños de la parte más profunda de la tesitura, que reúnen la humanidad, más que cantante, conversadora del tenor y la elasticidad rítmica bajo.

Un ejemplo temprano es el par de temas de DON BYAS y SLAM STEWART grabados por el legendario Timme Rosenkrantz en el Town Hall de Nueva York en 1945 (9 de junio) y luego publicados por Commodore. "Indiana" y, sobre todo, "I Got Rhythm" son una buena y temprana muestra de las posibilidades de este emparejamiento. Byas está excepcional, agilísimo, y Slam Stewart prueba una vez más por qué es injusto que sólo se le recuerde por sus solos con arco y voz, cuando era un excepcional improvisador de melodías. Que yo sepa, la última vez que se reeditaron en CD "oficialmente" fue en Giants of the Tenor Sax: Ben Webster/Don Byas (Commodore 7005), hace 20 años, ahí es nada.

Otro ejemplo, a botepronto, es la versión de "My Heart Belongs To Daddy" de BENNY GOLSON con el bajista TOMMY JOHNSON en el disco Take a Number from One to Ten (Argo LP 681), reeditado parcialmente en Free (GRP/MCA CD 816, descatalogado) y en la caja Mosaic que Golson comparte con Farmer (The Complete Argo/Mercury Art Farmer/Benny Golson/Jazztet Sessions, Mosaic #225). Es posible que a los lectores españoles les suene este tema, porque era la sintonía de un programa de Radio Nacional, creo que los domingos a las tres de la tarde, hará diez o quince años. Este es, también, un dúo excepcional, en el que ambos instrumentos dejan el listón muy alto.

Precisamente en la estela de Byas-Stewart y Golson-Johnson cabría encuadrar a STEPHEN RILEY y JOHN BROWN, responsables de Once Upon A Dream, recientemente publicado en SteepleChase (CD 31632). (Brown es profesor en la Universidad de Duke, para que luego digan que lo académico entumece el espíritu). Este par de músicos salen airosos de dos lances complicados, ya que mantienen la tensión y el interés a pesar de, por un lado, la lógica limitación tímbrica y, por otro, un contexto mainstream, proclive al agotamiento y el desgaste. Este es un disco que va más allá de la mera gimnasia, del ejercicio vacuo del que son muy capaces figuras de más renombre, y transpira pasión y fe por lo que hacen.

Y no digo más, porque se puede escuchar el disco entero en ALWAYS JAZZ, un blog en el que hay mucha más música disponible.

Que lo disfruten.

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Maybe because it goes against the rule, or for the inherent process of restoring a broken balance, jazz bands with a “missing” instrument are particularly attractive, especially if the missing instrument, like the piano or the guitar, provides the harmonic background on which all the other instruments rely on. Without clearly stated chords, the underlying harmony becomes less evident, less clear and, for that reason, lighter and looser, because it depends on whatever the other instruments play explicitly or suggest implicitly. Explicitly, it could be that at a given time several instruments are playing different notes and these form a chord, but this would be a rare occurrence, and it would depend on the blend of each instrument’s texture and the volume of each note. Implicit perception of harmony involves the power of suggestion of listeners, that their brains fill in the gaps left by the lines provided by the musicians, or that they “hear”, even anticipate, the chords implied by a melody, be it intuitively or because they know the original tune, in the same way we automatically fill in the gaps of what the blind spot of the eye cannot see. (All this refers to tonal, chord-based music, obviously.)

Jazz has been played in all possible combinations, especially in the more avant-garde circles, where the duet is rather more frequent. In a mainstream context the duet doesn’t happen so often, possibly because musicians are not so used to it and because the materials they work on have rigid structures (mainly 32-bar cycles) that sometimes can be relatively complex, harmony-wise.

The tenor sax and double bass duet must be as difficult as it is gratifying when it works out. Both instruments have neighbouring ranges, but they are easy to tell apart because of their characteristic timbres. Both have weight and personality, a certain gravitas for their being at the lower end of the frequency range. Together they combine the human-like, speaking rather than singing quality of the tenor, together with the rhythmic elasticity of the bass.

