Bis: Benny Goodman y Sexteto... ¡inéditos!

Auld, Goodman, Williams, Christian
(Autor desconocido)

Casualidades que suceden: la entrada anterior era sobre Charlie Christian y sus grabaciones con Benny Goodman, y ésta también.

Como todo, las redes sociales son útiles según como se usen. A mí y a quien lea esto nos habrá servido para escuchar 22 minutos de un programa de radio grabado el 19 de febrero de 1941 en la emisora WNYC, en el que el locutor, Ralph Berton, va pidiendo temas a Benny Goodman y su sexteto. Aunque hay un cedé (Benny Goodman: A Tour de Force / The Small Groups, Live, Encore 7001) que incluye un par de cortes de este programa ("Sheik of Araby", y "Gone with 'What' Wind"), el resto es completamente inédito, tanto que parte del programa ni siquiera aparece en la discografía de Leo Valdés. Quizás lo más interesante sea el blues en si bemol, totalmente improvisado.

El programa puede escucharse aquí, y el repertorio es el siguiente:

     00:00  Rose Room (final)
     00:52  Flying Home
     05:49  Blues in Bb
     10:42  The Sheik of Araby
     13:13  Body and Soul (George Auld a cuarteto)
     17:38  Gone with "What" Wind
     20:40  Stompin' at the Savoy

El grupo lo forman Goodman al clarinete, Christian a la guitarra, Cootie Williams a la trompeta, George Auld al saxo tenor, Johnny Guarnieri al piano, Artie Bernstein al contrabajo y Dave Tough a la batería. Gracias a Loren Schoenberg por el aviso.

Reseña: Genius... de Charlie Christian

Sony/Legacy acaba de reeditar la caja de Charlie Christian que publicó en 2002. Pica aquí para leer mi reseña en Cuadernos de Jazz.

ND: Michel Legrand - Legrand in Rio

[NOVEDADES: Véase el final de esta entrada.]

De vez en cuando publicaré algo de investigación discográfica, o notas discográficas (de ahí lo de "ND"). Esta trata sobre un LP de Michel Legrand, pianista, arreglista y popular compositor cinematográfico, que se dio a conocer en el mundo del jazz con su Legrand Jazz, un disco grabado en tres sesiones con un personal de lujo (Miles, Coltrane, Bill Evans, Ben Webster...) a las órdenes de un mocoso francés de 26 años, cómo cambian los tiempos.

Legrand in Rio es inmediatamente anterior a Legrand Jazz y musicalmente está más cerca de grabaciones previas de Legrand como I Love Paris. El título del disco en EE UU y el Reino Unido, In Rio, engaña porque en realidad se trata de una colección de versiones instrumentales de clásicos de España, Cuba, México, Argentina y Brasil, bien arreglados y bien ejecutados, con cierta sustancia y algunos solos jazzísticos, pero totalmente encuadrado dentro de la música instrumental de la época.

Aunque al escuchar el disco queda claro que Legrand in Rio y Legrand Jazz son discos muy distintos, por algún motivo el primero se ha relacionado con el segundo (del que se conocen los datos exactos de personal y fechas), probablemente a modo de hipótesis. Esta es la información que ofrecían tanto la discografía de Lord como la de Bruyninckx la última vez que miré (en inglés en el original):

Sinatra y su gira mundial de 1962

Hoy habría sido el 97º cumpleaños de Frank Sinatra. Buscando vídeos, me he encontrado con el que sigue a continuación, sacado de su gira de 1962, en la que se hizo acompañar por un sexteto, con una formación idéntica a la del de Red Norvo, con quien había girado anteriormente (Norvo no estaba disponible en esta ocasión), lo que le confiere un aire más ligero y jazzístico a la música.

Pero, antes de nada, un par de extractos de The Song is You (Da Capo, New York, 1997) de Will Friedwald, volumen indispensable sobre Sinatra y su música.

Citas de músicos: Maestro Lecaros

"Hay que tener un piano en la casa, no hay que tener ni refrigerador ni nada de eso, nada más que un piano... ni tele, pero hay que tener un piano."

Maestro Roberto Lecaros,
(n. 1944) músico chileno, en una entrevista reciente.

