Miles Davis en Newport '58 (fotos... y algo de cine)

La cuarta (4ª) edición del Festival de Jazz de Newport se celebró en 1958. Buena parte quedó inmortalizada en la película Jazz on a Summer's Day, "Jazz en un día de verano", pero no toda. Si se compara con los discos que publicó Columbia de aquella edición del festival, la selección de la película no desmerece, pero es incompleta. Un motivo fue que el metraje del primer día apenas era aprovechable (hubo cambio de técnicos de último minuto y a partir de la segunda jornada las cosas funcionaron). Uno de los grupos del primer día, el 3 de julio, era, lamentablemente, porque no salen en la película, el efímero sexteto de Miles Davis con Cannonball Adderley, John Coltrane, Bill Evans, Paul Chambers y Jimmy Cobb. El grupo de Kind of Blue, vaya.

Hace unos pocos años se recuperó metraje no usado del Festival. Queda por investigar, o publicarse, su contenido, si es que es aprovechable. En todo caso, el sonido del pase del sexteto de Miles está disponible desde hace años.

Escuchar en Qobuz/YouTube

Es posible que Miles Davis, acompañado por su pareja de la época, Frances Taylor, pasara allí más de un día.

Gerry Mulligan, Frances Taylor, Miles Davis

Frances Taylor y Miles Davis (fuente)

Por la gracia de las pantallas  de ordenador mejoradas y la publicación de imágenes de alta definición, hoy en día es posible apreciar detalles hasta ahora desaparecibidos (como en esta foto de Herman Leonard o este cine de Thelonious Monk). Pues bien, resulta que en el segmento del trío de Thelonious Monk se puede apreciar a Miles Davis, Frances Taylor, posiblemente a Symphony Sid acercándose a saludar a Miles, y en la esquina inferior izquierda, al bajista Bill Crow, que actuaría con el cuarteto de Gerry Mulligan y Art Farmer (aparecen en la película).

[1] Bill Crow [2] Miles Davis [3] Frances Taylor

[1] Bill Crow, [2] Miles Davis,
[3] Frances Taylor, [4] Symphony Sid(?)

Miles Ahead en fotos

Hace algún tiempo reuní las fotos que pude encontrar de Dennis Stock de la primera sesión para el disco Milestones de Miles Davis.

Ahora le toca el turno a una de las sesiones de Miles Ahead, la primera colaboración de Davis con Gil Evans para Columbia, un disco significativo en la carrera de Miles Davis por su éxito popular (el famoso cambio de portada fue posible por la rapidez con que se agotaban las tiradas). Las fotos son de mayo de 1957 en el estudio de Columbia de la calle 30 en Manhattan y están sacadas del website oficial de Miles Davis, en el que no se incluye ninguna información de fecha, lugar o personal. Por los créditos del estuche Sony con las grabaciones completas de Miles Davis y Gil Evans, sabemos que las tomó Don Hunstein, fotógrafo de plantilla de Columbia.

Segunda y definitiva portada del elepé (fuente)

La imagen más significativa es la del conjunto (salvo bajo y batería) porque muestra la disposición de músicos y micrófonos (en total se usaron cuatro) para grabar una orquesta descompensada entre metales (un micrófono en el centro para cinco trompetas, cuatro trombones, dos trompas y una tuba) y "cañas" (un micrófono para cuatro sillas compartiendo saxo/clarinetes/flautas/oboe). Como prácticamente único solista, Davis tiene su propio micro y supongo que el cuarto era para bajo y batería, que están fuera de la imagen (pulsar en la imágenes para ampliarlas).

Charlie Parker y Chet Baker hace 70 años

A finales de octubre de 1953, hace 70 años, el productor Gene Norman, el mismo del sello GNP/Crescendo, organizó una minigira en la costa oeste de Estados Unidos con dos bandas. El cartel lo encabezó el cuarteto de Dave Brubeck, con Brubeck al piano, Paul Desmond al saxo alto, Ron Crotty al contrabajo y Lloyd Davis a la batería; 1953 fue un año significativo para Brubeck: el cuarteto grabó Jazz at Oberlin el 2 de marzo y el 14 de diciembre, semanas después de esa minigira registraría Jazz at College of the Pacific. 