Two early examples of the tenor-bass duet were recorded in 1945 (June 9th) by DON BYAS and SLAM STEWART at NYC’s Town Hall. The records were made by the legendary Timme Rosenkrantz and later released by Commodore. "Indiana" and, especially, "I Got Rhythm" are a good example of the possibilities of this coupling. Byas plays incredibly well, with great agility, and Slam Stewart shows yet again why he has been unfairly forgotten as a bassist and as an improvisor of melodies. As far as I know, the last time these two were officially reissued together was in Giants of the Tenor Sax: Ben Webster/Don Byas (Commodore 7005), 20 years ago, quite a while.

Off the cuff, another example is the reading that BENNY GOLSON and TOMMY JOHNSON do of "My Heart Belongs To Daddy" in Golson’s Take a Number from One to Ten (Argo LP 681), partially reissued on CD as Free (GRP/MCA CD 816, out of print) and as part of the Mosaic set devoted to the Jazztet (The Complete Argo/Mercury Art Farmer/Benny Golson/Jazztet Sessions, Mosaic #225). This is another exceptional duet.

It could be said that all these recordings set the scene for STEPHEN RILEY and JOHN BROWN, who have just released Once Upon a Dream (SteepleChase CD 31632). (Incidentally, Brown teaches at Duke University, so much for the Academy robbing jazz of its soul). In this CD both Riley and Brown skip over the two main problems of this kind of record, keeping the tension and interest throughout, in spite of, one, the limitations of having two instruments (regarding timbre and textures), and two, their playing mainstream jazz, a context prone to formulas and general boredom. This is an album that goes beyond mere gymnastics or the empty exercise which other better known musicians are so capable of. Here there’s passion and faith for what it’s being done.

I won’t say more, because the whole affair can be heard in ALWAYS JAZZ, a blog with loads of music readily available for listening.

Hope you enjoy it.

05/09/2008

Dino

(See below for text in English)

A modo de brindis por el final del verano, ahí va una pequeña golosina. Aunque en el género de la canción melódica estadounidense no hay quien haya superado a Frank Sinatra (como dijo Bing Crosby, "un cantante como Sinatra sólo aparece una vez en la vida... ¿por qué tuvo que ser en la mía?"), lo cierto es que en cuanto a prestancia y, sobre todo, vis cómica, Dean Martin no tenía nada que envidiar al "jefe".

La principal cualidad y, a la vez, defecto, de Martin es que parecía no tomarse demasiado en serio a sí mismo... aunque cualquiera sabe, teniendo en cuenta el contraste entre su imagen de alcohólico juerguista y la realidad (sobre el escenario bebía zumo de manzana y prefería volver a su casa después del trabajo en vez de trasnochar con Sinatra y compañía).

Como ejemplo, ahí va el siguiente clip. Se trata del bis de su pase en el concierto conjunto y benéfico que dieron Martin, Sammy Davis Jr. y Sinatra en San Luis el 20 de junio de 1965, en el que se presentó, como siempre, simulando una leve embriaguez. Entre las bromas, ejecutadas con un ritmo impecable, se puede apreciar por un lado la sensibilidad de Martin como cantante (a partir de 1:20, "you might be king, you might possess..." hasta el siguiente chiste, y a partir de 2:37, "grab yourself somebody...") y su control de la situación (cómo da entrada al contrabajo, 1:49).

El concierto completo está disponible en DVD en LIVE & SWINGIN' - THE RAT PACK COLLECTION (Reprise/WEA 8122 73736 2), publicado en 2003.

Esta es una traducción de lo que habla Martin. Tras el último tema de su pase, regresa para el bis...
Muchas gracias. Me gustaría hacer algunas más para ustedes, pero he tenido suerte de acordarme de éstas [que acabo de cantar]...
[APLAUSOS]

Voy a cantar una más antes de que los muchachos se hayan preparado ahí detrás, van a hacer algo...
[APLAUSOS]
... eso no es... No me... esto no me hace falta en absoluto... tengo más de $300 en cuatro bancos distintos, no me importa hacer esto... Así que... y me gustaría presentarles a mi maravilloso pianista, no sólo es un buen pianista, un maravilloso compositor de canciones, un gran músico... sino que este joven es comunista desde hace 32 años... [RISAS]... pero soy muy af-ortunado de tenerle conmigo, porque es el responsable de nuestro gran éxito "Everybody Loves Somebody", él la escribió, el Sr. Ken Lane... ¡Everybody Loves Somebody!, ¡Ken, baby! [APLAUSOS]
(¡KEN LAAANE!)...

