Sean Levitt, maestro guitarrista (1955-2002)

2021-02-03, revisión: a raíz de un par de comentarios en la versión en inglés de este blog de John Lyon, autor de Sean Levitt—Seven Transcriptions, que incluye la biografía, aunque breve, más completa que he visto de Levitt, he corregido algunos errores de la entrada original, y solamente he añadido el nombre completo de Levitt y las fechas y lugares de nacimiento exactos del guitarrista. 

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Aunque las biografías de jazz se suelen echar al cajón de las tragedias con demasiada alegría, hay casos en los que ese sesgo está justificado. El de Sean Levitt, un guitarrista extraordinario del que quizás no haya oído hablar, es uno de esos casos.

Sean Levitt en Salamanca, 1986 (fuente)

La magia de Django

Hay muy poco cine de Django Reinhardt tocando (esto, a partir de 2:28, es lo más potable con diferencia), lo cual dificulta la apreciación de su increíble técnica. Pero siempre se puede extrapolar.

Por lo que suena en sus discos, es evidente que Django era apabullante, pero la cuestión técnica se vuelve más interesante si tenemos en cuenta que en su mano izquierda sólo contaba con dos dedos plenamente funcionales, el índice y el anular, por un accidente en un incendio cuando tenía 19 años.

(Fuentes: izquierda / derecha)

Julian Lage eléctrico

Foto de Nathan West

Julian Lage es uno de los grandes guitarristas de su generación. En su día niño prodigio, como quedó documentado en Jules at Eight ("Juli" a los ocho), dejó de ser una mera promesa hace muchos años. Hoy forma parte de una enorme variedad de proyectos, pero su propio trío —su guitarra acompañada por contrabajo y batería— es la unidad en la que más brilla.

La última vez que tocó en Londres, en julio de 2018, en un momento del concierto preguntó qué día era, no tanto porque hubiese perdido la cuenta  —habitual en músicos de gira— sino en agradecimiento al respetable por haber llenado el Jazz Café de Camden Town un martes para escuchar, como él dijo, jazz.

Una biografía de Oscar Alemán

Sergio Pujol
Oscar Alemán: La guitarra embrujada
Planeta; Buenos Aires, 2015
Rústica; 312 pp.

La de Oscar Alemán (1909-1980) es una de esas vidas que tienden a caer en la cuneta de la historia porque no se ajustan al canon jazzístico. Pero a ver cómo encaja uno la figura del guitarrista negro argentino que triunfa en Europa antes de la Segunda Guerra Mundial tocando jazz sin haber pisado Estados Unidos.

Notas sobre el centenario de Charlie Christian

Hoy es el centenario del nacimiento de Charlie Christian. En el Club de Jazz hemos montado un programa de dos horas y media largas, y para prepararlo me he pasado los últimos meses revisitando las grabaciones completas del guitarrista (salvo contadas excepciones, como los acetatos de Bill Savory atesorados en el National Jazz Museum de Harlem). Mi lista me dice que contiene 239 cortes —unas 13 horas de música— incluidos los de la big band de Benny Goodman en los que se supone que toca Christian. Además, he estado escuchando a otros guitarristas (como Bus Etri tocando "Flying Home" en 1940, por ejemplo) y una generosa ración de música de cuerdas de Texas y Oklahoma conocida como "Western Swing".

Charlie Christian en la sesión de los Metronome All-Stars
7 de febrero de 1940. Cortesía de Leo Valdés.

Como es inevitable que por el centenario se vuelvan a regurgitar las mismas historias de siempre, aquí van unas notas a vuelapluma sobre CC:

El Rey ha muerto; larga vida al blues

BB King por Naiel Ibarrola

BB King ha muerto y da la sensación de que hemos llegado al fin de una era. Hay músicos que parecen haber estado siempre "ahí". En el caso de King, ya estaba tocando cuando mi padre era un bebé; cuando se publicó su primer éxito "Three O'Clock Blues", Elvis tenía 16 años. Además, es el último bluesman conocido en todo el mundo que salió de los algodonales de Mississippi, donde nació en 1925. Y también es, con total seguridad, el último líder de orquesta que anduvo el largo camino desde el legendario "chitlin' circuit", el circuito de teatros y clubes donde tocaban los músicos afroamericanos, a los auditorios más selectos del planeta.

Es el fin de una era.