Los teloneros de esa minigira fueron un quinteto de Charlie Parker con Chet Baker a la trompeta, Jimmy Rowles al piano, Carson Smith al contrabajo y Shelly Manne a la batería (Parker y Baker se habían conocido el año anterior en California). Por su parte, el 15 de mayo Charlie Parker había participado en el famoso concierto en el Massey Hall de Toronto, y en el segundo semestre del año pasaría por el Open Door, lugar de unas grabaciones espectaculares y las célebres fotos de Bob Parent.

Según la cronología de Leif Bo Petersen, las fechas de la minigira fueron las siguientes:

    30 de octubre : Olympia (Washington)

    31 de octubre : Seattle (Washington)

    1 de noviembre: Portland (Oregón)

    2 de noviembre: Vancouver (Canadá)

    4 de noviembre: Eugene (Oregón)

    7 de noviembre: Hollywood (California)

    8 de noviembre: San Diego (California)

En Portland, fueron retratados por el fotógrafo local by Carl Henniger:

Carson Smith y Charlie Parker

Los discos de Steve McQueen

Independientemente de sus cualidades como actor, Steve McQueen fue un tipo fotogénico, de lo que dejaron constancia fotógrafos como William Claxton o John Dominis. Este último, que ya ha pasado antes por el blog, es el autor de esta imagen, llamativa para cualquier melómano.

Steve McQueen en 1963 por John Dominis
©John Dominis/Time & Life Pictures/Getty Images
(fuente)

La pregunta inmediata es qué elepés tiene desparramados por el suelo el Sr. McQueen (quiero pensar que no está pisando uno con su pie izquierdo). Creo que he conseguido identificar correctamente todas las cubiertas visibles, incluso las que lo son sólo en parte, o sea que allá vamos.

Las dos conclusiones inmediatas son, en primer lugar, que McQueen debía de tener algún contacto directo o indirecto en el sello Atlantic: no sólo es el que predomina, sino que parece tener hasta tres copias de un mismo álbum de esa discográfica.

En segundo, esta colección de discos es hija de su tiempo. Aunque los elepés de vinilo grabados y publicados en mono a mediados de los 50 ya podían considerarse de alta fidelidad, a partir de 1957 se empieza a grabar en estéreo —habitualmente en paralelo al mono— y para finales de aquella década el estéreo se ha generalizado, con la consiguiente explosión de la alta fidelidad en EE UU. 

Ante la proliferación de los equipos en estéreo, las compañías discográficas fueron, por un lado, abandonando el sonido monoaural y, por otro, adaptaron sus existencias en mono al nuevo estéreo, con procesos de "remasterización" o "recanalización" que podían consistir en poco más que reproducir la misma música por ambos canales con leves diferencias de ecualización o fase para dar sensación de espacio al oyente. Este es el caso de al menos dos de los dos elepés que figuran a continuación, el "6" y el "14". El resto son elepés publicados en estéreo, salvo en un par de casos.

He etiquetado los discos identificados, por aquello de facilitar las cosas. También he añadido enlaces a Qobuz (para el audio) y Discogs (para la información sobre los discos).

Finalmente, está claro que el Sr. McQueen tenía un gusto exquisito, o sabía dejarse aconsejar.

(Click para agrandar)

Lennie Tristano Personal Recordings 1946-1970: los "contrafactos"

(Mosaic/Dot Time MD6-272)

En el repertorio del jazz es común el uso de "contrafactos" (del latín "contrafactum"), término acuñado en inglés ("contrafact") por James Patrick en 1975 para denominar la sustitución de la melodía de una canción por una distinta pero manteniendo la secuencia de acordes subyacente, como por ejemplo al pasar de "How High the Moon" a "Ornithology" (véase esta lista en Wikipedia). En su artículo (publicado en el Journal of Jazz Studies, vol. 2, nº 2), Patrick abordaba las composiciones de Charlie Parker, que popularizó esta práctica, aunque hay que decir que ya se aplicaba en los años del Swing, antes de la Segunda Guerra Mundial, como "A Smo-o-o-oth One", que está basado en "Love Is Just Around the Corner". Consideraciones artísticas aparte, hay que tener en cuenta que este truco permitía al compositor de la nueva melodía ser el propietario de toda la composición, y recibir los correspondientes royalties, aunque la progresion armónica fuera "prestada".

El centenario de Oscar Pettiford

 

Oscar Pettiford en Newport, 1958
(pantallazo de Jazz on a Summer's Day)

Así como el pasado 22 de abril conmemorábamos el centenario de Charles Mingus (artículo/podcast), el viernes 30 le tocaba al otro gran contrabajista/líder de la época, hoy menos recordado, pero en su día —falleció en 1960— tan ilustre como aquel: Oscar Pettiford.