[1:01] [Dirigiéndose a Lane]
Una vuelta y nos vamos, que me he dejado el vaso.
[Empieza a cantar]

[1:17] [Al público que aplaude] No, me están dando dolor de cabeza con los... [aplaude contra el micro]
.
[Sigue cantando]

[2:06]
Tengo suficiente gas como para llegar hasta Pittsburgh...
[Sigue cantando]

[2:45]
Ahí van mis dientes
[Sigue cantando y termina]

Muchas gracias, buenas noches y que Dios les bendiga.





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As an end-of-Summer commiseratory drink, I bring you a little something. Although it is true that no singer tops Sinatra in his field (as Bing Crosby said, "Frank Sinatra is the kind of singer who comes along once in a lifetime... but why did it have to be my lifetime?"), the fact is that with regards to appearance and, especially, comic ability, Dean Martin was second to none.

Martin's main feature, for good or ill (or both), is that he didn't seem to take himself too seriously... or who knows, bearing in mind the distance between his drinking and partying persona and the reality (he drank apple juice on stage and he'd rather go back to his family after work instead of partying all night long with Sinatra and co.)

This video comes from a triple charity event that took place in St. Louis on June 20, 1965, with Sinatra and Sammy Davis Jr, and it is actually the encore of Martin's set, which he did performing his usual slightly drunk and very friendly singer act. In between the jokes, placed with impeccable comic timing, there are a couple of moments where his sensitivity as a singer can be appreciated, from 1:20, "you might be king, you might possess..." up to the next joke, and from 2:37, "grab yourself somebody...", as well as his command of the situation (he cues the double bass in, 1:49).

The whole affair is available in various sources, but the best one must be LIVE & SWINGIN' - THE RAT PACK COLLECTION (Reprise/WEA 8122 73736 2), published in 2003.

Enjoy!

08/08/2008

See you in September / Nos vemos en septiembre

(Texto en español más abajo)

I'm taking a short break from this blog and computers in general. As a closing round-up, these are a few things I'd like to comment before I sign off. First, the SAD NEWS: as you know, quite a few musicians have died lately. Johnny Griffin, who at least saw his biography published and was playing till the end (see previous entry), Jo Stafford, Hiram Bullock, drummer, all-round music man and brother-of-Lester, Lee Young...

Someone you may not have heard about is KEITH SHADWICK (1951-2008). I never got the chance to meet him in person, but read him regularly in Jazzwise (he wrote for several media.) His reviews of jazz reissues, especially the ones dodging the EU copyright law or adhering to a not-quite-what-it-says-on-the-tin policy, were informative and humorous at the same time. Shadwick has died three years after he was diagnosed with a rare form of cancer, mesothelioma, which is caused by exposure to asbestos. He campaigned actively to raise awareness of the disease. The fund-raising bash programmed for last Tuesday sadly turned into a wake (Shadwick died the previous week), but it still was conforting to see the upstairs bar at Ronnie's completely packed with friends, musicians, industry people... Should you want to contribute towards research on mesothelioma, and see for yourself a well-known critic's musical ability, Candid Records has released a CD of Shadwick's music - he also played sax - which he started recording in the early 70s and finished earlier this year. Revenues from the sales will help funding research on this form of cancer.