Sinatra en directo (1961)

Acabo de toparme con un concierto de Sinatra en Sidney (Australia) de 1961. En esa época Sinatra estaba en plena forma, era el final de su etapa Capitol, antes de sus problemas con los Kennedy, antes de la apoteosis del Rat Pack, años antes de "Strangers in the Night".

Peter Brötzmann y... Lionel Hampton

El saxofonista alemán Peter Brötzmann (n. 1941), un instrumentista con un soplido podría convertir un soprano curvo en uno recto, es una de las principales figuras de la música improvisada europea. Surgió a finales de los sesenta y, aunque cabría esperar que se hubiera inspirado en músicos estadounidenses de inclinaciones similares, esto es lo que explica sobre su disco rompedor y hasta violento Machine Gun (1968) y su inesperado modelo:

"Yo lo que quería era sonar como cuatro saxos tenores a la vez, ese es el sonido que quería... La idea la saqué de la banda de Lionel Hampton, la orquesta que tenía, con cuatro saxos verdaderamente potentes en la primera línea, tocando al unísono. Ese es el sonido que he tratado de obtener, eso es lo que estaba tratando de lograr con Machine Gun y eso es lo que aún persigo."

Peter Brötzmann, entrevistado en el número de noviembre de la revista Wire.

Brötzmann actuará con su Chicago Tentet en el Cafe Oto de Londres, los días 9 y 10 de noviembre, en el marco del London Jazz Festival.

Lionel Hampton: "Flying Home" (1967)

Peter Brötzmann: "Machine Gun" (1968)

Art Blakey y Paul Chambers: dúos

El domingo 29 de marzo de 1959, justo entre las dos sesiones que nos dieron Kind of Blue, al parecer, el bajista de aquella, Paul Chambers (edad: 23) y el veterano baterista Art Blakey (edad: 39) llegaron temprano a una grabación a nombre del pianista Sonny Clark.

Mejor lo cuenta el productor Michael Cuscuna, que encontró estas cintas en la década de los setenta:

[...] otro hallazgo singular en los almacenes de Blue Note. Yo estaba repasando sistemáticamente cada bobina de cada sesión inédita. Cuando puse la primera de las correspondientes a una sesión inédita de Sonny Clark del 29 de marzo de 1959, que al final salió como My Conception, no se oía ni una sola nota de piano. Las primeras dos tomas eran unas versiones espectaculares de "I’ve Got My Love To Keep Me Warm" y "What Is This Thing Called Love" que no podían venir más que de Paul Chambers y Art Blakey. Nunca supe cómo llegaron a grabar (quizás el resto de la banda llegó tarde), pero me alegro de que lo hicieran.

Como para no alegrarse. Si en las numerosas grabaciones en las que participaron Chambers y Blakey dejaron un nivel de calidad consistentemente alto, aquí, siempre en primer plano y sin escondite posible, dan una lección magistral de lo que es una sección rítmica. Quizás el más favorecido por la falta de vientos es Blakey, más sutil y menos demoledor que de costumbre, pero con un swing igualmente arrollador, especialmente en el peligroso "What Is This Thing Called Love?". En esa línea del "menos es más", donde Blakey realmente deslumbra —al menos a estos oídos— es en el tema de Irving Berlin, más lento aunque de tempo vivo. La versatilidad de Blakey con la batería, o cosas aparentemente tan sencillas como su acompañamiento al primer solo de Chambers, son una maravilla.

Disponibles, con un sonido excelente, en Mosaic Select: Paul Chambers, y en el Drums Around the Corner publicado a nombre de Art Blakey.

Brad Mehldau cumple 42

¿Qué tendrá el éxito de los músicos de jazz que inspira tanto odio de forma casi automática? Cualquiera que sea el mecanismo, Brad Mehldau ha logrado cierto éxito, mucho en términos jazzísticos, y como corresponde no han faltado quienes han disfrutado poniéndole a caer de un burro (y si es cierto que el aficionado al jazz medio es un hombre blanco de mediana edad, habrá que revisar la presunta superioridad de las mujeres en el cotilleo con ensañamiento y otros deportes similares).