Miles Davis: 4 de febrero de 1958 en fotos

El martes 4 de febrero de 1958, el estudio de discos Columbia de la calle 30 de Manhattan estaba reservado para una sesión de grabación por la tarde. Duró de las 2 a las 6:30, con Harry Chapman, "Chappy" para los amigos, un veterano de la casa desde primeros de los cuarenta, en el control de sonido.

El personal, músicos y productor, quizás no eran conscientes en aquel momento de que aquella sería su penúltima sesión juntos. Aquella y la siguiente, exactamente un mes después, iban a ser las últimas producidas por George Avakian para Miles Davis, a quien había puesto en el mapa tras contratarlo exclusivamente para Columbia, sello con el que grabaría 30 años, entre 1955 y 1985.

Estas sesiones del 4 de febrero y marzo también serían las últimas con Red Garland y "Philly" Joe Jones, piano y batería originales del Primer Quinteto. Juntas compondrían el disco Milestones, un hito, como dice el título, de la carrera de Davis, que en aquel parecería insuperable. Por poco tiempo, en todo caso: el siguiente disco en combo sería Kind of Blue.

Portada de Milestones. Fotografía de Dennis Stock.

El disco navideño de Betty Glamann (y por qué importa la discografía)

En el decenio de los cincuenta del siglo pasado, cuando los equipos de grabación sonora mejoraron notablemente a la vez que los técnicos acumulaban experiencia y la liquidez de las compañías discográficas americanas permitían registrar cualquier experimento que se les ocurriera, el arpa tuvo su momento en el jazz. En la segunda mitad de la década no era raro encontrarse con nombres como Dorothy Ashby, Betty Glamann o Janet Putnam en portadas de discos —al menos las dos primeras— y en numerosas sesiones de grabación, generalmente en estudio, pero a veces también en vivo, como Glamann con la banda de Oscar Pettiford en 1957 y 58.

Glamann fue un talento precoz. A los 13 años ya estaba tocando dos veces por semana con una orquesta sinfónica en la radio (NBC). De ahí pasó a la sinfónica de Baltimore, una temporada con el excéntrico pero exigente Spike Jones, y apareció en programas de televisión con solera, como los de Garry Moore y Steve Allen. En el mundo del jazz tuvo su prestigio: su arpa se puede escuchar en A Drum Is a Woman de Duke Ellington, Jazz Contrasts de Kenny Dorham, Legrand Jazz de Michel Legrand y en el Vol. 2 de la orquesta de Oscar Pettiford (reeditado como Deep Passion).

A mitad de década grabó un par de discos de jazz, digamos que de cámara, Poinciana para Bethlehem, Swinging on a Harp con Mercury, como colíder de un combo con el bajista Rufus Smith, por el que pasaron gente de la talla de Barry Galbraith, Osie Johnson o Eddie Costa. Y años después, hacia 1967, grabó un disco navideño para la oscura Vicson Music Company. 

Billy Taylor y The Subject is Jazz

Billy Taylor (fuente)

Billy Taylor (1921-2010), doctor en música, cuyo centenario celebramos hoy, inició su carrera grabada en marzo de 1945, en plena explosión de la revolución que encabezaron Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Había debutado como profesional meses antes, y tuvo que adaptarse a las novedades, sobre todo rítmicas, anclado como venía en lo que él llamaba "pre-Bop" (lo que hacía gente como Don Byas, Budd Johnson, Charlie Christian o Clyde Hart). 

Su primer bolo profesional fue con Ben Webster en el Three Deuces, en la mítica calle 52, en 1944. Desde entonces tocó, literalmente, con todo el mundo. Ya en 1946 visitó Europa bajo la batuta de Don Redman, y se quedó en París unos meses. En 1951 pasó a ser el pianista de la casa en Birdland, y poco después formó su propio trío, la formación más habitual de su carrera.

Eso solo es el principio de su larguísima e ilustre carrera como intérprete, unos cimientos tan sólidos como los de cualquiera para las otras facetas de su vida musical. 

Bud Powell con el Noneto de Miles Davis

Bud Powell en Birdland

Uno de los muchos descubrimientos de Peter Pullman en su biografía definitiva de Bud Powell es que el pianista actuó en una ocasión con el famoso, pero efímero, noneto de Miles Davis, el del disco Birth of the Cool. 