REISSUES: UPTOWN has released a couple of CDs to their regular (and comparatively high) standards, Charlie Parker - Washington D.C. 1948 and Dizzy Gillespie Big Band - Showtime at the Spotlite, 52nd Street, New York City, June 1946. Got them already - will comment later. Same goes for the new SonyBMG collection of affordable reissues. The multiple CD-sets are well worth checking out. Note that all of them are sets that have been repackaged, although the Ellington has four previously unreleased tunes (go figure!) These have happened weeks before it was announced that Sony was buying BMG's stake in their not-so-succesful partnership. About this, a few days ago the editor of a jazz magazine noted the lack of jazz product from SonyBMG. Frankly, I don't expect any changes in that respect... except for the 50th Anniversary edition of Kind of Blue, coming up next year (wanna bet?)

News from the net: Will have to add another site to the list of favourites on the right side of this blog. DONALD CLARKE has his site up and running. He's one of my favourite authors, because he knows A LOT of music and about music, and his writing is as confortable as having an uncle telling you about it, by a nice fire and with a couple of drinks. On top of that, he's uploaded his Rise and Fall of Popular Music (last book I read twice in a row) and his excellent Sinatra bio (as long as you're more interested in the music than on the other stories.)

FINALLY... on August 12th, early in the morning (New York time) you may want to ask yourself where were, fifty years ago, pianists Count Basie, Hank Jones, Jimmy Jones, Marian McPartland, Thelonious Monk, Luckey Roberts, Horace Silver, and Mary Lou Williams; trumpet players Red Allen, Roy Eldridge, Emmett Berry, Buck Clayton, Dizzy Gillespie, Art Farmer, Max Kaminsky, Taft Jordan, Rex Stewart, and Joe Thomas; singers Jimmy Rushing and Maxine Sullivan; saxophonists Bud Freeman, Benny Golson, Johnny Griffin, Gigi Gryce, Coleman Hawkins, Hilton Jefferson, Gerry Mulligan, Rudy Powell, Sonny Rollins, Scoville Browne, Sahib Shihab, Ernie Wilkins and Lester Young; drummers Art Blakey, Sonny Greer, J.C. Heard, Jo Jones, Gene Krupa, Zutty Singleton, and George Wettling; bassists Milt Hinton, Chubby Jackson, Charles Mingus, Oscar Pettiford and Wilbur Ware; trombonists Lawrence Brown, Vic Dickenson, Tyree Glenn, J. C. Higginbotham, Miff Mole, and Dicky Wells; clarinetists Buster Bailey and Pee Wee Russell; and violinist Stuff Smith. As you probably guessed, they were all together in Harlem, around number 17, East 126th Street, New York, NY, in front of Art Kane's camera, for the most spectacular reunion of jazz talent that ever happened. See more about it here.

See you in September.


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Me voy a tomar un breve paréntesis del blog y de ordenadores en general. A modo de repaso, éstas son algunas de las cosas que quería comentar antes de desconectar. En primer lugar, las MALAS NOTICIAS: como es bien sabido, últimamente han fallecido unos cuantos músicos. Johnny Griffin, que al menos vio publicada su biografía y no dejó de tocar hasta el final (véase la entrada correspondiente), Jo Stafford, Hiram Bullock... y Lee Young, batería, productor y hermano de Lester Young.

KEITH SHADWICK (1951-2008) es alguien de quien quizás no se haya hablado en los medios en español. No llegué a conocerle en persona, pero le leía regularmente en la revista británica Jazzwise (trabajaba para diversos medios). Sus reseñas de reediciones de jazz solían combinar información y retranca de forma admirable, sobre todo las de los discos de dudoso cumplimiento de la legislación europea sobre derechos de reproducción y aquellos cuyo contenido no coincide con lo que se dice en la portada. En España quizás haya a quien le suene por ser el autor de la enciclopedia que se podía adquirir en fascículos con la compra de la Verve Collection que puso en circulación Time-Life hacia 1999. Shadwick ha fallecido tres años después de que le diagnosticaran un mesotelioma, una extraña forma de cáncer de pulmón causada por la exposición al asbesto; desde su diagnóstico, Shadwick hizo campaña para concienciar el público sobre esta enfermedad. Lo que se había programado como una gala de recaudación de fondos para el pasado martes, se convirtió en un homenaje póstumo, ya que Shadwick falleció la semana anterior). Aun así resultó reconfortante ver la sala del primer piso del Ronnie Scott's repleta de amigos, músicos y gente del sector... Para todo el que quiera contribuir a esta causa, o aunque sólo sea por comprobar las habilidades musicales de un crítico, Candid Records ha publicado un CD con música de Shadwick (también tocaba el saxo) que empezó a grabar a principios de los 70 y que finalizó a principios de este año. La recaudación por la venta del CD va destinada a la investigación sobre esta forma de cáncer.