Hoy Mehldau cumple 42. Aunque las crónicas del mundo anglosajón suelan olvidarlo, grabó su primer disco a trío en Barcelona para Fresh Sound New Talent en 1993, y dos años después, a los 25, pasó a una multinacional, Warner's (¡cómo han cambiado las cosas!) Yo le descubrí en 1997, recomendado por el veterano escriba y productor Ira Gitler, nada menos, en el Jazzaldia, el festival de jazz de San Sebastián. Poco después me mudé a Londres, y uno de los primeros discos que me compré en esta ciudad, en un mercado callejero, fue precisamente The Art of the Trio, Vol. 1. Esa fue mi última reseña en el diario local para el que escribía entonces.

La música puede aprovecharle a uno a varios niveles. En el caso de un escriba, uno puede entender el mérito de una pieza dada, también puede gustarle como a cualquier otro aficionado y, en algunos casos, puede llegar a contribuir a su salud mental. La pieza del vídeo, "Elegy for William Burroughs and Allen Ginsberg", ha sido un refugio a lo largo de los años.

Gracias y feliz cumpleaños, Brad Mehldau.

El inolvidable Sr. Jones

Hank Jones en su bolo más famoso

Hoy es el cumpleaños de Hank Jones. Fue un excelente pianista, la elegancia personificada, cuya carrera abarca más de 60 años. Para algunos quizás fuera demasiado recatado, pero en cualquier caso siempre fue honesto consigo mismo. También fue el primer músico al que entrevisté en inglés, en 1996. Fue paciente, amable, e incluso me dio las gracias por haberle recordado a algunos músicos con los que tocó.

Falleció hace dos años, pero no se le olvida. Naiel Ibarrola y yo le brindamos un pequeño homenaje en Cuadernos de Jazz, y el número de noviembre de 2008 contiene un artículo mío en profundidad sobre toda su carrera.

Para los angloparlantes, van recomendados estos dos vídeos, sacados de una clase magistral de 2004, publicada en DVD. El primero es una entrevista en profundidad, el segundo es un recital suyo. También va muy recomendado este árticulo del pianista Ethan Iverson.

The Very Thought of You.......01:43
Alone Together................06:41
Oh, Look at Me Now............11:15
Oh, What a Beautiful Morning..15:53
Six and Four..................21:07
Recorda-me....................26:12
Don't Blame Me................29:22
Polka Dots and Moonbeams......34:41
Bluesette.....................40:42
Monk's Mood...................44:31
Ain't Misbehavin'.............48:36

Barenboim y Bird sobre la improvisación

La improvisación es, para mí, la forma artística más elevada, porque cuando ves una partitura por primera vez [...] La primera reacción es visceral, es instinto [...] La única forma de alcanzar ese posible estadio de hacer música [como arte] —posible— llega en el momento en que hemos asimilado todo eso y logramos una suerte de inocencia consciente que nos permite improvisar, que nos permite tocar en ese preciso instante como si se nos acabara de ocurrir. [...] Es un estado privilegiado de la vida de un ser humano.

Daniel Barenboim, Reith Lecture,

Londres, 6 de mayo de 2006

Primero aprendes tu instrumento, a continuación aprendes la música y, finalmente, te olvidas de todo eso y te limitas a tocar.

Charlie Parker citado por Artie Shaw en el libro de Gene Lees
Meet Me at Jim and Andy's

(Oxford University Press, 1988)

El jazz según Branford Marsalis (y Blakey)

Ben Sidran... entrevistó a Art Blakey, y le preguntó "si tuvieras que describir el jazz con una sola palabra, ¿cuál sería?" Art le repitió la misma palabra tres veces: "Intensidad. Intensidad. Intensidad. Incluso en las baladas"... De esta manera, incluso si parte del público no entiende qué estamos haciendo, sentirán lo que estamos haciendo.

Del vídeo a continuación, visto en Rifftides, el blog de Doug Ramsey.

El último disco del cuarteto de Branford Marsalis, Four MFs Playin' Tunes, acaba de publicarse.