Un par de libros y vientos de cambio

Para ser uno de los idiomas más hablados del mundo, el español cuenta con una bibliografía sobre jazz que da pena verla. Si descontamos las traducciones del material foráneo, la cosa se queda en nada.

Por eso estamos de enhorabuena. En primer lugar, Sergio A. Pujol —en España les puede sonar por haber sido corresponsal de Cuadernos de Jazz en Argentina— acaba de sacar Oscar Alemán—La guitarra embrujada (Planeta, Buenos Aires), su biografía del gran Oscar (sin tilde, se dice /osCAR/) Alemán, que, a falta de más datos, promete. Aparte de las capacidades del autor, la figura de Alemán (1909-1980) es fundamental para entender la permeabilidad de la propia música en general y lo pronto que viajó el jazz por el mundo, principalmente como música de baile (hablamos de cuando los discos indicaban el título del tema y el paso de baile correspondiente, como el "fox trot").

Aquí puede escucharse música de toda la carrera de este virtuoso de la guitarra.

El fragmento que publica aquí Página 12 es un buen aperitivo de lo que puede ser el libro.

La ficha técnica del libro puede verse aquí.

Hace algún tiempo escribí esto sobre lo mucho y pronto que ha viajado el jazz.

Steve Brown & Guillermo Bazzola

STEVE BROWN & GUILLERMO BAZZOLA
Una Pequeña Alegría
Brown Cats Productions (BC9508)

Guillermo Bazzola, Steve Brown (g).

Grabado el 8 de abril de 2013. Duración: 58:36

Una pequeña alegría es la última entrega de Steve Brown y Guillermo Bazzola, un dúo de pares inter pares (las notas no aclaran quién toca qué) e improbable por la separación de sus edades, irrelevante, y la geográfica: Brown vive en Ithaca (estado de Nueva York, EE UU), mientras que Bazzola vive en Madrid, España. Quizás por ese motivo se grabó a la antigua, en un día.

La larga tradición de los dúos de guitarras en el jazz no quita para que sea un formato complicado. Esta la similitud del sonido, aun con arreglos imaginativos, y el riesgo de caer en la pirotecnia típica de los guitarristas. En este caso, las primeras notas no resultan muy prometedoras: ambas guitarras suenan con timbres similares, el típico sonido limpio que se asocia al jazz, y el tema es una bossa nova, una trampa que lo mismo puede salir preciosa como anodina.

Aunque bonita y con cierto peso, como suele pasar en vivo, el "Caminhos Cruzados" (de Jobim) que abre el disco funciona pero no es representativa; la otra bossa, "Esencia" (del pianista gallego Alberto Conde) viene interpretada con más nervio. Es en el segundo tema, "Los Mareados", donde Brown y Bazzola se meten en harina. Este es un viejo tango, una aportación de Bazzola, argentino, y su melodía está interpretada con sensibilidad y elegancia. Es uno de los puntos álgidos del disco, junto con el otro tango de la sesión, "Nada", cuya hermosa melodía viene realzada por pequeños matices rítmicos, por la forma en que la guitarra acompañante cae levemente detrás del compás.

Hasta siempre, Johnny Winter

Johnny Winter

"Sólo espero que se me recuerde como un buen músico de blues."

—Johnny Winter, hace un mes, aquí.

Con su melena blanca y su delgadez de junco, Johnny Winter era un músico muy reconocible. También era uno de los grandes héroes de la guitarra eléctrica. Ha fallecido durante su gira europea, el 16 de julio en Zurich (Suiza), según su representante. Tenia 70 años.

Dada su longevidad y visibilidad como guitarrista, habrá necrológicas de sobra en las que se detallarán su vida, sus altibajos, y su música. Para muchos, especialmente los seguidores de músicas poco amplificadas, Winter podía ser demasiado estridente. Sus discos de mediados de los ochenta, afectados por las prácticas de masterización del momento, son un buen ejemplo de ese sonido punzante y quebradizo. Aun así, son buenas muestras de blues eléctrico y rock'n'roll, creo yo. Como ésta.

El lado "clásico" de Marc Ribot

El nivel de los guitarristas de hoy en día roza lo absurdo, especialmente con la extendida tendencia al eclecticismo, a no restringirse a un solo estilo de música. Gente como Bill Frisell, Julian Lage, Nels Cline... son capaces de saltar de un género a otro sin despeinarse, mientras que otros, quizás más especializados, como Russell Malone, Frank Vignola, John Pizzarelli o, en otro ámbito, Joe Morris y Mary Halvorson no dejan de conquistar nuevas cotas artísticas.