REEDICIONES: UPTOWN ha publicado un par de discos a su nivel habitual (altísimo, en comparación con otros sellos), Charlie Parker - Washington D.C. 1948 y Dizzy Gillespie Big Band - Showtime at the Spotlite, 52nd Street, New York City, June 1946. Ya los tengo, los comentaré más adelante. Lo mismo va para la nueva serie de reediciones baratas de SonyBMG. Los diversos CDs que componen la serie bien merecen una cata. Téngase en cuenta que todos son, en realidad, cajas ya publicadas y ahora reenvasadas, aunque la de Duke Ellington contiene cuatro temas inéditos (¡que me aspen!) Estos CDs han salido al mercado semanas antes del reciente anuncio de la compra por Sony de la parte de BMG en la sociedad que habían formado, sin demasiado éxito, ambos gigantes mediáticos. A este respecto, el director de una revista de jazz británica comentaba hace unos días la falta de producto de jazz de SonyBMG en el último año y medio. Francamente, yo no espero que las cosas cambien con la nueva situación... seguirá habiendo poca cosa, salvo la edición especial por el 50º aniversario de Kind of Blue, que se publicará el año que viene (¿qué nos jugamos?)

Novedades en Internet: tengo que añadir un nuevo website a la lista de favoritos que hay a la derecha de este blog. DONALD CLARKE ya tiene su site en marcha. Es uno de mis autores favoritos, porque conoce un montón de música, y la conoce a fondo, y además su forma de escribir es comodísima de leer, como si uno estuviera sentado con su tío favorito y éste le contara historias junto a un buen fuego, con un par de copas. Además, ha subido a su website sus libros (en inglés) Rise and Fall of Popular Music (Auge y caída de la música popular, el último libro que me he leído dos veces seguidas) y su excelente biografía de Frank Sinatra (para lectores más interesados en cuestiones musicales que de otra índole).

PARA TERMINAR... el 12 de agosto, por la mañana temprano (hora de Nueva York) puede preguntarse uno dónde andaban hace cincuenta años los pianistas Count Basie, Hank Jones, Jimmy Jones, Marian McPartland, Thelonious Monk, Luckey Roberts, Horace Silver y Mary Lou Williams; los trompetistas Red Allen, Roy Eldridge, Emmett Berry, Buck Clayton, Dizzy Gillespie, Art Farmer, Max Kaminsky, Taft Jordan, Rex Stewart y Joe Thomas; los cantantes Jimmy Rushing y Maxine Sullivan; los saxofonistas Bud Freeman, Benny Golson, Johnny Griffin, Gigi Gryce, Coleman Hawkins, Hilton Jefferson, Gerry Mulligan, Rudy Powell, Sonny Rollins, Scoville Browne, Sahib Shihab, Ernie Wilkins y Lester Young; los baterías Art Blakey, Sonny Greer, J.C. Heard, Jo Jones, Gene Krupa, Zutty Singleton y George Wettling; los bajistas Milt Hinton, Chubby Jackson, Charles Mingus, Oscar Pettiford y Wilbur Ware; los trombonistas Lawrence Brown, Vic Dickenson, Tyree Glenn, J. C. Higginbotham, Miff Mole y Dicky Wells; los clarinetistas Buster Bailey y Pee Wee Russell; y el violinista Stuff Smith. Como habrá supuesto, estaban todos juntos en Harlem, reunidos ante el 17 de East 126th Street de Nueva York, posando para la cámara de Art Kane, en la mayor reunión de talentos del jazz jamás ocurrida (véase la foto más arriba). Más información, aquí (en inglés).

Nos vemos en septiembre.