Sabemos que el pianista habitual del grupo era John Lewis, que también aportó una serie de arreglos ("Move", "Budo", "Why Do I Love You") y composiciones ("Rouge", "S'il Vous Plaît") y está presente en todas las grabaciones salvo en la primera sesión de estudio, en la que le sustituye Al Haig. 

Según Pullman, Powell tocó con el Noneto en 1950 en Birdland. En su libro (pp. 138-139) cita ampliamente el testimonio del joven pianista Sy Johnson, con apenas 20 años y viviendo en Connecticut, para el que la excursión a Nueva York para ver y escuchar al Noneto de Miles Davis (que compartía cartel con el sexteto de Lennie Tristano) debió de ser una ocasión especial. Quizás sea ese el motivo por el que él si la recordara, al contrario que cada uno de los músicos sobre el escenario aquella noche con los que habló al cabo del tiempo.

Un milagro de swing: el octeto de Benny Goodman y Count Basie

En el otoño de 1940, Benny Goodman se había sometido a la primera de sus numerosas operaciones de espalda y ya se estaba recuperando. Aunque había suspendido las actividades de su big band durante el verano, había mantenido a algunos hombres en nómina, como el mago de la guitarra eléctrica, Charlie Christian, que había aprovechado para visitar a familiares y amigos en Oklahoma, en su primera oportunidad desde su fichaje por Goodman el verano anterior.

Si bien Goodman seguía siendo un líder de orquesta popular, había perdido algo de chispa después de la salida de algunos nombres clave de su big band, especialmente Harry James y Gene Krupa, y con su orquesta del momento parada, los rumores eran incesantes. Uno de los más repetidos fue una posible fusión con la orquesta de Count Basie, que también estaba pasando un mal momento con su agencia de contratación. Aparte de la admiración mutua y de que grababan para el mismo sello, otro nexo de las dos bandas era el productor y cazatalentos John Hammond, entusiasta promotor de ambas bandas y, desde 1942, cuñado de Goodman.

Benny Goodman y Charlie Christian se suben al escenario del teatro Apollo
de Harlem con la orquesta de Count Basie, el 24 de octubre de 1940 (fuente)

Sean Levitt, maestro guitarrista (1955-2002)

2021-02-03, revisión: a raíz de un par de comentarios en la versión en inglés de este blog de John Lyon, autor de Sean Levitt—Seven Transcriptions, que incluye la biografía, aunque breve, más completa que he visto de Levitt, he corregido algunos errores de la entrada original, y solamente he añadido el nombre completo de Levitt y las fechas y lugares de nacimiento exactos del guitarrista. 

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Aunque las biografías de jazz se suelen echar al cajón de las tragedias con demasiada alegría, hay casos en los que ese sesgo está justificado. El de Sean Levitt, un guitarrista extraordinario del que quizás no haya oído hablar, es uno de esos casos.

Sean Levitt en Salamanca, 1986 (fuente)

Jamal v. Shearing (o un aplauso para Crosby & Fournier)

El piano es un instrumento con el que las comparaciones entre músicos son relativamente inmediatas. Aunque no hay dos pianos iguales, los mecanismos comunes, la imposibilidad de forzar notas (con permiso de Monk) y el sonido acústico, sin adulterar en general, constituyen una vara de medir más exacta que cualquier otro instrumento (salvo el triángulo, quizás) para diferenciar músicos. Un ejemplo radical: entre 1958 y 1959 Dave Brubeck y Bill Evans grabaron en el mismo estudio, la "iglesia" de Columbia Records en la calle 30 de Manhattan, y es probable que en algún momento usaran el mismo piano; aun así, son fácilmente diferenciables.

Pianos en el estudio de Columbia de la calle 30 (fuente)

Apuntes sobre Charlie Parker

Charlie Parker

A raíz de la preparación del podcast del Club de Jazz por el centenario de Charlie Parker, aquí van unos apuntes a vuelapluma: 

Del archivo: sobre Charlie Parker

Rebuscando en los archivos, he encontrado un par de reseñas publicadas en su día en Cuadernos de Jazz —¿se acuerdan?— y ya que estamos de centenario parkeriano, las recupero aquí. Apenas las he tocado. La primera (edición en papel, septiembre de 2005) es del directo de 1945 que publicó Uptown, un disco que, de haber salido años atrás, sería parte inapelable del canon; la segunda (edición web, noviembre de 2013), de las biografías de Parker firmadas por Chuck Haddix y Stanley Crouch, respectivamente. 