Todos esos músicos son extraordinarios, y quien lea estas debería echarles un tiento, en vivo o en disco, y muy especialmente a un favorito de este blog, Marc Ribot, que hoy cumple 60 años.

Ribot ha tocado y grabado como líder y como acompañante en proyectos tan dispares como el Electric Masada de John Zorn hasta el disco Raising Sand  de Alison Krauss y Robert Plant, o se ha hallado en situaciones como la del Jazzaldia del año pasado, en el que tocó un día en el Maratón zorniano y al siguiente acompañó a Diana Krall. Sin ser un virtuoso en el sentido convencional —aunque su técnica sirve de sobra su propósito, o simplemente quizá sea hija de éste— el gusto de Ribot, su toque y, sobre todo, su tono magro y suculento lo han convertido en un músico muy buscado (lo cual, dicho sea de paso, sirve para restaurar la fe en la escena musical de hoy en día).

De niño Ribot fue vecino, en Brooklyn (Nueva York), del notable guitarrista y compositor haitiano Frantz Casseus, quien impartíó clases al joven Marc. En este artículo (en inglés), Ribot habla ampliamente sobre su mentor.

Marc Ribot y Frantz Casseus en 1987. Foto de Harriet Ribot.

Es el Día Internacional del Jazz...

Que conste que me alegro mucho por el Día Internacional del Jazz de la UNESCO y tal, pero dado que uno escucha jazz, piensa en jazz o escribe sobre jazz (a veces hasta aparece en mi sueños) todos los días, mi celebración se limitará a unos momentos de silencio para recordar a todos los hombres y mujeres que han dedicado sus vidas a perseguir un ideal de belleza a través de esta música, especialmente quienes fueron y van contra corriente, bien por problemas personales, enfermedades, apuros económicos, la cárcel, o la falta de un público atento.

Como ilustración sonora, les dejo con una grabación en directo, en un club de Nueva York liderada por tun tipo alegre, un virtuoso de la guitarra, en este caso, que se nos fue demasiado pronto porque trabajó demasiado para sacar adelante a su familia numerosa, acompañado por un pianista semiolvidado, un verdadero maestro del blues y el swing que también nos dejó demasiado pronto porque vivió la vida que tenía que vivir, a pesar de su epilepsia.

Para todos los músicos, independientemente de género, color de piel o nacionalidad va este "I Remember You" ("me acuerdo de ti").

DEP Francisco Sánchez

Francisco Sánchez, alias Paco de Lucía (foto ABC)

La muerte de Francisco Sánchez nos privará de nuevas aventuras de Paco de Lucía, del escalofrío al verle aparecer sobre un escenario, de la euforia al final de un recital. Nos dividirá a los melómanos entre quienes le vimos en concierto y quienes no. Estos últimos podrán consolarse con la enorme cantidad de discos y vídeos que deja, testimonio de las varias vidas que Francisco Sánchez pudo embutir en la de Paco: aunque Francisco Sánchez apenas había cumplido los 66, Paco llevaba más de cincuenta años trabajando. Los tópicos del flamenco y del andaluz, ya se sabe.

Para el que suscribe, un niño en la década de los setenta, la primera impresión de Paco, en televisión, fue la de un tipo con carisma, guapo y muy serio. Con su pelo largo peinado con raya, vestido a la moda pero manteniendo una prudente distancia de los excesos de la época, a sus veintitantos años era, además, joven. Y tocaba muy rápido.

Paco en TVE

El (posible) 60º cumpleaños de la guitarra de rock

No hay aficionado a cualquier tipo de música al que no le guste una buena conversación sobre quién fue el primero en hacer algo. Si hay guitarras eléctricas de por medio pueden llegar a saltar chispas (ja, ja). La figura del macho, del héroe no tan ajeno al cine de James Bond o del Oeste, se presta a este tipo de elucubraciones.