Viejos amigos y cassettes

Aunque vivo en Londres, vengo de un pueblo pequeño del País Vasco, en el norte de España. Estábamos muy cerca de San Sebastián y su célebre festival de jazz, pero la verdad es que apenas había vida musical o cultural. La única librería del pueblo la llevaba un vecino, y había un par de tiendas de discos diminutas, en una de las cuales me pasé muchas horas muertas pegando la hebra con Iñaki, el dueño. De esto hace muchos años, antes de Internet, del mp3, de los cedés grabables. Para pasarnos música entre amigos, o nos prestábamos los discos, o nos los grabábamos en cassette.

Las grabaciones "completas" de John Coltrane en Spotify

Hoy es el 45º aniversario del fallecimiento de John Coltrane. Para conmemorar a este músico, uno de los más extraordinarios del siglo pasado, a lo largo de los últimas semanas he montado una lista en Spotify con sus grabaciones, como líder y como acompañante, en orden cronológico. El total asciende a más de 800 temas, cuatro días de escucha ininterrumpida.

Sorpresa en The Jazz Standards de Ted Gioia

Hace unos días, Ted Gioia ha publicado un libro sobre los standards de jazz. Gioia es uno de los autores más reputados en estos temas, desde que publicara su historia del jazz en la costa oeste, región que históricamente no ha sido bien tratada por la crítica. Después han venido su historia del jazz, su historia del blues, etc.

En este nuevo libro sobre el cancionero clásico de EE UU, una de las pocas versiones que no está publicada en cedé es la siguiente:

Susana Raya es cordobesa, cantante y guitarrista, y acaba de terminar sus estudios de guitarra de jazz en Amsterdam. Esta entrevista de 2009 parece un buen retrato. 

Aunque la cita de Gioia es breve, destaca esta versión como ejemplo de las posibilidades que ofrece "My One and Only Love". En todo caso, Susana comparte así capítulo en un libro de fuste con Charlie Ventura, Art Tatum & Ben Webster, John Coltrane & Johnny Hartman, Sonny Rollins, Chick Corea, McCoy Tyner, Michael Brecker, Cassandra Wilson, Joshua Redman, Sting, Mark Murphy y Kurt Elling. Ahí es nada. 

El hecho de que un señor tan "importante" como Gioia haya dado semejante espaldarazo a un músico tan "poco importante" como Susana Raya es un buen ejemplo de crítica exclusivamente musical, dejando a un lado condicionantes como la fama, el "nombre", el prestigio, el currículum, la discografía previa, etc. Vaya esto no sólo para quienes escribimos, sino para quienes programan festivales, especialmente con dinero público. 

Esta semana ha terminado bien. Que empiece bien la siguiente.

Diez favoritos de Sonny Rollins... en Spotify

Hace unos días Sonny Rollins hizo una lista de sus diez saxofonistas preferidos para la revista Jazz Times. La lista puede verse aquí y con acceso a Spotify, puede escucharse aquí.

Y, hablando de saxos tenores y Spotify, los fansde John Coltrane harán bien en pasarse por estas páginas el próximo martes...

Duelo de baterías: Ed Shaughnessy y Buddy Rich

En sus memorias, que acaban de publicarse como e-book, Ed Shaughnessy cuenta el duelo de baterías que mantuvo con Buddy Rich, buen amigo pero competitivo en extremo, en el programa de Johnny Carson. Empieza explicando el pequeño arreglo que había organizado con Doc Severinsen, director de la orquesta, y a continuación relata su conversación con Rich antes y después del programa:

... le dije, "Mira, ya sabes que somos amigos. Ni tengo que decir que quiero que toques bien, y sé que vas a tocar bien, pero no salgas ahí y empieces a tocar... el tipo de cosas que no puede tocar nadie más que tú...

Me dijo: "bah, no te preocupes; no tienes por qué preocuparte... yo no te haría una cosa así"...

[Atención a Rich a partir de 2:18]

... Y me dio la risa... en vez de tratar de competir con él —algo imposible— me limité a levantar las baquetas y tocarlas entre sí...

Volví al vestuario al final del programa y le dije, "Oye, viejo amigo, ¿qué ha pasado con nuestro trato?...

Me miró y me dijo, con sinceridad mal disimulada, "ya sabes, me pudo el entusiasmo".

Otras citas (IV): Xabi Alonso

¿Qué músicos de jazz te gustan?