Que les aproveche.

Cecil Taylor baila...

Uno de los puntos en común entre los músicos y su público es la pasión por la música. Si no pasión, sí presencia abrumadora en nuestras vidas cotidianas. En esto del jazz, con tanto monstruo innovador y porque la historia se ha contado como si fuera una carrera de relevos en la que el testigo sería la "influencia", siempre ha interesado saber qué escuchan nuestros ídolos. Sabemos que Miles Davis escuchaba de todo, incluyendo mucho jazz —sus blindfold tests lo demuestran— o que Coleman Hawkins apenas ponía otra cosa que música clásica en casa.

Uno de esos monstruos que comentaba fue Cecil Taylor. Seguirá levantando pasiones encontradas, pero creo que estaremos todos de acuerdo en que era un pianista bestial con una integridad artística y personal inamovible.

Pues bien, en las redes me he encontrado con esta fotos, originales de Deborah Feingold:

(Fuente)

(Fuente)

Taylor parece estar danzando —algo que también hacía en sus conciertos— en su "sala de música", en la que además del piano y una conga (bajo su brazo derecho), se ven un montón de elepés desperdigados, entre los que se distinguen tres portadas.

Nueva entrevista con Charlie Parker

Leigh Kamman

Maravillas de Internet, en este caso del locutor Leigh Kamman, fallecido en 2014 a los 92 años, con presencia en YouTube y su propia web. 

Entre las joyas de sus archivos se encuentra la breve entrevista con Charlie Parker incluida al final de esta entrada. Está fechada en 1954 y apareció ayer mismo en YouTube. Es una entrevista telefónica, en la que Kamman se presenta como "The Little Bandmaster" ("el pequeño director de orquesta") del programa The 1280 Club de la emisora WOV de Nueva York.

¡Hank Mobley y Bobby Timmons en cine!

El vídeo de esta entrada es un extracto del singular documental Monk (1968) de los hermanos Christian y Michael Blackwood. A los lectores les puede resultar familiar, como su segunda parte Monk in Europe (también de 1968), dado lo mucho que se aprovecharon en trabajos posteriores de otros autores como Straight, No Chaser (de 1988), también sobre Monk, y el más reciente The Jazz Baroness (2012), sobre Nica de Koenigswarter.

Ambas películas no tienen parangón en cuanto a imágenes de grandes del jazz en acción. Solo en Monk se puede ver a Wes Montgomery relajándose entre bastidores en un festival producido en Atlanta por George Wein, que también aparece en pantalla, o al productor Teo Macero y el ingeniero Frank Laico trabajando con Monk en un estudio de Columbia Records (el 14 y 21 de diciembre de 1967, acaso el estudio A, en el 799 de la Séptima Avenida en Manhattan). En otra escena similar la incluida más abajo (hacia el minuto 51), Monk comparte la cocina del Village Vanguard con Roland Kirk.

Para más información, la web de Michael Blackwood tiene páginas dedicadas a Monk y Monk in Europe aquí y aquí, respectivamente. Las películas pueden verse en Vimeo, aquí y aquí, respectivamente.

Paul Chambers toca el mambo (más o menos)

Paul Chambers en 1958
por Dennis Stock

Los recopilatorios en cajas son una maravilla, pero pueden resultar un poco incómodos de digerir. Un buen ejemplo es el sensacional estuche con las grabaciones completas de Miles Davis con Gil Evans, Miles Davis - Gil Evans: The Complete Columbia Studio Recordings, publicada en 1996. Contiene seis cedés repletos de músicas que dieron lugar a cuatro álbumes, con lo que las cuentas ya adelantan el resultado: hay mucha música, con mucha repetición.

No obstante, la escucha atenta con el equipo adecuado —suficiente presencia en todas las frecuencias, particularmente en los bajos— puede revelar joyitas como lo que toca Paul Chambers con su contrabajo en la toma 5 de "New Rhumba".

La magia de Django

Hay muy poco cine de Django Reinhardt tocando (esto, a partir de 2:28, es lo más potable con diferencia), lo cual dificulta la apreciación de su increíble técnica. Pero siempre se puede extrapolar.

Por lo que suena en sus discos, es evidente que Django era apabullante, pero la cuestión técnica se vuelve más interesante si tenemos en cuenta que en su mano izquierda sólo contaba con dos dedos plenamente funcionales, el índice y el anular, por un accidente en un incendio cuando tenía 19 años.

(Fuentes: izquierda / derecha)