Una conversación reciente al respecto consistió en remontar la típica genealogía bíblica en busca del padre primigenio. Pongamos que partimos de Eddie Van Halen. Hendrix. Ese tipo de ídolo de la guitarra idolatrado. Jeff Beck, Clapton. Magos de la electricidad con una fuerte inclinación por el blues. Jóvenes creadores de mundos sonoros, de nuevas técnicas, nuevos recursos, singularmente dotados para plantarse ante decenas de miles de personas hipnotizadas. Mike Bloomfield, cómplice de la electrizada y electrizante aparición de Dylan en Newport... Y el rastro parece difuminarse hacia 1960. No obstante, si yo tuviese que señalar un ejemplo originario de guitarra eléctrica verdaderamente escandalosa, con fechas de grabación y publicación tempranas y una interpretación verdaderamente innovadora, mi voto iría para un tema grabado hoy hace 60 años. Este:

(Poner tan ALTO como sea posible)

En efecto. Esto es "Space Guitar", la "guitarra espacial", un tema que grabó Johnny "Guitar" Watson, dos días antes de su 19º cumpleaños, el 1 de febrero de 1954. El disco se publicó al siguiente mes a nombre de "Young John Watson" en el sello Federal, en el single nº 12175 (con "Half Pint A-Whiskey" en la cara B).

Inesperadamente... Biréli Lagrène

Hay discos mediocres que, no obstante, encierran sorpresas inesperadas. Los hay que solamente merecen un recuerdo por un instante de brillantez.

Un ejemplo de este tipo de grabacion sería el Stuttgart Aria de Jaco Pastorius. Último capítulo de la discografía de Pastorius, este disco es cuando menos irregular, pero recompensa al oyente que lleve su escucha hasta el final con el solo de Biréli Lagrène en "The Days of Wine and Roses", grabado cuando el guitarrista apenas tenía veinte años.

Biréli Lagrène cumple 47 hoy.

PD: Años después de la edición original, Jazzpoint publicó un doble cedé, Broadway Blues & Teresa, con música de las sesiones de Stuttgart Aria, sin teclados. En Spotify puede escucharse esta misma versión de "Days of Wine and Roses", sin teclados.

Los colores del Blues: negro, blanco… ¿y rojo? (y III)

Con el texto de hoy termina el extracto publicado en su día en Internet por UTNE Reader, de The Guitar and the New World, el nuevo libro de Joe Gioia. Una vez más nuestro agradecimiento va para el autor y la editorial, SUNY Press. Si han gustado las dos partes anteriores (la primera y la segunda), el resto del capítulo “Hey-Hey” elabora y profundiza sobre las cuestiones que ha planteado hasta el momento. En otras palabras, hay bastante más miga.

Como ha ocurrido con los libros que citaba Gioia en la segunda parte (especialmente el de Hamilton), puede que a algunos lectores se les atragante su visión tan demoledora del pasado del blues, género del que se habla, por ejemplo, de pactos con el diablo sin pestañear. Como parece que está ocurriendo con los autores clásicos como Oliver o Charters, puede que con el tiempo haya que corregir lo que cuenta Gioia. No obstante, el descuido con el que se ha tratado a los nativos de Norteamérica con respecto a la música del subcontinente es tan abrumador, que la verdadera importancia del texto de Gioia no son tanto las respuestas que ofrece, algunas aparentemente muy razonables, sino las preguntas que plantea; no lo que ha encontrado, sino el hecho de haber enfocado su linterna en otra dirección, inexplicablemente virgen.

En el "peor" de los casos, el libro puede considerarse una guía personal del autor sobre la música norteamericana de la primera mitad del siglo XX. Aunque sin el texto a mano algún tema parecerá fuera de lugar, prácticamente todas las canciones que se citan están, por orden de aparición, en esta lista de Spotify (los enlaces del texto llevan a YouTube).

Ahora sí, después de haber postulado que hay razones de peso para considerar seriamente el papel de los indios de Estados Unidos en el origen del blues y otras músicas típicas de ese país, se adentra por ese sendero, en el que empieza a encontrar indicios...

Los colores del Blues: negro, blanco… ¿y rojo? (II)

Seguimos con el extracto del capítulo "Hey, Hey", de The Guitar and the New World de Joe Gioia. En el de ayer el autor señalaba los dos relatos de principios del siglo XX que originan la historiografía del blues, el de Charles Peabody y el de W. C. Handy, y cómo de ahí se han vinculado sus orígenes con la esclavitud o, más allá aun, con África, sin que haya forma de demostrarlo.

Gracias, una vez más, a Joe Gioia y a la editorial por dar su permiso para traducir este texto y publicarlo aquí. La versión en inglés está aquí, y se puede leer entera en el sitio de UTNE Reader.