He visto a grupos que tocan aquí [en Madrid], en el Populart o en el Café Central, pero he escuchado más a gente a la que me introdujo [mi hermano] Mikel, a los clásicos: Chet Baker, Duke Ellington, Louis Armstrong... Cuando él se interesó, yo también escuchaba lo que ponía...

Xabi Alonso (jugador de fútbol del Real Madrid y la selección española), preguntado por Íñigo Gurruchaga para la revista JotDown (número especial en papel).

Citas de músicos: Max Roach sobre la perspectiva histórica

Algunos discos se grabaron clandestinamente, porque si grababas te multaban y te expulsaban del sindicato. Siempre era un follón y había que hacerlo a toda prisa. Charlie Parker escribió buena parte de sus composiciones en taxis de camino al estudio [...] Era entrar y salir inmediatamente, porque el sindicato andaba siempre acechando a la vuelta de la esquina. Lo que no deja de sorprenderme, cuando recuerdo cómo hacíamos las cosas, es que hoy se considere una música tan profunda.

Max Roach acerca de las grabaciones realizadas en 1948 durante la huelga del Sindicato de Músicos de ese año, entre las que se incluye el "Parker's Mood" de Charlie Parker "Parker's Mood", citado en el libro de Geoffrey Haydon Quintet of the Year (Aurum Press, 2002).

Cómo enganchar a los críos al jazz: un caso con éxito

Gerhard Mornhinweg

En la entrada anterior presentaba a la Conchalí Big Band, un proyecto que lleva 18 años funcionando con éxito, a la vez obra social, terapia de grupo y, sobre todo, escuela de música, en un entorno desfavorecido en el que este tipo de proyecto habría sido un lujo improbable e inalcanzable; en 2002 llegaron a hacer una minigira por Europa.

El hecho de que todo esto se haya hecho realidad, y con éxito, se debe a dos factores: uno, el entusiasmo de los chavales cuando se les da la oportunidad de tocar música, y el impulso e inteligencia del líder y fundador de la orquesta, Gerhard Mornhinweg (en la foto).

En el vídeo de hoy, Mornhinweg, originalmente intérprete de trompa clásica, explica los fortuitos orígenes de la orquesta, y cómo, siendo sólo algo mayor que sus alumnos (tenía 22 años cuando nació la Conchalí) no tardó en descubrir que

yo no debo enseñar, sino que el otro debe aprender

y que

si no hay interés, no podemos enseñar nada.

La historia de esta orquesta como elemento de formación de jóvenes músicos, en su desarrollo individual, y como medio para mostrarles y hacerles creer en sus posibilidades más allá del ámbito de su barrio o del entorno social y económico en que le haya tocado nacer, es un ejemplo más de los múltiples motivos por los que debería promoverse la enseñanza de la música.

Y si no es así, vengan esos argumentos en contra.

De la educación musical: Conchalí Big Band (I)

El eterno debate sobre cómo sacar al jazz de la unidad de cuidados intensivos —por así decirlo— parece revivir especialmente a finales de primavera. Como cualquier diletante que se precie tengo mis propias ideas al respecto, que espero volcar pronto en el típico artículo definitivo sobre el tema. Hasta que llegue ese momento, les contaré que si se trata de chavales y su formación, no me importa tanto el jazz como la música en general. 

Los lectores habituales habrán notado que hablo a menudo de músicos chilenos. Aparte de felices coincidencias, los motivos son dos: uno, que en general me gusta mucho lo que hacen y, dos, que me intriga el improbable entusiasmo con el que trabajan y se arrojan en pos de una música que debería resultarles muy ajena por la distancia geográfica y temporal que les separa de los clásicos del jazz. Una explicación de ese entusiasmo improbable es la Conchalí Big Band. 

Esta big band es una orquesta juvenil, con sede en la poco favorecida comuna de Conchalí, en Santiago de Chile. Entre los músicos que han pasado por sus filas y por este blog se incluyen Andrés Pérez, Cristian Gallardo, Marcelo Maldonado, Agustín Moya o Cristian Orellana, todos ellos instrumentistas de primer nviel que no serían ellos mismos si no hubieran pasado por esta big band. 