Los colores del Blues: negro, blanco… ¿y rojo? (I)

Uno de los aspectos más fascinantes de la historia de la música popular de EE UU es el origen del blues. Al considerarse el núcleo duro de toda la música popular del siglo XX, la simiente de un fenómeno de masas como el rock, el contraste con sus humildes orígenes en el Delta del Mississippi le dan un carácter épico a un género ya de por sí evocador y visceral. Si además se presenta como el sustrato musical de la supervivencia al secuestro, la travesía transatlántica y la esclavitud en ultramar, la mitificación es casi inevitable.

Además, sobre este mito se ha ido depositando un sedimento que apenas deja lugar para discusiones legítimas sobre el origen del género musical, una especie de dogma apelmazado por consideraciones siempre inútiles sobre su pureza, su autenticidad. Inútiles, porque si la historia es una película, en el mejor de los casos la autenticidad no es más que un fotograma escogido arbitrariamente por una serie de prejuicios, elegido como referencia absoluta e indiscutible contra la que se compara, humillado, el resto de la película. Digo en el mejor de los casos, porque no son pocos en el que esa autenticidad ni siquiera es un fotograma de la película, sino un pasado utópico, un ideal que no ha existido nunca.

Charley Patton - "I Shall Not Be Moved" ("No nos moverán")

Sin pruebas fehacientes, al blues se le ha asignado una trayectoria inseparable de los esclavos traídos de África a América y sus descendientes. En el principio sólo era cosa de negros, y al entrar en contacto con los blancos fue contaminándose. Extrapolando esa trayectoria imaginada, el origen del blues estaría en África. Por una serie de motivos, entre ellos la asfixiante presencia real del racismo en EE UU, el estudio y el debate sobre lo que conocemos como blues choca contra muchas barreras y prejuicios. Por ejemplo, con tanto insistir en la dicotomía negros/blancos, ¿no nos estamos olvidando de alguien?

¡Fiesta en casa de los Barnes! (1ª parte)

Esto puede sonar exagerado, pero creo que no tendremos una idea exacta de la medida en que la música popular de EE UU de cierta época está empapada de jazz hasta que no se haga una buena discografía (con los nombres de todos los músicos implicados) de Columbia y RCA, y sus subsidiarias. Al ser los dos sellos más importantes de los años cincuenta, a algunos se nos hace la boca agua sólo de pensarlo. Hay gente para todo.

Evidentemente, la música es música, y debería bastar con poder escucharla para preciar todos sus sabores. Aun así, las impresiones se ven afectadas al saber quién toca exactamente en un disco, y parece que los músicos de jazz, o al menos músicos con fuertes inclinaciones jazzísticas, o veteranos de las big bands cuyos primeros pasos profesionales consistieron en tocar música con un alto octanaje de jazz, abundan en la música popular de EE UU de los años cincuenta y sesenta. Y no sólo por los músicos de Stan Kenton o Count Basie presentes en los discos de Sinatra. Hay mucho más.

Citas de músicos: Marc Ribot sobre la técnica

No quiero imponer un ideario a una canción. Lo que respeto es la capacidad de leer la canción, de averiguar la intención de la canción. La técnica debe ponerse al servicio del significado. La gente que no entiende esta idea es... boba.

Marc Ribot en una entrevista junto a Nels Cline

con Jim Macnie para el número de julio de 2011 de la revista DownBeat 

Marc Ribot - guitar
Henry Grimes - bass
Chad Taylor - drums

¡Django!

El pasado 23 celebré el cumpleaños de Django Reinhardt con una selección improvisada y de memoria de sus grabaciones, y la circulé entre amigos y en Twitter. Su guitarra fue uno de mis primeros ganchos en el jazz y sus grabaciones siguen siendo especiales.

O sea que, sin más preámbulos, aquí tienen mi Django!. Las grabaciones datan de mediados de los 30 a 1953. Si suena un violín, se trata de Stéphane Grappelli. El clarinete es el de Hubert Rostaing, y el saxo tenor, de Alix Combelle (en "Finesse" la corneta es de Rex Stewart y el clarinete, de Barney Bigard). Según la fecha, Django toca una guitarra acústica, una acústica electrificada, o una eléctrica.

Espero que disfruten esta música (en YouTube o Qobuz).

* LES YEUX NOIRS