El vídeo que viene a continuación es un documental de 2005 sobre la vida en la carretera y se centra principalmente en tres músicos de la orquesta: Emilio Melo (tp), Juan Saavedra (tb) y Domingo Alicera (g). Merece la pena verlo, especialmente porque muestra hasta qué punto puede beneficiar la música a unos críos, y por la sorprendente madurez y sensibilidad de unos renacuajos. Por citar unos ejemplos,

Saavedra (sobre la música):

Uno expulsa lo que está dentro de uno. Uno echa fuera todas las presiones. Uno saca lo que tiene en el interior, de tal manera que queda más libre.

Alicera (sobre la música)

Siempre soy yo, yo encuentro. Serán frases hechas, pero, igual, yo siento dónde ponerlas. Yo me imagino dónde hay que ponerlas, yo lo siento, entonces... siempre hay una conexión con lo de uno [...]

De repente hay tanta lógica que uno pierde la sensibilidad, y lo más importante es la sensibilidad, sentir lo que uno está tocando.

Melo (sobre la escolarización):

A veces hay que pagar y no hay recursos para entrar en un colegio pagado ni nada de eso. Hay que ir a un colegio mula. No hay esperanza para los pobres.

En los próximos días publicaré algo más sobre su director y maestro, Gerhard Mornhinweg.

Que lo disfruten.

Otras citas (III): Ray Bradbury

Federico Fellini [...] dijo "No me expliques lo que estoy haciendo, no quiero saberlo" 

~~~~~

No sabía qué estaba haciendo [yo], pero me alegro de que se hiciera.

Ray Bradbury, sobre su desinterés por conocer los "motivos secretos" que han conformado su obra, en el prólogo a la edición del 50º aniversario de Fahrenheit 451
(HarperVoyager, 2008)

Más vídeos de jazz chileno

La gente de DeReojo Producciones están teniendo el detallazo de ir subiendo episodios de sus series documentales jazz_cl, sobre la historia del jazz en Chile, y Tempo, sobre la escena actual de ese país. A continuación vienen los enlaces a las entradas actualizadas de este blog, así como otro material disponible.

• Contracuarteto
• Cristian Cuturrufo
• Gonzalo Palma Trío (último vídeo de la entrada)
• Jorge Díaz Trío
• Martin Joseph & Pacific Ensamble

Y además

• Tempo, episodio 2: dedicado al cuarteto de fusión La Marraqueta
• Tempo, episodio 6: dedicado al grupo de "soul jazz" Aluzinati

De jazz_cl, dos episodios que abarcan el jazz en Chile hoy.

• jazz_cl, episodio 5: Referencias contemporáneas de todas las ramas del jazz
• jazz_cl, episodio 6: La prolífica escena actual, presentando a lo mejor del jazz joven del país.

Material histórico gratis, un montón de vídeos... y noticias sobre Satchmo

Internet es como una enorme red de autopistas con muy pocas señales de fiar. Uno puede conducir a donde le plazca, pero cómo sabe uno qué sitios merece la pena visitar.

No es que yo lo sepa, pero en el caso de Franz Hoffmann y Mark Cantor la experiencia y los años han demostrado su trabajo es minucioso, fiable y cuidadoso. El hecho de que un montón de investigadores, escritores y otra gente interesada en el jazz recurran sin falta a ellos es la mejor prueba posible.

¿Y a qué se debe el prestigio de Hoffmann y Cantor? 

Franz Hoffmann, alemán, ha recopilado una serie de colecciones de anuncios extraídos de diversos periódicos del nordeste de EE UU —New York Age, Baltimore Afro-American, New York Amsterdam News, Chicago Defender, The New York Times, Pittsburgh Courier y Village Voice, entre 1901 y 1967— y las ha publicado y vendido como libros (están disponibles como CD-ROM en la Jazz Book Shop de Norbert Ruecker). La idea es sencillísima, pero al llevarla a cabo Hoffmann ha hecho público un montón de información exacta sobre actuaciones y otras noticias, y además ha desvelado una imagen muy definida de la extraordinaria vida musical de EE UU.  Hoffmann también es el autor de sendas bio-discografías de Henry 'Red' Allen y J.C. Higginbotham, así como otros trabajos, como su investigación sobre los programas de jazz en TV de Art Ford.

La buena noticia es que todo ese material está disponible de forma gratuita. Los anuncios están aquí, y los trabajos sobre Allen y Higginbotham, así como otros materiales, están aquí. Hoffmann también tiene su propio canal en YouTube, donde ha subido más de 400 grabaciones raras, acompañadas de imágenes extraídas de su colección de anuncios. El canal es Kanal von Hoffmannjazz.

En cuanto a Mark Cantor, cuando se trata de películas con actuaciones musicales, principalmente jazz pero también de otros géneros, Cantor es, simplemente, el hombre al que recurre todo el mundo. En resumen, es casi seguro que cualquier documental serio en el que haya imágenes de músicos tocando haya recurrido a los servicios de Cantor. Uno de los aspectos que le distingue es su ardua labor de identificación de todo el mundo que aparece en pantalla, así como cualquier otra información relevante. La presentación al sitio web de Mark está aquí, y en su canal de YouTube puede disfrutarse una generosa ración de su trabajo. 

Esta es, por ejemplo, una buena muestra de lo que hace Mark:

La versión de "Lover" por Jack Teagarden es, precisamente, uno de los hitos de una grabación clásica de Louis Armstrong, la registrada en 1947 en el Symphony Hall de Boston (para muchos españoles conocida porque la escogió el Cifu para la colección El Gran Jazz). Aquel fue el año en que empezó el resto de la vida de Satchmo, por así decirlo, y el que marcó el nacimiento de los All-Stars, el combo que le acompañaría hasta su muerte un cuarto de siglo después. De ese año también tenemos el concierto en el Town Hall de Nueva York, pero la actuación de Boston es mi favorita, el típico disco que todo el mundo debería tener en casa (aquí está en Spotify, MySpace, y iTunes).

La excelente noticia es que Universal y el Museo de Louis Armstrong en Queens están trabajando juntos para publicar una edición completa de dicho concierto, con material inédito hasta ahora. Saldrá en el sello Hip-O Select, y tiene toda la pinta de que va a ser un pelotazo. 

Otras citas (II): Pío Baroja

Pío Baroja, hacia 1918, habla sobre música preguntado por un periodista acerca de la literatura. 

[La obra que es cosa vieja, retocada] es lo que produce el entusiasmo del público. Pasa en la literatura como en la música, que en general hasta que no se recuerda la melodía no gusta. Todo lo que sea recapitulación tiene siempre éxito, porque encuentra el ambiente hecho [...] En estas recapitulaciones hay a veces un elemento nuevo, pero al público le gusta la recapitulación cuanto menos nuevo haya en ella.

Poco después se da la razón a sí mismo y se incluye entre el público.

Los valses tienen siempre para mí gran sugestión. A pesar de estar ya gastados, tan usados, tan manoseados, siguen haciéndome efecto.

Pío Baroja, Las Horas Solitarias
(Ediciones 98, Madrid 2011, pp. 330 y 333)

Citas de músicos: Levon Helm sobre la música

"Tratamos de tocar conforme a una tradición. La música no es una moda, ni es un estilo, ni es ninguna de esas historias a las que ha de servir. La música no es teatro... Uno puede hacer de la música un montón de cosas, porque a la música le da igual."

Levon Helm, que hoy habría cumplido los 72,
entrevistado  en 1984.

THE BAND

Richard Manuel: piano y voz

Rick Danko: bajo y voz

Garth Hudson: órgano y teclados

Robbie Robertson: guitarra

Levon Helm: batería y voz

 con

 Snooky Young: trompeta

Earl McIntyre: trombón

JD Parran: saxo alto

Joe Farrell: saxo tenor

Howard Johnson: saxo barítono

 En la Academy of Music de Nueva York,

Nochevieja de 1971.

Celebrando a Sun Ra...

Documental (en inglés): Sun Ra: A Joyful Noise (Robert Mugge, 1980)

Documental (en inglés): Sun Ra, Brother from Another Planet (Don Letts, 2005)

Película (en inglés): Space is the Place (John Coney, 1974)

Satchmo dominical

Los dúos de cantante más instrumento acompañante siempre ofrecen algo especial. Ninguna de las dos partes tiene donde esconderse; a cambio, cantante e instrumentista tienen más espacio de maniobra y una mayor flexibilidad para acomodar al otro. 

Independientemente de gustos, Louis Armstrong, Oscar Peterson y Herb Ellis son músicos extraordinarios, y escucharles en este formato es una delicia. Los dos dúos en cuestión vienen ambos del disco Verve de 1957 Louis Armstrong meets Oscar Peterson (Verve/Universal 0602498840283).

Louis Armstrong (voz) con Oscar Peterson (piano): "What's New?" (en MySpace / en Spotify)

Louis Armstrong (voz) con Herb Ellis (guitarra): "There's No You" (en MySpace / en Spotify)

PD: El jovencísimo y eminente satchmólogo Ricki Riccardi se explaya aquí (en inglés) sobre "There's No You". Su excelente libro sobre la madurez de Louis Armstrong, What a Wonderful World, acaba de salir en rústica.

¡Feliz 99, Woody Herman!

Woody Herman, nacido el 16 de mayo de 1913, es mi jefe de orquesta favorito, y su banda de 1944-1946, llamada "Primer Rebaño", la que más escucho por puro placer. Herman tenía una capacidad de fomentar el talento de sus músicos al alcance de muy pocos. En esta grabación, registrada el 19 de septiembre de 1946 (movimientos I-III) y el 27 de diciembre de 1947 (movimiento IV) dio carta blanca a su arreglista de 24 años Ralph Burns para que le hiciera "algo sinfónico", tarea que Burns llevó a cabo en casa de la madre del bajista Chubby Jackson en el verano del 46, mientras se reponía de las inclemencias de la vida en carretera.

En principio esta suite tenía solamente tres movimientos, y el cuarto se añadió a posteriori con el único fin de completar las cuatro caras de los dos discos en que se publicó. La pieza entera merece varias escuchas atentas, pero entre las cosas en las que yo me fijaría están todo el arreglo en general (especialmente la parte que empieza hacia 4:30 con las distintas secciones cabalgando en sentidos opuestos), la sección rítmica (también con arreglos escritos), el solo de saxo barítono al principio del segundo movimiento (3:16), el  motivo que toca el piano durante la transición del segundo al tercero (6:03), la explosión de blues al final del tercer movimiento (7:56), y los angelicales ocho compases de Stan Getz que cierran toda la suite, y que prácticamente inauguran el estrellato de un saxofonista que entonces tenía solamente ¡20 años!.

Personal (de Mosaic Records): 


"Summer Sequence" (I, II, III)
LA, September 19, 1946


Sonny Berman, Cappy Lewis, Conrad Gozzo, Pete Candoli, Shorty Rogers (tp), Bill Harris, Ralph Pfeffner, Ed Kiefer, Neal Reid (tb), Woody Herman (cl, as, vcl), Sam Marowitz (as), John LaPorta (cl, as), Flip Phillips, Mickey Folus (ts), Sam Rubinwitch (fl, bari), Ralph Burns (p, arr), Chuck Wayne (g), Joe Mondragon (b), Don Lamond (d), Ralph Burns (arr). 


2044-1 Summer Sequence (Pt.1) Col 38365 
2045-1 Summer Sequence (Pt.2)   - 
2046-1 Summer Sequence (Pt.3) Col 38367 




"Summer Sequence" (IV)
Hollywood, December 27, 1947


Stan Fishelson, Bernie Glow, Marky Markowitz, Ernie Royal (tp), Shorty Rogers (tp, arr), Earl Swope, Ollie Wilson (tb), Bob Swift (bass tb), Woody Herman (cl, as, vcl), Sam Marowitz (as), Herbie Steward (as, ts), Stan Getz, Zoot Sims (ts), Serge Chaloff (bari), Ralph Burns (p, arr), Gene Sargent (g), Walt Yoder (b), Don Lamond (d). 


3062-1 Summer Sequence (Pt.4) Col 38367

Citas de músicos: sobre las influencias y la honestidad

Uno ha de hacer lo que se le ocurra con honestidad. No eres más que la suma de tus influencias. Te las bebes, las escupes y tratas de ser honesto con lo que te salga.

Rich Hope entrevistado en El Sótano, Radio 3-RNE (39:48).